
Le 17 octobre 2025, nous avons eu le plaisir d’assister à la journée d’étude “La Littérature au Contact des Mondes Vivants”, co-organisée par Marion Clanet, Solveig Dunkel, Claire Hélie, et Sophie Musitelli, chercheuse à l’Université de Lille, au laboratoire Cécille. Cette journée était le fruit d’une collaboration entre l’axe 1 «Poïétique et Politique» et le programme transversal en humanités environnementales du Cécille. Son objectif était de questionner la relation entre l’humain et son environnement, dans la littérature et les arts. Comment écrire, comment habiter, comment raconter la vie dans et au-delà de l’être humain? Comment déconstruire une vision coloniale des mondes naturels? Voici le compte-rendu d’une journée pluridisciplinaire, des présentations de ses intervenants et de ses réflexions. Ce premier article présente le compte-rendu de la matinée.
Partie 1: Décoloniser le monde naturel:
La journée est ouverte par Mme Lecossois, Professeure à l’Université de Lille, chercheuse en études irlandaises, et en études théâtrales, et de la performance. Elle choisit de nous présenter le point de vue de l’artiste irlandaise Miriam de Burca sur la décolonialité de l’environnement avec une prise de parole intitulée: “Perspectives décoloniales dans l’art Irlandais contemporain”.
La présentation commence par une clarification de la différence entre décolonisation, qui est un processus politique, et décolonialité qui perdure au-delà de la politique. La décolonisation est le démantèlement officiel d’un système colonial, la décolonialité, celui des mentalités qui perdurent malgré la décolonisation. Il existe un lien clair entre néocolonialisme et écocide, entre nature et violence sociale dans la littérature et les arts, sur les plans thématique comme formel. La nature et le regard que l’on porte sur le paysage colonial et néocolonial sont historicisés. Miriam de Boca questionne ce regard, mais aussi l’extractivisme et la réparation. À travers son art, elle demande: «quelle épistémologie pour une approche décoloniale du monde vivant?» Pour ce faire, elle porte une attention particulière à la micro-géographie, et aux native aliens, les mauvaises herbes, le banal. Elle explore les lieux naturels historicisés, tels que les sites de feux de joie, les grandes propriétés comme le Crom Estate dans le comté de Fermanagh en Irlande du Nord, mais aussi les cilíns, des sépultures historiques où étaient enterrées les personnes non-baptisées, criminelles, excommuniées, et suicidées, qui n’étaient pas jugées dignes d’une pierre tombale dans des cimetières religieux.
La décolonialité de Miriam de Boca passe par la reconnaissance de ces lieux, des indésirés à la fois humains et floraux, mais aussi par la dénomination des plantes. Les végétaux qu’elle sélectionne pour ses œuvres ne sont pas dénommés par la taxonomie botanique, souvent latine. Elle questionne la langue utilisée pour nommer ces plantes, préférant l’irlandais au latin. L’œuvre de Miriam de Boca est ouvertement politisée, dans Noblesse Oblige (2024), elle utilise des native aliens trouvés aux frontières entre l’Irlande et l’Irlande du Nord lors du Brexit, posant des questions d’appartenance nationale et d’immigration. Elle utilise notamment des Rhodhodindron Ponticome, une espèce envahissante en Irlande, qui met la biodiversité en danger. Dans Anatomy of Chaos I; What Remains? (2018), Miriam de Boca considère les questions de réparations mémorielles. Elle prend le temps de marcher dans les cilíns, en prêtant une attention particulière à ne pas marcher sur les tombes. Elle y collecte des échantillons, les dessine, parfois pendant plusieurs semaines, puis retourne replanter les échantillons une fois le dessin terminé. Cette œuvre et son processus créatif deviennent ainsi un rituel et offrent de la dignité aux personnes enterrées anonymement.Le travail de Miriam de Boca n’utilise pas seulement la flore irlandaise. Dans son installation We lay waste, we burn, we plunder (2024), elle établit un lien entre écocide et néocolonialisme. Pour cela, elle présente un salon au mobilier victorien, symbole de noblesse, de richesse, de colonialisme et de privilège, et place des sièges face à des images à l’encre de Chine, tirées des réseaux sociaux, prises à Gaza pendant le génocide par les forces israéliennes. En plaçant les spectateur·rice·s dans le luxe, dans les fauteuils victoriens, elle les force à regarder la destruction depuis le confort de son salon, les positionnant dans une empathie distancielle, iels voient mais ne peuvent rien faire. C’est aussi une comparaison directe avec les nobles du 18ème siècle, dénonçant ainsi le système néocolonial qui perdure à ce jour.
Le premier sujet se poursuit avec la présentation de Nsah Mala, PhD, poète, spécialiste en littérature comparée et humanité environnementale pour une intervention autour de: “Les vivants dans les littératures du bassin du Congo: approches décoloniales et postcoloniales”.
Avant même de commencer, il soulève un point important : lorsque l’on parle d’études culturelles en France, l’Afrique est rarement étudiée. Pourtant, le bassin du Congo est la deuxième plus grande forêt tropicale du monde après l’Amazonie, concerne 6 pays, chacun ayant connu la colonisation européenne, qu’elle soit allemande, française, espagnole, ou belge. Il s’agit d’une zone extrêmement importante, que cela soit en matière d’espèces végétales, minérales ou animales. Cette richesse est la raison de nombreux conflits, de nombreuses guerres, divisant la soif capitaliste pour les minerais, et la conservation de la nature. Ce conflit a entraîné la construction de parcs nationaux qui, sous couvert de protection de la nature, servent au déplacement forcé des autochtones. Il soulève la violence non seulement physique, mais aussi spirituelle qu’il y a à être chassé·e·s de chez soi. Ces controverses sont présentes dans les littératures du bassin du Congo, qu’il s’agisse de l’harmonie humain/nature, des problèmes conflictuels entre animaux et humains sur les champs mis en culture, ou les injustices que subissent les populations. Elles impliquent également de multiples formes de violences: violences simultanées, physiques, écocidaires, motivées par le pétrole, etc… mais aussi catastrophes naturelles d’une violence spectaculaire et la violence d’en être témoin.
Pour approfondir ces points, Nsah Mala suggère les oeuvres suivantes:
- L’Université de la Forêt avec les Pygmées Aka, Sorel Ela (2022), pour en savoir davantage sur la vie harmonieuse avec la nature, et l’humilité à apprendre des autochtones, ainsi que l’impact des industries chinoises sur l’environnement et la guerre pour les minerais.
- L’œuvre de fiction Le Silence de la Forêt de E. Goyémidé (1994)
- Le roman Gahi ou l’affaire Autochtone de Henri Djombo (2022)
La présentation se poursuit avec l’introduction d’une forme plus récente de colonialisme: le colonialisme vert, où les puissances coloniales imposent un point de vue européen à la nature et à sa protection. Sous couvert de ce colonialisme vert, on puise des minerais, pour des recherches, en privant les locaux de ces ressources. Les industries du tourisme et du bois ont aussi un impact important sur la destruction de l’environnement, mais lorsqu’il faut désigner un coupable, les autochtones sont pointé·e·s du doigt, accusé·e·s d’abîmer les forêts quand de grandes entreprises en sont responsables. Ce colonialisme vert nuit également aux animaux, dont certains sont en voie de disparition.
La présentation se termine sur le point important de la communication. Le colonialisme vert se retrouve jusque dans la façon de communiquer sur le dérèglement climatique. Le vocabulaire employé est strictement européen, aucune langue camerounaise n’a de mot pour ‘réchauffement climatique’. Nsah Mala donne aussi l’exemple des oiseaux que l’on demande de protéger dans une langue étrangère, avec des noms étrangers qui ne résonnent pas avec les locaux. Pour approfondir ces points, Nsah Mala suggère le travail de Henri Djombo, notamment Déforestation, une pièce de théâtre écrite en collaboration avec Osée Koagne en 2022, et traduite par Nsah Mala.
Partie 2: Le climat, sa science et ses fictions.
Alex Hel Chermont, doctorant·e au laboratoire CECILLE, et titulaire d’un master en études féministes et études de genre à l’Universite Paris VII Diderot, est un.e artiste visuel·le et plasticien.ne queer trans et non binaire. Iel s’interroge sur les transformations des subjectivités queer et les résistances anticoloniales. Ses pratiques plastiques et visuelles sont centrées sur la fabrication des masques visibles sur son site internet. Pour sa présentation, iel nous offre une lecture d’un de ses poèmes: Fabulations sur l’apocalypse du genre depuis l’écosexualité: devenir raie à Pierre Blanche que voici retranscrit.
Une hécatombe.
La peau.
L’impermanence de la peau de l’immigré.
Un cataclysme.
Une trombe marine.
Une triple frontière
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Ce réflexe poétique commence sur la plage de
Pierre Blanche, sur une île appelée Cotijuba,
à l’extrême nord du Sud global.
Une île entièrement verte, entourée de plages.
Rien que des plantes et du sable à l’horizon.
Le bateau accoste à l’embarcadère. Il est dix heures du matin.
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Je traverse l’île de long en large,
jusqu’à trouver une maison jaune,
sur la plage de Pierre Blanche.
C’est la maison d’une femme qui s’appelle
Nubia.
Nubia, prénom égyptien qui signifie or,
comme la couleur de sa maison.
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Commencer ainsi le récit,
par la destination finale de mes recherches.
La plage de Pierre Blanche est aussi un vaste
milieu :
l’endroit où tout recommence.
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À Pedra Branca,
tout est construction en perpétuelle
déconstruction : la linéarité du temps.
Les lignes cartographiques sont traversées par
la baie de Marajó.
Rio Amazonas.
Fleuve Amazone.
Le Fleuve-Océan.
Qui baigne l’île de Cotijuba et l’île de Marajó.
Où j’avais l’habitude d’aller éprouver le vide
de ma mère.
L’île où ma mère allait dans sa trentaine.
L’envie réciproque de trancher l’espace.
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Pour traverser l’île, je monte à moto avec T.
Pendant le trajet, T se fait piquer par une
abeille violette.
Iel ne veut pas s’arrêter.
Quand j’arrive devant la maison que je
cherche,
il n’y a personne.
T m’attend au portail.
Je laisse mes affaires sur le balcon.
Une bibliothèque de littérature brésilienne
et d’histoire de luttes anticoloniales s’ouvre.
Un chien jaune surgit dans le jardin,
saute sur mes affaires.
Je descends dans un champ sans murs.
Je marche.
Une maison bleue apparaît :
je comprends que je suis sur une propriété
privée.
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À ma gauche,
une voix me salue.
Un simple bonjour,
qui berce mon esprit.
Peut-être se demande-t-elle
ce que je fais là, perdu sur son terrain.
Je m’excuse.
Je lui demande la direction de la plage.
Elle m’invite aussitôt à entrer.
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Un long jardin de palmiers.
Je lui dis que je loge dans la maison de Nubia
et du Professeur Josy.
Elle me conduit jusqu’à un escalier de bois,
au bas duquel résonne une scène musicale.
En descendant, je la remercie.
Elle ne me dit pas son prénom,
mais déclare que sa maison est aussi la nôtre.
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Les marches, si fines, brûlent la plante de mes
pieds.
35 degrés dans l’air humide des tropiques.
40 degrés sur le sable.
Le son des vagues m’appelle.
Quand j’arrive à la plage de Pierre Blanche,
il n’y a absolument personne.
Un message de Nubia : son bateau est en
retard.
Puis plus de réseau.
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Je m’installe sur le sable,
les pieds dans l’eau de l’Amazone.
Une eau que je ne connaissais que de l’autre
bout du territoire.
Et là,
l’île décide que je devienne elle-même.
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À Pedra Branca,
Je suis un corps de sable qui ne travaille pour
personne.
Y arriver est une performance.
Y rester aussi.
Tout à l’envers,
sans public.
Un corps de pierre blanche
qui n’écoute que ce qui l’entoure.
Un corps de la même baie
qui m’avait accueilli enfant.
Un corps qui perd sa peau d’avant.
Une Jararaca,
comme j’en parlais la veille avec tante Suely,
lorsque nous évoquions les serpents qui
muent.
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Je me souviens de cette femme,
rencontrée la veille chez ma grand-mère,
qui se dit ma tante.
Nous avons parlé des serpents,
des raies.
La peau ancienne était une carapace.
Je la laisse derrière moi :
l’ancienne peau,
l’ancien sexe.
Ce jour-là,
je n’avais pas de prénom.
Elle m’a offert de nombreux cadeaux,
des objets venus des territoires Ticuna,
et m’a expliqué comment les utiliser.
Elle m’a prévenu : fais attention demain, près
des rochers,
Les raies sont là.
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De longues heures passent,
à observer les forêts environnantes.
Si différentes de celles d’Europe.
Puis je marche vers les rochers.
J’y pose mes pieds,
au moins une heure.
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Le genre ne me catégorise plus.
L’écosexualité m’habite.
La plage vide.
L’eau de la baie.
Les rochers.
Les raies.
Tout est érotique.
Ma peau se confond avec le sable.
Mes pieds avec des fissures de pierre.
Je suis envahi par l’eau,
par le soleil.
Les vagues m’appartiennent. Tout se termine
et recommence.
Assis sur mes pieds,
je regarde le fleuve de mon enfance.
L’Amazone.
Sa beauté est son horizon :
une coupure entre eaux troubles et ciel bleu.
C’est pourquoi ce fleuve est une route.
Là-bas, je m’ancre dans mes os.
La peau de mes pieds se confond avec la
pierre.
Un cri éclate : un bem-te-vi. Tyrannus
melancholicus
Je crois reconnaître son chant trisyllabique.
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À Pierre Blanche, dans l’eau,
une autre apocalypse du genre se produit.
Je sais comme une évidence
que je n’ai jamais voulu être homme,
ni femme. Toujours,
j’ai voulu être animal.
Je me souviens des histoires
des animaux du fleuve.
Des mots fantastiques
qui m’ont bercé comme ses vagues.
Aujourd’hui je ne raconte que des images.
En haut :
un ciel rose,
les ailes déployées des harpies.
En bas :
la Boiuna,
Mboiaçu,
Cobra-grande,
Sucuri.
Eunectes murinus.
Quelle puissance dans ce mot
« Anaconda » ?
Yacumama, la mère de l’eau.
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À ce moment-là,
ma peau colle aux rochers.
Les eaux de l’Amazone
portent leurs mystères.
J’écoute le bem-te-vi.
Le ciel devient rose.
Bientôt, en France,
j’apprendrai les nouvelles
des incendies du fleuve Xingu.
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Un an plus tard,
la mort de Josy.
Éducateur populaire de l’île.
Ma dernière journée dans l’île avec lui,
dans l’eau,
j’ai apprivoisé cet espace et écouté ses
histoires.
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C’était moi,
la Boiuna qui dormait en bas de l’eau.
Moi,
le bem-te-vi qui chantait. Tyranus du ventre
jaune.
Moi,
le faucon et le ciel rose.
Les petits lézards mangeant du maïs.
Les œufs qui attendaient d’éclore
.
Et quand je regarde enfin le dessin
que les pierres ont laissé sur la plante de mes
pieds, je comprends :
la raie collée aux pierres blanches,
moi. Et nous aussi
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La matinée se poursuit avec la présentation de Gert Meesters intitulée « Le changement climatique en bande dessinée : le travail de Philippe Squarzoni et Judith Vanistendael » introduit la bande dessinée belge dans le traitement du changement climatique. Pour ce faire, il nous présente trois œuvres, qui, chacune à sa manière, abordent la question du changement climatique. Il précise tout de même que, par rapport à la littérature classique, la bande-dessinée présente un décalage dans le traitement des sujets climatiques. Le milieu étant très cloisonné, la BD met du temps à aborder les mêmes thèmes que la littérature.
Il commence avec l’introduction de Waterland, une série classique flamande de la fin des années 90. La série s’adresse surtout à des enfants de primaire. Dans cette série, des enfants vivent des aventures dans les Flandres impactées par le réchauffement climatique. La série n’aborde pas directement la problématique, elle se sert des conséquences de la montée des eaux pour le décor de son histoire. Tout ce que les enfants font est impacté par la météo. Il existe des zones toujours habitables, mais le monde à changé.
Dans un registre tout autre, l’ouvrage Saison Brune de Philippe Squarzoni, publié en 2012, présente une réflexion bien plus terre à terre, et bien plus négative sur le réchauffement climatique. La bande dessinée, longue de plus de 500 pages, détaille ce qui va se passer avec le réchauffement climatique et des mesures à prendre pour l’éviter. Saison Brune est racontée à la première personne, ce qui est rare pour les bandes-dessinées belges. L’ouvrage est très documenté, et fonctionne à la manière d’un texte, d’un essai, qui présente des faits, théories et arguments au lieu de raconter une histoire. Il pose la question de qui est concerné, du rôle des grandes entreprises à travers la vie quotidienne de l’auteur. L’œuvre s’achève sur une note pessimiste ; après tout avoir documenté, et après avoir proposé des solutions, l’auteur conclut que l’on ne fera rien, que tout est perdu d’avance. Par ce pessimisme, l’auteur diffère de ses contemporains, clamant qu’il est trop tard, que la société ne changera pas assez vite.
La dernière bande-dessinée de cette présentation est Atan des Cyclades de Judith Vanistendael, paru en 2022. Son point de départ est la question suivante : Comment encore vivre avec le changement climatique? Comment être optimiste et rire dans ce contexte? L’ouvrage a pour mission d’être une comédie, sans pour autant dénigrer ou ridiculiser le changement climatique. L’histoire se passe en 2070, et suit la vie de personnages qui essaient de s’adapter à un monde transformé par les conséquences du changement climatique. Dans cet ouvrage, les protagonistes sont volontairement européens, ce choix mettant le lectorat en face de la condition de réfugié climatique, en face de l’obligation de se réinventer dans un monde aux besoins différents.
Les traitements presque dichotomiques du réchauffement climatique dans ces œuvres posent la question de l’approche la plus efficace pour discuter du réchauffement climatique, espoir ou désespoir? Selon Gert Meesters, les auteurs pensent qu’il faut essayer les deux, que l’objectif premier est de savoir comment vivre avec.
Partie 3: Les frontières du vivants
Vanessa Alayrac-Fielding est Professeure à l’Université de Lille, actuellement en en délégation à l’Université Paris Cité, spécialiste en histoire culturelle britannique du 18ème siècle, et de questions d’orientalisme. Sa présentation, « Matérialité et animalité dans les textes du 18ème siècle », porte sur la littérature fictionnelle, notamment les poèmes et le discours de la matière animale au 18ème siècle. Le discours de la matière animale est une forme de sous-genre thématique de poèmes nationalistes ; il a une veine matérialiste. En effet, à cette époque, il existe déjà une industrie mondiale du commerce de matière animale, l’industrie de la mode notamment, est très consommatrice de ces matières. Ainsi, l’animal devient une marchandise, il passe d’animé à inanimé. Le discours est également très genré, les femmes sont pointées du doigt comme les principales récipiendaires des matières apportées par le colonialisme. Dans le poème Clarinda le monde vivant est au service de la femme à la mode, de la coquette, et en particulier de la courtisane. L’animal meurt presque aussitôt sous les yeux du lecteur, tandis qu’une anaphore place définitivement la courtisane en récipiendaire de la richesse animale. La ménagerie est globalisée ; tout animal peut être utilisé. Le ver à soi, la baleine, le murex (un gastéropode), l’éléphant, la tortue, les autruches, les animaux à fourrure tel que la zibeline…
Sous une forme séduisante, se lit la violence du capitalisme mercantile. La littérature remet en forme et verbalise les logiques coloniales d’exploitation du monde vivant. Les vers dépeignent la transformation de l’animé en inanimé, l’animal est une surface, résultat des désirs consuméristes. La matière animale se met au service de l’industrie du luxe qui grandit à l’époque. L’accumulation de l’animal transformé en marchandise est presque oppressante. Le texte décrit le chagrin, une matière animale faite de requin ou de raie pastenague, qui est transformée en petits objets de luxe qui chosifient les animaux.
Dans un poème sur la boîte de Pandore (1719), est décrite la manufacture d’une tabatière liée à la colonialité, utilisée par les hommes et par les femmes. Le texte est ouvertement anti-luxe et moraliste, adressé surtout aux femmes et aux dandys. Le poète condamne l’extraction de la nature, l’homme n’étant pas digne d’en être le maître, car il se complait dans le luxe. Vanessa Alaryac-Fielding conclut en déclarant que l’objet et le poème sont comme des microcosmes d’un monde animal autrefois vivant, transformé par la manufacture d’objets.
Actuellement post-doctorante en études de lettres, Amélie Aubert-Noël est spécialiste en études italiennes, folklore et folktales dont elle parle dans la dernière prise de parole de la matinée nommée : “Meat Studies et littérature d’anticipation italienne : questionnements méthodologiques”. Sa présentation se concentre sur les meat studies, l’étude des représentations de la viande et des questions qui y sont liées dans l’art et la culture. Elle commence par souligner que la culture carniste est un système de croyance naturalisée, mais cette culture soulève des questions sur la souffrance des animaux et sur l’écologie. Son travail consiste à démêler les complexités de la viande, s’intéresser aux vies et morts animales de l’industrie de la viande et à re-visibiliser les animaux. Pour ce faire, elle nous présente deux livres qui, chacun à leur manière, traitent de l’industrie de la viande, de sa consommation, et de sa violence.
Dans Sirene de Laura Pugno publié en 2020, les sirènes sont élevées pour leur viande. La question de la condition féminine et la condition animale sont alors mises en parallèle. Le récit est moins engagé, plus poétique, et dégage une puissance différente des autres œuvres qui ressemblent davantage à des manifestes. Dans Cadavre Exquis de Agustina Bazterrica, publié en 2019, les humains sont élevés comme du bétail. Les deux œuvres sont une représentation dystopique de l’élevage industriel qui nous montre des humains subissant ce que font subir les humains aux animaux.
Ces travaux, ainsi que le végétarisme sont victimes de critiques qu’Amélie Aubert-Noël qualifie de réactionnaires et caricaturales, incapables d’objectivités. Ces critiques pointent que le végétarisme est un mouvement extrémiste qui risque de devenir fanatique. Elle donne l’exemple du livre Carnivori de Franci Conforti, publié en 2017 dans lequel un groupe de savants fanatiques qui considèrent les vies animales comme sacrées veulent faire en sorte de ne plus consommer la moindre vie, et de consommer uniquement les rayons du soleil. Cela conduit à leur transformation en hybrides plantes/humains, comme des zombies. Dans l’ensemble, les récits s’orientent vers le choc, la violence pour mettre le lectorat en face d’une réalité bien ancrée dans la consommation.






