Ressources numériques en sciences humaines et sociales OpenEdition Nos plateformes OpenEdition Books OpenEdition Journals Hypothèses Calenda Bibliothèques OpenEdition Freemium Suivez-nous

Compte-rendu de la matinée de la journée d’étude “La littérature au contact des mondes vivants”.

Le 17 octobre 2025, nous avons eu le plaisir d’assister à la journée d’étude “La Littérature au Contact des Mondes Vivants”, co-organisée par Marion Clanet, Solveig Dunkel, Claire Hélie, et Sophie Musitelli, chercheuse à l’Université de Lille, au laboratoire Cécille. Cette journée était le fruit d’une collaboration entre l’axe 1 «Poïétique et Politique» et le programme transversal en humanités environnementales du Cécille. Son objectif était de questionner la relation entre l’humain et son environnement, dans la littérature et les arts. Comment écrire, comment habiter, comment raconter la vie dans et au-delà de l’être humain? Comment déconstruire une vision coloniale des mondes naturels? Voici le compte-rendu d’une journée pluridisciplinaire, des présentations de ses intervenants et de ses réflexions. Ce premier article présente le compte-rendu de la matinée.


Partie 1: Décoloniser le monde naturel:

La journée est ouverte par Mme Lecossois, Professeure à l’Université de Lille, chercheuse en études irlandaises, et en études théâtrales, et de la performance. Elle choisit de nous présenter le point de vue de l’artiste irlandaise Miriam de Burca sur la décolonialité de l’environnement avec une prise de parole intitulée: “Perspectives décoloniales dans l’art Irlandais contemporain”. 

La présentation commence par une clarification de la différence entre décolonisation, qui est un processus politique, et décolonialité qui perdure au-delà de la politique. La décolonisation est le démantèlement officiel d’un système colonial, la décolonialité, celui des mentalités qui perdurent malgré la décolonisation. Il existe un lien clair entre néocolonialisme et écocide, entre nature et violence sociale dans la littérature et les arts, sur les plans thématique comme formel. La nature et le regard que l’on porte sur le paysage colonial et néocolonial sont historicisés. Miriam de Boca questionne ce regard, mais aussi l’extractivisme et la réparation. À travers son art, elle demande: «quelle épistémologie pour une approche décoloniale du monde vivant?» Pour ce faire, elle porte une attention particulière à la micro-géographie, et aux native aliens, les mauvaises herbes, le banal. Elle explore les lieux naturels historicisés, tels que les sites de feux de joie, les grandes propriétés comme le Crom Estate dans le comté de Fermanagh en Irlande du Nord, mais aussi les cilíns, des sépultures historiques où étaient enterrées les personnes non-baptisées, criminelles, excommuniées, et suicidées, qui n’étaient pas jugées dignes d’une pierre tombale dans des cimetières religieux. 

La décolonialité de Miriam de Boca passe par la reconnaissance de ces lieux, des indésirés à la fois humains et floraux, mais aussi par la dénomination des plantes. Les végétaux qu’elle sélectionne pour ses œuvres ne sont pas dénommés par la taxonomie botanique, souvent latine. Elle questionne la langue utilisée pour nommer ces plantes, préférant l’irlandais au latin. L’œuvre de Miriam de Boca est ouvertement politisée, dans Noblesse Oblige (2024), elle utilise des native aliens trouvés aux frontières entre l’Irlande et l’Irlande du Nord lors du Brexit, posant des questions d’appartenance nationale et d’immigration. Elle utilise notamment des Rhodhodindron Ponticome, une espèce envahissante en Irlande, qui met la biodiversité en danger. Dans Anatomy of Chaos I; What Remains? (2018), Miriam de Boca considère les questions de réparations mémorielles. Elle prend le temps de marcher dans les cilíns, en prêtant une attention particulière à ne pas marcher sur les tombes. Elle y collecte des échantillons, les dessine, parfois pendant plusieurs semaines, puis retourne replanter les échantillons une fois le dessin terminé. Cette œuvre et son processus créatif deviennent ainsi un rituel et offrent de la dignité aux personnes enterrées anonymement.Le travail de Miriam de Boca n’utilise pas seulement la flore irlandaise. Dans son installation We lay waste, we burn, we plunder (2024), elle établit un lien entre écocide et néocolonialisme. Pour cela, elle présente un salon au mobilier victorien, symbole de noblesse, de richesse, de colonialisme et de privilège, et place des sièges face à des images à l’encre de Chine, tirées des réseaux sociaux, prises à Gaza pendant le génocide par les forces israéliennes. En plaçant les spectateur·rice·s dans le luxe, dans les fauteuils victoriens, elle les force à regarder la destruction depuis le confort de son salon, les positionnant dans une empathie distancielle, iels voient mais ne peuvent rien faire. C’est aussi une comparaison directe avec les nobles du 18ème siècle, dénonçant ainsi le système néocolonial qui perdure à ce jour. 


Le premier sujet se poursuit avec la présentation de Nsah Mala, PhD, poète, spécialiste en littérature comparée et humanité environnementale pour une intervention autour de: “Les vivants dans les littératures du bassin du Congo: approches décoloniales et postcoloniales”. 

Avant même de commencer, il soulève un point important : lorsque l’on parle d’études culturelles en France, l’Afrique est rarement étudiée. Pourtant, le bassin du Congo est la deuxième plus grande forêt tropicale du monde après l’Amazonie, concerne 6 pays, chacun ayant connu la colonisation européenne, qu’elle soit allemande, française, espagnole, ou belge. Il s’agit d’une zone extrêmement importante, que cela soit en matière d’espèces végétales, minérales ou animales. Cette richesse est la raison de nombreux conflits, de nombreuses guerres, divisant la soif capitaliste pour les minerais, et la conservation de la nature. Ce conflit a entraîné la construction de parcs nationaux qui, sous couvert de protection de la nature, servent au déplacement forcé des autochtones. Il soulève la violence non seulement physique, mais aussi spirituelle qu’il y a à être chassé·e·s de chez soi. Ces controverses sont présentes dans les littératures du bassin du Congo, qu’il s’agisse de l’harmonie humain/nature, des problèmes conflictuels entre animaux et humains sur les champs mis en culture, ou les injustices que subissent les populations. Elles impliquent également de multiples formes de violences: violences simultanées, physiques, écocidaires, motivées par le pétrole, etc… mais aussi catastrophes naturelles d’une violence spectaculaire et la violence d’en être témoin. 

Pour approfondir ces points, Nsah Mala suggère les oeuvres suivantes:

  • L’Université de la Forêt avec les Pygmées Aka, Sorel Ela (2022), pour en savoir davantage sur la vie harmonieuse avec la nature, et l’humilité à apprendre des autochtones, ainsi que l’impact des industries chinoises sur l’environnement et la guerre pour les minerais.
  • L’œuvre de fiction Le Silence de la Forêt de E. Goyémidé (1994)
  • Le roman Gahi ou l’affaire Autochtone de Henri Djombo (2022)

La présentation se poursuit avec l’introduction d’une forme plus récente de colonialisme: le colonialisme vert, où les puissances coloniales imposent un point de vue européen à la nature et à sa protection. Sous couvert de ce colonialisme vert, on puise des minerais, pour des recherches, en privant les locaux de ces ressources. Les industries du tourisme et du bois ont aussi un impact important sur la destruction de l’environnement, mais lorsqu’il faut désigner un coupable, les autochtones sont pointé·e·s du doigt, accusé·e·s d’abîmer les forêts quand de grandes entreprises en sont responsables. Ce colonialisme vert nuit également aux animaux, dont certains sont en voie de disparition. 

La présentation se termine sur le point important de la communication. Le colonialisme vert se retrouve jusque dans la façon de communiquer sur le dérèglement climatique. Le vocabulaire employé est strictement européen, aucune langue camerounaise n’a de mot pour ‘réchauffement climatique’. Nsah Mala donne aussi l’exemple des oiseaux que l’on demande de protéger dans une langue étrangère, avec des noms étrangers qui ne résonnent pas avec les locaux. Pour approfondir ces points, Nsah Mala suggère le travail de Henri Djombo, notamment Déforestation, une pièce de théâtre écrite en collaboration avec Osée Koagne en 2022, et traduite par Nsah Mala. 


Partie 2: Le climat, sa science et ses fictions.

Alex Hel Chermont, doctorant·e au laboratoire CECILLE, et titulaire d’un master en études féministes et études de genre à l’Universite Paris VII Diderot, est un.e artiste visuel·le et plasticien.ne queer trans et non binaire. Iel s’interroge sur les transformations des subjectivités queer et les résistances anticoloniales.  Ses pratiques plastiques et visuelles sont centrées sur la fabrication des masques visibles sur son site internet. Pour sa présentation, iel nous offre une lecture d’un de ses poèmes: Fabulations sur l’apocalypse du genre depuis l’écosexualité: devenir raie à Pierre Blanche que voici retranscrit.

Une hécatombe.
La peau.
L’impermanence de la peau de l’immigré.

Un cataclysme.
Une trombe marine.
Une triple frontière

_____________________________________

Ce réflexe poétique commence sur la plage de

Pierre Blanche, sur une île appelée Cotijuba,

à l’extrême nord du Sud global.

Une île entièrement verte, entourée de plages.

Rien que des plantes et du sable à l’horizon.

Le bateau accoste à l’embarcadère. Il est dix heures du matin.

_____________________________________

Je traverse l’île de long en large,

jusqu’à trouver une maison jaune,

sur la plage de Pierre Blanche.

C’est la maison d’une femme qui s’appelle

Nubia.

Nubia, prénom égyptien qui signifie or,

comme la couleur de sa maison.

_____________________________________

Commencer ainsi le récit,

par la destination finale de mes recherches.

La plage de Pierre Blanche est aussi un vaste

milieu :

l’endroit où tout recommence.

_____________________________________

À Pedra Branca,

tout est construction en perpétuelle

déconstruction : la linéarité du temps.

Les lignes cartographiques sont traversées par

la baie de Marajó.

Rio Amazonas.

Fleuve Amazone.

Le Fleuve-Océan.

Qui baigne l’île de Cotijuba et l’île de Marajó.

Où j’avais l’habitude d’aller éprouver le vide

de ma mère.

L’île où ma mère allait dans sa trentaine.

L’envie réciproque de trancher l’espace.

_____________________________________

Pour traverser l’île, je monte à moto avec T.

Pendant le trajet, T se fait piquer par une

abeille violette.

Iel ne veut pas s’arrêter.

Quand j’arrive devant la maison que je

cherche,

il n’y a personne.

T m’attend au portail.

Je laisse mes affaires sur le balcon.

Une bibliothèque de littérature brésilienne

et d’histoire de luttes anticoloniales s’ouvre.

Un chien jaune surgit dans le jardin,

saute sur mes affaires.

Je descends dans un champ sans murs.

Je marche.

Une maison bleue apparaît :

je comprends que je suis sur une propriété

privée.

_____________________________________

À ma gauche,

une voix me salue.

Un simple bonjour,

qui berce mon esprit.

Peut-être se demande-t-elle

ce que je fais là, perdu sur son terrain.

Je m’excuse.

Je lui demande la direction de la plage.

Elle m’invite aussitôt à entrer.

_____________________________________

Un long jardin de palmiers.

Je lui dis que je loge dans la maison de Nubia

et du Professeur Josy.

Elle me conduit jusqu’à un escalier de bois,

au bas duquel résonne une scène musicale.

En descendant, je la remercie.

Elle ne me dit pas son prénom,

mais déclare que sa maison est aussi la nôtre.

_____________________________________

Les marches, si fines, brûlent la plante de mes

pieds.

35 degrés dans l’air humide des tropiques.

40 degrés sur le sable.

Le son des vagues m’appelle.

Quand j’arrive à la plage de Pierre Blanche, 

il n’y a absolument personne.

 

Un message de Nubia : son bateau est en 

retard. 

Puis plus de réseau. 

_____________________________________

Je m’installe sur le sable, 

les pieds dans l’eau de l’Amazone.

 

Une eau que je ne connaissais que de l’autre 

bout du territoire. 

Et là, 

l’île décide que je devienne elle-même. 

_____________________________________

À Pedra Branca, 

Je suis un corps de sable qui ne travaille pour 

personne. 

Y arriver est une performance. 

Y rester aussi.

Tout à l’envers, 

sans public.

 

Un corps de pierre blanche 

qui n’écoute que ce qui l’entoure. 

Un corps de la même baie 

qui m’avait accueilli enfant.

 

Un corps qui perd sa peau d’avant. 

Une Jararaca, 

comme j’en parlais la veille avec tante Suely, 

lorsque nous évoquions les serpents qui 

muent.

_____________________________________

Je me souviens de cette femme, 

rencontrée la veille chez ma grand-mère, 

qui se dit ma tante.

Nous avons parlé des serpents, 

des raies.

 

La peau ancienne était une carapace. 

Je la laisse derrière moi : 

l’ancienne peau, 

l’ancien sexe.

Ce jour-là,

 je n’avais pas de prénom.

 

Elle m’a offert de nombreux cadeaux, 

des objets venus des territoires Ticuna, 

et m’a expliqué comment les utiliser.

 

Elle m’a prévenu : fais attention demain, près 

des rochers, 

Les raies sont là. 

_____________________________________

De longues heures passent, 

à observer les forêts environnantes. 

Si différentes de celles d’Europe.

 

Puis je marche vers les rochers.

J’y pose mes pieds, 

au moins une heure. 

_____________________________________

Le genre ne me catégorise plus. 

L’écosexualité m’habite.

 

La plage vide. 

L’eau de la baie. 

Les rochers. 

Les raies.

Tout est érotique.

 

Ma peau se confond avec le sable. 

Mes pieds avec des fissures de pierre. 

Je suis envahi par l’eau, 

par le soleil.

 

Les vagues m’appartiennent. Tout se termine 

et recommence. 

Assis sur mes pieds, 

je regarde le fleuve de mon enfance. 

L’Amazone.

 

Sa beauté est son horizon : 

une coupure entre eaux troubles et ciel bleu. 

C’est pourquoi ce fleuve est une route. 

Là-bas, je m’ancre dans mes os. 

La peau de mes pieds se confond avec la 

pierre.

 

Un cri éclate : un bem-te-vi. Tyrannus 

melancholicus 

Je crois reconnaître son chant trisyllabique.

_____________________________________

À Pierre Blanche, dans l’eau, 

une autre apocalypse du genre se produit.

Je sais comme une évidence 

que je n’ai jamais voulu être homme, 

ni femme. Toujours, 

j’ai voulu être animal.

Je me souviens des histoires 

des animaux du fleuve. 

Des mots fantastiques 

qui m’ont bercé comme ses vagues.

 

Aujourd’hui je ne raconte que des images.

En haut : 

un ciel rose, 

les ailes déployées des harpies.

 

En bas : 

la Boiuna, 

Mboiaçu, 

Cobra-grande, 

Sucuri.

 

Eunectes murinus.

 

Quelle puissance dans ce mot 

« Anaconda » ?

 

Yacumama, la mère de l’eau. 

_____________________________________

À ce moment-là, 

ma peau colle aux rochers. 

Les eaux de l’Amazone 

portent leurs mystères.

 

J’écoute le bem-te-vi. 

Le ciel devient rose.

 

Bientôt, en France, 

j’apprendrai les nouvelles 

des incendies du fleuve Xingu.

_____________________________________ 

Un an plus tard, 

la mort de Josy. 

Éducateur populaire de l’île.

 

Ma dernière journée dans l’île avec lui, 

dans l’eau, 

j’ai apprivoisé cet espace et écouté ses 

histoires. 

_____________________________________

C’était moi, 

la Boiuna qui dormait en bas de l’eau. 

Moi, 

le bem-te-vi qui chantait. Tyranus du ventre 

jaune. 

Moi, 

le faucon et le ciel rose. 

Les petits lézards mangeant du maïs. 

Les œufs qui attendaient d’éclore

.

Et quand je regarde enfin le dessin 

que les pierres ont laissé sur la plante de mes 

pieds, je comprends :

 

la raie collée aux pierres blanches,

 

moi. Et nous aussi

__________________________

La matinée se poursuit avec la présentation de Gert Meesters intitulée « Le changement climatique en bande dessinée : le travail de Philippe Squarzoni et Judith Vanistendael » introduit la bande dessinée belge dans le traitement du changement climatique. Pour ce faire, il nous présente trois œuvres, qui, chacune à sa manière, abordent la question du changement climatique. Il précise tout de même que, par rapport à la littérature classique, la bande-dessinée présente un décalage dans le traitement des sujets climatiques. Le milieu étant très cloisonné, la BD met du temps à aborder les mêmes thèmes que la littérature. 

Il commence avec l’introduction de Waterland, une série classique flamande de la fin des années 90. La série s’adresse surtout à des enfants de primaire. Dans cette série, des enfants vivent des aventures dans les Flandres impactées par le réchauffement climatique. La série n’aborde pas directement la problématique, elle se sert des conséquences de la montée des eaux pour le décor de son histoire. Tout ce que les enfants font est impacté par la météo. Il existe des zones toujours habitables, mais le monde à changé. 

Dans un registre tout autre, l’ouvrage Saison Brune de Philippe Squarzoni, publié en 2012, présente une réflexion bien plus terre à terre, et bien plus négative sur le réchauffement climatique. La bande dessinée, longue de plus de 500 pages, détaille ce qui va se passer avec le réchauffement climatique et des mesures à prendre pour l’éviter. Saison Brune est racontée à la première personne, ce qui est rare pour les bandes-dessinées belges. L’ouvrage est très documenté, et fonctionne à la manière d’un texte, d’un essai, qui présente des faits, théories et arguments au lieu de raconter une histoire. Il pose la question de qui est concerné, du rôle des grandes entreprises à travers la vie quotidienne de l’auteur. L’œuvre s’achève sur une note pessimiste ; après tout avoir documenté, et après avoir proposé des solutions, l’auteur conclut que l’on ne fera rien, que tout est perdu d’avance. Par ce pessimisme, l’auteur diffère de ses contemporains, clamant qu’il est trop tard, que la société ne changera pas assez vite. 

La dernière bande-dessinée de cette présentation est Atan des Cyclades de Judith Vanistendael, paru en 2022. Son point de départ est la question suivante : Comment encore vivre avec le changement climatique? Comment être optimiste et rire dans ce contexte? L’ouvrage a pour mission d’être une comédie, sans pour autant dénigrer ou ridiculiser le changement climatique. L’histoire se passe en 2070, et suit la vie de personnages qui essaient de s’adapter à un monde transformé par les conséquences du changement climatique. Dans cet ouvrage, les protagonistes sont volontairement européens, ce choix mettant le lectorat en face de la condition de réfugié climatique, en face de l’obligation de se réinventer dans un monde aux besoins différents. 

Les traitements presque dichotomiques du réchauffement climatique dans ces œuvres posent la question de l’approche la plus efficace pour discuter du réchauffement climatique, espoir ou désespoir? Selon Gert Meesters, les auteurs pensent qu’il faut essayer les deux, que l’objectif premier est de savoir comment vivre avec. 


Partie 3: Les frontières du vivants

Vanessa Alayrac-Fielding est Professeure à l’Université de Lille, actuellement en en délégation à l’Université Paris Cité, spécialiste en histoire culturelle britannique du 18ème siècle, et de questions d’orientalisme. Sa présentation, « Matérialité et animalité dans les textes du 18ème siècle », porte sur la littérature fictionnelle, notamment les poèmes et le discours de la matière animale au 18ème siècle. Le discours de la matière animale est une forme de sous-genre thématique de poèmes nationalistes ; il a une veine matérialiste. En effet, à cette époque, il existe déjà une industrie mondiale du commerce de matière animale, l’industrie de la mode notamment, est très consommatrice de ces matières. Ainsi, l’animal devient une marchandise, il passe d’animé à inanimé. Le discours est également très genré, les femmes sont pointées du doigt comme les principales récipiendaires des matières apportées par le colonialisme. Dans le poème Clarinda le monde vivant est au service de la femme à la mode, de la coquette, et en particulier de la courtisane. L’animal meurt presque aussitôt sous les yeux du lecteur, tandis qu’une anaphore place définitivement la courtisane en récipiendaire de la richesse animale. La ménagerie est globalisée ; tout animal peut être utilisé. Le ver à soi, la baleine, le murex (un gastéropode), l’éléphant, la tortue, les autruches, les animaux à fourrure tel que la zibeline… 

Sous une forme séduisante, se lit la violence du capitalisme mercantile. La littérature remet en forme et verbalise les logiques coloniales d’exploitation du monde vivant. Les vers dépeignent la transformation de l’animé en inanimé, l’animal est une surface, résultat des désirs consuméristes. La matière animale se met au service de l’industrie du luxe qui grandit à l’époque. L’accumulation de l’animal transformé en marchandise est presque oppressante. Le texte décrit le chagrin, une matière animale faite de requin ou de raie pastenague, qui est transformée en petits objets de luxe qui chosifient les animaux. 

Dans un poème sur la boîte de Pandore (1719), est décrite la manufacture d’une tabatière liée à la colonialité, utilisée par les hommes et par les femmes. Le texte est ouvertement anti-luxe et moraliste, adressé surtout aux femmes et aux dandys. Le poète condamne l’extraction de la nature, l’homme n’étant pas digne d’en être le maître, car il se complait dans le luxe. Vanessa Alaryac-Fielding conclut en déclarant que l’objet et le poème sont comme des microcosmes d’un monde animal autrefois vivant, transformé par la manufacture d’objets.

Actuellement post-doctorante en études de lettres, Amélie Aubert-Noël est spécialiste en études italiennes, folklore et folktales dont elle parle dans la dernière prise de parole de la matinée nommée : “Meat Studies et littérature d’anticipation italienne : questionnements méthodologiques”. Sa présentation se concentre sur les meat studies, l’étude des représentations de la viande et des questions qui y sont liées dans l’art et la culture. Elle commence par souligner que la culture carniste est un système de croyance naturalisée, mais cette culture  soulève des questions sur la souffrance des animaux et sur l’écologie. Son travail consiste à démêler les complexités de la viande, s’intéresser aux vies et morts animales de l’industrie de la viande et à re-visibiliser les animaux. Pour ce faire, elle nous présente deux livres qui, chacun à leur manière, traitent de l’industrie de la viande, de sa consommation, et de sa violence. 

Dans Sirene de Laura Pugno publié en 2020, les sirènes sont élevées pour leur viande. La question de la condition féminine et la condition animale sont alors mises en parallèle. Le récit est moins engagé, plus poétique, et dégage une puissance différente des autres œuvres qui ressemblent davantage à des manifestes. Dans Cadavre Exquis de Agustina Bazterrica, publié en 2019, les humains sont élevés comme du bétail. Les deux œuvres sont une représentation dystopique de l’élevage industriel qui nous montre des humains subissant ce que font subir les humains aux animaux. 

Ces travaux, ainsi que le végétarisme sont victimes de critiques qu’Amélie Aubert-Noël qualifie de réactionnaires et caricaturales, incapables d’objectivités. Ces critiques pointent que le végétarisme est un mouvement extrémiste qui risque de devenir fanatique. Elle donne l’exemple du livre Carnivori de Franci Conforti, publié en 2017 dans lequel un groupe de savants fanatiques qui considèrent les vies animales comme sacrées veulent faire en sorte de ne plus consommer la moindre vie, et de consommer uniquement les rayons du soleil. Cela conduit à leur transformation en hybrides plantes/humains, comme des zombies. Dans l’ensemble, les récits s’orientent vers le choc, la violence pour mettre le lectorat en face d’une réalité bien ancrée dans la consommation.

Compte-rendu de l’après-midi de la journée d’étude “La littérature au contact des mondes vivants”.

La matinée du colloque se concentrait sur les vivants et la littérature qu’ils produisent pour faire émerger des modèles de représentations évolutifs du monde naturel. L’après-midi aborde la littérature et le langage comme un élément naturel et organique, capable d’inventivité et d’agentivité. Ce deuxième article présente le compte-rendu de l’après-midi de la journée.

Partie 1. “Lire, écrire et traduire dans l’anthropocène”.

L’après-midi commence avec Sarah Bouttier, maîtresse de conférences à l’École Polytechnique et spécialiste de l’écocritique, des études post-humanistes et du nouveau matérialisme. Son intervention s’intitule “Le langage littéraire à la limite du vivant”. Elle s’intéresse au langage comme une créature corporelle et matérielle, avec la difficulté que pose la littérature : comment évoquer le langage comme un être naturel sans se concentrer sur la matière textuelle. En se fondant sur de la littérature de science-fiction, notamment sur les romans de Jeff VanderMeer et les poèmes de Donika Kelly, Sarah Bouttier s’interroge sur une question double : parle-t-on de créatures textuelles ou de textes de créatures ? On évoque ici la place du langage dans la co-fabrication du texte, avec la capacité de la littérature à devenir un objet matériel habité et vivant, au même titre que les univers qu’elle construit. Le premier exemple est celui de la vision éco-horrifique de Jeff VanderMeer dans Annihilation, où les mots deviennent vivants et où les phrases composant le roman naissent de matières fongiques et végétales envahissant les murs de la grotte que la narratrice observe et retranscrit. Le roman littéralise le fantasme du langage comme un objet vivant, dans un rapport de balancier entre fascination et répulsion où le signifiant et le signifié se mélangent. Quand VanderMeer écrit “Where lies the strangling fruit that came from the hand of the sinner”, Sarah Bouttier y voit un signe que littérature et monde vivant se mêlent, “the strangling fruit” évoquant ces mots naturels envahissant les murs tels un champignon et “the hand of the sinner”, rappelant la main de l’auteur traçant ces mêmes mots sur un médium naturel, qu’il soit pierre ou papier. 

Après la littérature d’anticipation, Sarah Bouttier évoque l’exemple de la poésie naturelle Donika Kelly et notamment son ouvrage Bestiary Poems dans lequel elle illustre ses traumatismes personnels sous les formes changeantes d’un bestiaire médiéval.  Le recueil de poème illustre la notion d’Animacies, une formulation théorique de Mel Y. Chen dans son ouvrage Animacies: Biopolitics, Racial Mattering, and Queer Affect. Au carrefour des social studies, de la biologie et de la psychologie cognitive, le terme illustre la frontière fine entre animés et inanimés, entre humains et animaux. Dans son bestiaire, Kelly transforme le traumatisme vécu en une forme écrite d’une créature mythique ou naturelle, que ce soit une baleine ou un centaure. L’être humain se mélange avec l’animal, dans une seule même corporalité contenu dans le langage, qui dès lors, acquiert une forme de vitalité organique. 


L’après-midi se poursuit avec Samuel Trainor, maître de conférences en traductologie et creative writing à l’Université de Lille, et sa conférence « Lichening translation : vers le traduire lichénique ? ».  Il reprend les formulations de Donna Haraway (“we are all lichens”) et (“we are all cyborgs”) respectivement présents dans ses ouvrages Staying with the Trouble (2016) et A Cyborg Manifesto (1985). A travers l’opposition entre ces deux formules, et en les appliquant au processus de traductologie, Sam Trainor recentre la traduction vers un modèle naturel, et non technologique comme il peut exister aujourd’hui avec les intelligences artificielles. En détournant le procédé traductologique d’une compétence technique en un modèle naturel, Sam Trainor rappelle la nécessité dans notre société moderne de se tourner vers une traduction organique, une “biotraduction”, une traduction qui fonctionnerait comme un écosystème à part entière, alliant différents éléments naturels du langage. Le procédé organique de la traduction peut même aller plus loin, en quittant sa nature matérielle pour devenir vocal, avec la théorie de la traduction polyphonique. L’engagement créatif n’est alors plus de remplacer un texte par un autre, mais de superposer les procédés de traductions qui mélangent alors diverses polyphonies, celle de la langue d’origine et la langue traduite. Les récits ne sont pas en opposition l’un avec l’autre, mais c’est bien une interaction dynamique qui est recherché, une dissonance harmonique et phonique qui rappelle l’image du lichen, cette matière organique composée d’un agglomérat d’écosystèmes.


Ce premier segment de l’après-midi se termine avec l’intervention de Thomas Dutoit, Professeur à l’Université de Lille : “Lirécrire (dans) l’anthropocène”. Il part du constat que tout ce qui a trait à l’environnement, à l’écologie et à la santé de la biosphère est en train d’être effacé et discrédité, alors que ce sont des savoirs que l’on possédait déjà depuis les années 1960. Pour se rappeler de l’importance de ces sujets, il faut se recentrer sur les connaissances des peuples indigènes qui reconnaissent ce rapport proche entre humain et nature, avec notamment cette fluidité corporelle entre l’homme et la nature, entre l’homme et les animaux, entre l’homme et les plantes. A travers l’étude de deux poèmes du poète américain (1927-2019) W.S Merwin, “The Present” et “Untold”, il évoque cette corrélation entre l’expérience du monde par le poète et la nature organique de sa production poétique. Cherchant l’inspiration, le poète erre au sein d’un jardin qui devient la scène du temps qui passe où l’auteur s’intègre au sein de la nature pour fusionner avec cette dernière. L’auteur devient libellule, occupant l’espace à la manière d’une oscillation multidirectionnelle, liant à la fois l’espace naturel et les mouvements humains. La figure de l’auteur, en tant qu’humain avec une spécificité organique différent de son environnement disparaît dans l’écopoésie. Une forme d’impersonnalité se révèle, où auteurs et environnements évoluent et se métamorphosent ensemble sous le regard de l’autre. 

Partie 2. Les espaces du vivant

Laurent Châtel (Université de Lille), Professeur d’études visuelles et d’histoire de l’art britannique, nous rappelle l’importance des jardins, dans une intervention intitulée  “Unconnected organic thoughts on gardens’: de l’esthétique à la bio-esthétique”.  En dehors de l’aspect esthétique des jardins, il rappelle l’importance des jardins dans la société moderne européenne: à quels besoins humains répondent ces jardins ? Quatre axes sont étudiés. L’historiographie rappelle la transformation du jardin dans la culture britannique, pour se concentrer sur un paysage construit et dénaturalisé et la tradition française de la philosophie antinaturaliste, où les jardins correspondent plutôt à une construction de la nature qu’à son avènement. La nécessité épistémologique s’intéresse quant à elle sur le rapport des vivants à ces espaces naturels. L’intérêt pour le cognitif, et la psychologie environnementale permet de revisiter les intérêts pour le vivant et le naturel, qu’on observe dès le 18ème siècle jusqu’à aujourd’hui avec la créations d’Editions comme le WildProject, qui met en avant l’écologie comme une ‘révolution culturelle et politique des sociétés modernes’. Une nécessité philosophique, culturelle et ontologique avec l’exemple des recherches de Philippe Descola, anthropologue français qui dénonce le ridicule d’une vision du monde dualiste, coincée entre nature et culture, qu’il va rassembler dans Par-delà nature et culture (2005), un texte aujourd’hui fondateur des études d’anthropologie écologiques. Enfin, la dernière nécessité est patrimoniale, et l’héritage compliqué d’un empire britannique capitalisme et colonialiste, qui cherche la conquête et le contrôle du sauvage. L’intérêt se pose dans la dichotomie qu’on peut y observer, entre une impériale collective qui nie le vivant et des initiatives individuelles qui le défendent. Laurent Châtel termine son intervention en citant quelques exemples, comme William Hogarth and ses “four stages of cruelty” et William Shenstone, Unconnected Thoughts on Gardening s’attaquant à la notion de landscape gardening, cette tendance du 18ème à agencer esthétiquement la nature plutôt qu’à la laisser évoluer d’elle-même.


L’intervention qui clôture cette journée d’études est celle de Constantin Bobas (Université de Lille), Professeur de littérature, culture et société dans l’espace néo-hellénique, qui s’exprime sur “Espace méditerranéen, espace grec : discours culturels et lectures écocritiques à l’époque moderne et contemporaine ». Il s’intéresse à l’exemple de l’espace  méditerranéen Grec qui devient un point d’intérêt au depuis le 15ème siècle dans un mouvement double : à la fois un intérêt géographique pour cet espace qui diffère du nouveau monde et aussi à travers le mouvement intellectuel de l’orientalisme. Ces deux mouvements transforment l’espace grec d’un simple espace géographique et lointain à un espace concret, qui devient lieu de romanticisation et d’esthétisme. L’espace réel et l’espace du texte se confondent et permettent de découvrir l’environnement d’une autre manière, qui passe de l’expérience au récit. L’itinéraire de Paris à Jérusalem de Chateaubriand (1811) ou encore l’expédition scientifique de Morée de 1836 mandatée par l’Institut de France deviennent des exemples de voyages sans perspectives coloniales mais uniquement scientifiques ou culturelles. Les mouvements géographiques se mêlent alors aux récits produits, qui s’intéressent aux aspects comme la faune, la flore et les langues locales, sans volonté de construction ou d’appropriation. 


Cette journée d’étude s’est intéressée à la perspective du vivant et de son environnement, non pas dans une dynamique d’opposition ou d’appropriation mais bien dans un mouvement de fusion. L’humain et la nature, l’humain et la flore sont explorés comme des entités organiques qui se mélangent au lieu de se diviser, et qui se retranscrivent dans la littérature avec un enjeu majeur: peut-on parler de ces objets sans métaphoriser son propre langage ou emprunter des métaphores empruntés du monde vivant ? La journée d’étude se finit sur un moment d’échanges et de perspective d’actions de recherche. Dans cette continuité de l’influence humaine sur la représentation de la nature, une future journée d’études est proposée sur le thème de l’anthropomorphisme et notamment le débat épistémologique et écologique que le concept constitue depuis la seconde moitié du 20ème siècle. Cette future journée pourrait se composer autour des thèmes suivants: comportements animals, expérimentations animales et subjectivité animale en étude littéraire avec une portée transdisciplinaire entre l’histoire et l’historiographie. Par la suite, l’intérêt de cette journée reposerait sur l’ouverture au-delà de la question animale, afin de l’élargir potentiellement à l’animisme et à d’autres formes d’altérités naturelles qui peuvent s’exprimer à travers le langage et la littérature. 

17/10/2025 Journée d’études “La littérature au contact des mondes vivants”

Le 17 octobre 2025 se déroulera la journée d’études ” La littérature au contact des mondes vivants “

Campus de Pont-de-Bois – Bât B – Salle Jean Ruer (B1.607)

Organisation: Marion Clanet, Solveig Dunkel, Claire Hélie et Sophie Musitelli

Cette journée est une collaboration entre l’axe 1 « Poïétique et politique » et le programme en humanités environnementales du Cécille. Elle se déroulera selon le programme suivant:

9h30 : Présentation de la journée, ouverture des échange

9h45-10h15 : Décoloniser le monde naturel

Hélène Lecossois : « Perspectives décoloniales dans l’art irlandais contemporain »

Nsah Mala : « Les vivants dans les littératures du bassin du Congo : approches décoloniale et postcoloniale »

10h15-10h30 : Temps d’échange et de réflexion

10h30-11h : Le climat, sa science et ses fictions

Alex Hel Chermont : « Fabulations sur l’apocalypse du genre depuis l’ecossexualité »

Gert Meesters : « Le changement climatique en bande dessinée : le travail de Philippe Squarzoni et Judith Vanistendael »

11h-11h30 : Pause café / temps d’échange

11h30-12h00 : Les frontières du vivant

Vanessa Alayrac-Fielding : « Matérialité et animalité dans les textes du 18e siècle »

Amélie Aubert-Noël : « Meat Studies et littérature d’anticipation italienne : questionnements méthodologiques »

12h00-12h45 : Temps d’échange et de réflexion

12h45-14h15 : Pause déjeuner

14h15-15h00 : Lire, écrire et traduire dans l’anthropocène

Sarah Bouttier : « Le langage littéraire à la limite du vivant »

Sam Trainor : « Lichening translation : vers le traduire lichénique ? »

Thomas Dutoit : « Lirécrire (dans) l’anthropocene”

15h00-15h30 : Temps d’échange et de réflexion

15h30-16h : Les espaces du vivant

Laurent Châtel : ” ‘Unconnected organic thoughts on gardens’: de l’esthétique à la bio-esthétique »

Constantin Bobas : « Espace méditerranéen, espace grec : discours culturels et lectures écocritiques à l’époque moderne et contemporaine »

16h-17h15 : Echanges et perspectives d’actions de recherche

Un compte-rendu sera disponible sur ce blog dans les jours suivants la journée d’étude.

3/04/2025- Isabella Falaschi (Université de Lille) – « Le théâtre classique chinois des Yuan (XIII-XIV siècles) et la rencontre avec l’Occident »

Le 3 avril 2025 nous avons eu le plaisir d’accueillir Isabella Falaschi, Maîtresse de Conférences en « Langue et Littérature de la Chine classique » à l’Université de Lille, qui nous propose de plonger dans la littérature dramatique de l’époque des Yuan (XIIIe-XIVe siècles) à travers une communication intitulée : « Le théâtre classique chinois des Yuan (XIII-XIV siècles) et la rencontre avec l’Occident ».

Isabella Falaschi commence par souligner que, malgré leur richesse narrative, les pièces de théâtre de la dynastie Yuan (souvent qualifiées de véritables opéras) restent largement méconnues en Occident et peu explorées par la recherche contemporaine. Son objectif est de mettre en lumière cette richesse du théâtre des Yuan en s’appuyant sur deux œuvres emblématiques de leur réception en Europe : L’Orphelin des Zhaos de Ji Junxiang, datant du XIIIe siècle, et Le Cercle de craie (XIVe siècle), écrit par le dramaturge Li Qianfu, aussi connu sous le nom de Xingdao. Ces œuvres invitent à une réflexion sur la notion de tragédie chinoise, connue comme Beiju, dont la légitimité reste débattue dans le domaine des études sinologiques.  Dans sa thèse intitulée : « Beiju : la question de la tragédie chinoise dans le théâtre des Yuan (1279-1368) », Isabella Falaschi explore en profondeur le terme Beiju. Une notion est issue de la tradition littéraire critique occidentale et fut introduite en Chine par le critique Wang Guowei au XXe siècle : le néologisme de Beiju parvient à transcrire tant l’idée de la tragédie occidentale que les drames du théâtre chinois centrés sur la souffrance humaine. Toutefois, la Chine possède une compréhension différente de l’archétype du « héros » et d’autres valeurs narratives que celles de l’Occident. Isabella Falaschi interroge la validité d’appliquer des concepts théâtraux occidentaux, comme la tragédie, au théâtre des Yuan.

Cette étude se poursuit avec l’analyse de ces termes, premièrement dans L’Orphelin des Zhaos de Ji Junxiang. Cette pièce, qui se déroule au VIe siècle av. J.-C., raconte l’histoire des conséquences sanglantes d’une trahison politique sous la forme de l’exécution de la famille Zhao ordonnée par un ministre. Le seul survivant est le nouveau-né qui est élevé par un ami de la famille Zhao dans le but de venger sa lignée. Cette histoire de famille axée sur l’exploration narrative du cycle de vengeance attire l’attention d’un missionnaire jésuite au XVIIIe siècle, le père Joseph-Henri de Prémare. Il traduit la pièce tout d’abord en latin, puis en français sous le titre Le petit orphelin de la maison Tchao. Isabella Falaschi révèle que le père Joseph-Henri de Prémare considère la pièce comme une tragédie en s’appuyant sur les caractéristiques suivantes : la noblesse des personnages, une intrigue centrée sur la violence et la famille, et un dénouement fort en émotion qui permet la catharsis. Cette traduction ne fut que le début du grand succès que cette pièce eut au sein de l’Europe avec des adaptations au Royaume-Uni par les dramaturges William Hachett et Arthur Murphy ou encore en Italie. Cette pièce chinoise offre aux dramaturges européens une scène culturelle inédite, prête à être exploitée afin de satisfaire le goût du public pour l’exotisme, quand les tragédies grecques et romaines semblent surexploitées. En conséquence, le décor culturel de la Chine devient un costume exotique que les acteurs enfilent afin d’offrir un divertissement. Seulement, peu de dramaturges essaient véritablement de transmettre les mœurs et la culture chinoise dans leur travail. Voltaire semble être l’un des seuls à véritablement s’intéresser à la culture chinoise et à tenter d’intégrer ces valeurs au sein de l’intrigue de ses œuvres.

La pièce de théâtre suivante, Le Cercle de craie de Li Qianfu, met en scène Zhang Haitang, une concubine qui est accusée à tort d’avoir empoisonné son amant. La véritable coupable, l’épouse du défunt, souhaite obtenir la garde de l’enfant de Zhang afin d’obtenir l’héritage familial. S’ensuit l’événement qui s’apparente au jugement de Salomon. Le juge Bao fait tracer à la craie un cercle sur le sol et place l’enfant au centre. Celle des deux femmes qui réussira à tirer l’enfant vers elle sera alors considérée comme sa mère légitime. Cette méthode inhabituelle permet d’innocenter la concubine et de confirmer son statut de mère, car seule la personne faisant semblant d’être sa mère est prête à blesser l’enfant pour satisfaire ses propres ambitions. Cette pièce est traduite pour la première fois en 1832 par le sinologue Stanislas Julien, pour ensuite être adaptée en allemand en 1925 par Alfred Henschke, puis en anglais, contribuant à sa large diffusion en Europe et même aux États-Unis. Cependant, c’est une version plus romantisée qui séduira un plus large public, qui reconnaît le potentiel de la pièce et utilise le contenu afin de transmettre différents messages politiques.

La communication d’Isabella Falaschi se conclut sur une note poétique : après avoir fait le tour de l’Europe, la pièce revient finalement en Chine grâce au théâtre de Pékin. La boucle d’appropriation se referme enfin sur elle-même lorsque cette pièce, si souvent adoptée et modifiée par un Occident souvent négligeant des enjeux et valeurs chinoises, est à nouveau partagée devant un public chinois.

Compte-rendu écrit par Paloma Durand

21/03/25-Journée d’étude Les Amériques : collaboration de l’axe 1 avec Véronique Hébrard et Xavier Kalck – « Renouvellement et Réinvention des corpus »

Le 21 mars 2025, nous avons eu le plaisir d’assister à la journée d’étude Les Amériques, coorganisée avec l’axe 1, par Véronique Hébrard et Xavier Kalck avec la participation de Mélina El Bachir et Loane Vong, deux étudiantes en deuxième année de Master parcours ibérique et ibéro-américain. Cet événement, particulièrement riche en réflexion et en échanges, s’est appuyé sur un corpus explorant la thématique du renouvellement et de la réinvention des corpus.

C’est Paul-Henri Giraud, professeur en études hispaniques à l’Université de Lille, spécialisé dans l’étude de la poésie et des arts visuels de l’Espagne et de l’Amérique latine à l’époque contemporaine, qui ouvre cette journée avec sa communication intitulée : « Féminiser le canon : réflexions autour de quelques anthologies récentes de la poésie hispano-américaine, en vue d’une nouvelle anthologie ». Il se concentre en particulier sur la représentation des femmes et des voix des poétesses. Il relève la place que ces dernières occupent dans les anthologies existantes et explique comment elles ne peuvent être mises en valeur dans un domaine littéraire dominé par les voix masculines. Paul-Henri Giraud est conscient de sa propre position, qu’il décrit comme « délicate », en tant qu’homme travaillant sur des textes qui explorent la voix poétique des femmes. Face à cet enjeu éthique, il adopte une posture réflexive sur ces œuvres et oriente sa communication vers la formulation de problématiques plutôt que vers des réponses définitives. Plusieurs enjeux s’avèrent essentiels dans l’entreprise de création d’une nouvelle anthologie : les droits d’autrices, et une traduction de la poésie qui cherche à ne pas effacer la féminité de ces dernières. Cependant, il assure que ce sont ces obstacles qui rendent ce sujet d’étude si stimulant. Même si l’on peut croire à la bonne volonté des traducteurs de « traduire » ces voix féminines et non de les délaisser, Paul-Henri Giraud insiste sur le fait que la présence des femmes et des poétesses elles-mêmes reste indispensable afin d’exprimer l’authenticité des points de vue de ces femmes à travers une traduction. Il nous explique également que cette tendance à effacer la voix de ces femmes par la réappropriation de leurs histoires par des poètes masculins révèle que les œuvres des poétesses sont trop souvent noyées dans « l’aquarium du machisme littéraire ». Cette communication a donc pour ambition d’explorer la place de la femme dans le canon poétique hispano-américain.

Paul-Henri Giraud explore tout d’abord la poésie de Sor Juana Inés de la Cruz (1648-1695), une poétesse mexicaine du XVIIe siècle qui choisit de consacrer sa vie au couvent afin d’échapper à la possibilité du mariage. Bien que la poétesse soit croyante, elle n’hésite pas à aborder des sujets comme l’amour et la passion dans ses poèmes, ce qui suscite plusieurs théories concernant sa vie amoureuse au sein du couvent. Cependant, c’est son appropriation du sonnet, une forme poétique considérée comme réservée aux poètes masculins, qui révèle la nature particulière de ses œuvres. Le sonnet lui permet d’explorer ce que Paul-Henri Giraud appelle « les pleurs » du poète. « Les pleurs » que Sor Juana Inés de la Cruz intègre dans ses poèmes explorent une vulnérabilité émotionnelle face à la passion et à l’amour. Qu’une vulnérabilité telle que celle-ci soit ouvertement exprimée dans un poème était un fait impensable pour les poètes masculins encore confinés dans les codes stoïques du machisme. En explorant ces thématiques dites féminines et en se réappropriant un style masculin, Sor Juana Inés de la Cruz fait donc partie d’une « révolution » contre une poésie historiquement masculine et intimidée par l’exploration de la passion émotionnelle.

La communication se poursuit ensuite avec l’exploration de l’objet symbolique qu’est la rose, un symbole souvent associé à la beauté et à la sensualité féminine dans le canon littéraire historiquement dominé par la perception masculine de la femme. Paul-Henri Giraud nous présente la poétesse péruvienne Blanca Varela (1926-2009), qui exprime une forme de censure morale en déconstruisant l’aspect symbolique de la rose à travers son poème : A rose is a rose. Ce poème a pour but de traduire la volonté transgressive de la poétesse, qui critique la réduction de la femme à un objet passif uniquement reconnu pour sa beauté, prenant ainsi une position politique et poétique qui s’oppose à la perception masculine de la femme. Blanca Varela bénéficie d’une opportunité d’émancipation de ses idées grâce à ses poèmes, qui lui permettent d’explorer des sujets philosophiques et « métapoétiques » au sein de son écriture. La poésie devient donc un lieu d’émancipation de la femme.

Paul-Henri Giraud utilise l’exemple frappant de la poétesse cubaine Dulce María Loynaz (1902-1997) et de son œuvre intitulée En mi verso soy libre ou Dans le vers, je suis libre. Elle affirme que, grâce à sa poésie, elle arrive à se retrouver elle-même et à exprimer ses idées non censurées par les contraintes morales de son entourage. Par le biais de la poésie, elle ne nage plus dans cet « aquarium » limité par le machisme littéraire, mais dans « la mer » poétique, vaste et ouverte.

La communication de Paul-Henri Giraud se conclut sur un tout autre aspect apporté par cette liberté poétique : l’exploration des différentes représentations des voix féminines grâce à l’amalgame de plusieurs cultures. La poétesse mexicaine Cristina Rascón adopte, à Osaka, en 1976, la forme poétique japonaise du haïku. Cette forme poétique lui permet d’explorer les codes et les perceptions de la féminité à travers une culture qui lui est étrangère.

S’ensuit la présentation de Véronique Hébrard, professeure à l’Université de Lille et spécialisée dans l’étude de l’histoire du Venezuela ainsi que de l’Amérique latine contemporaine aux XIXe-XXe siècles. Elle nous propose une communication intitulée : « L’archive minorée : l’américanisme de l’après-Seconde Guerre mondiale au prisme des “épouses” de chercheurs ». Véronique Hébrard nous fait part de l’un de ses projets de recherche dirigé sur la création d’un fonds d’archives retraçant l’histoire de l’historien français François Chevalier et de son temps passé au Mexique. Cependant, cette communication est davantage axée sur le rôle important de son épouse, Josèphe Chevalier, dans la création de ce fonds d’archives. Cette intervention nous ouvre donc une fenêtre sur le rôle invisible de l’épouse et de la femme dans la production d’archives de la mémoire d’un mari. Véronique Hébrard insiste sur le rôle actif de Mme Chevalier quant à la collecte, l’organisation et la conservation des archives de son mari. Elle n’est pas reconnue comme archiviste, mais arrive néanmoins à participer à la construction du fonds d’archives consacré à la mémoire de son mari. Elle y laisse son empreinte, qui souligne la discrétion de sa contribution mais également l’importance de son rôle. Tout au long de son mariage avec François Chevalier, elle classe, conserve et produit elle-même des archives : ses correspondances personnelles avec sa mère, ses carnets de réceptions, ses listes d’invités, ses listes de prix et ses menus, et plus de 250 coupures de presse classées et annotées. Tous ces fragments témoignent de son rôle essentiel d’organisatrice et composent un véritable fonds d’archives inédit. Cependant, Véronique Hébrard met aussi l’accent sur les contraintes éthiques quant à la publication d’archives comme celles-ci. Comment traiter ces documents essentiels à la compréhension et à la visualisation de la vie de cette famille tout en respectant les limites de l’éthique ? Afin d’illustrer des archives auxquelles cet obstacle peut être appliqué, Véronique Hébrard nous parle des correspondances entre François Chevalier et son père, que Mme Chevalier garde privées, loin des yeux du public et des chercheurs afin de protéger la réputation de son mari, mettant davantage en avant le rôle de Mme Chevalier. Véronique Hébrard nous explique que, malheureusement, malgré sa dévotion et son impact, Mme Chevalier ne sera mentionnée dans la presse qu’en 1951. Son rôle d’organisatrice des événements de la maison Chevalier sera en effet mis en avant mais elle sera néanmoins toujours définie par la presse comme la « bonne épouse de François Chevalier ». Malgré le rôle important que joue Mme Chevalier, la presse lui attribue directement un rôle secondaire par rapport à son mari : elle n’est jamais seule sur les photos, toujours éclipsée par la figure masculine de son époux, reléguée au travail derrière les rideaux de la maison Chevalier. Véronique Hébrard garde encore le contact avec Mme Chevalier et affirme que, malheureusement, elle n’arrive toujours pas à percevoir la valeur de ses archives, qui offrent pourtant une visualisation et une compréhension inédites de la vie de François Chevalier au Mexique.

Solveig Dunkel, maîtresse de conférences à l’Université de Lille ainsi que spécialiste en littérature du Sud des États-Unis et en humanités environnementales, poursuit cette journée d’étude avec sa communication intitulée : « Le silence des archives : reconstructions mémorielles dans la littérature du Sud des États-Unis ». Cette étude se concentre sur la nature idéologique de l’archive et met l’accent sur le peu de ressources disponibles concernant les archives sur le lynchage dans le Sud des États-Unis. Elle avance l’idée qu’il existe une abondance d’archives physiques de ces événements, telles que des cartes postales sur lesquelles figurent des photographies des corps mutilés des victimes. La popularité de ces cartes durant témoigne de la nature spectaculaire de la violence raciale. Ces images, souvent humiliantes pour la victime et sa famille, étaient partagées, devenant une forme de divertissement morbide. Cependant, malgré la quantité impressionnante de ces archives iconographiques, Solveig Dunkel insiste sur le fait que cela reste insuffisant pour retracer l’histoire des victimes et de ce phénomène. Elles n’offrent aucune perspective, mis à part celle des oppresseurs blancs, effaçant ainsi l’histoire des Afro-Américains concernés en tout premier lieu par cette violence. Afin d’illustrer davantage ce propos, elle cite l’archiviste Tonia Sutherland, spécialisée dans les Black Archival Studies et professeure assistante du cursus Information Studies, ainsi que codirectrice du UCLA Community Archives Lab. L’archiviste affirme que les archives qui nous sont disponibles sur le lynchage aux États-Unis ne sont que des récits falsifiés protégeant l’image de l’Amérique blanche. Ces cartes postales glaçantes ne font que participer à la normalisation de la violence raciale envers les personnes afro-américaines. Solveig Dunkel nous présente ensuite l’autrice Saidiya Hartman, dont l’objectif est de reconstituer l’histoire de la « Vénus noire » dans son ouvrage Venus in Two Acts, paru en 2008. La reconstitution de la vie d’une femme afro-américaine qui ne se concentrerait pas sur la violence qu’elle subit devient un véritable défi impossible à relever en raison du manque d’archives personnelles de ces personnes. La « Vénus noire » est réduite à la violence et n’est jamais étudiée pour son existence en tant que personne à part entière. Les seules archives disponibles la présentent uniquement à travers ce filtre de violence ; l’archive devient une condamnation à une mort perpétuelle dans le récit historique. L’œuvre de Hartman se présente sous la forme d’une « fabulation critique », c’est-à-dire l’exploration des expériences afro-américaines à travers des archives, que l’autrice relate dans un récit de fiction. Cela permet à ces vérités taboues d’être abordées sans la possibilité de censure.

 La communication de Solveig Dunkel se conclut sur l’étude du roman The Trees (2021) de Percival Everett, qui explore les conséquences de l’histoire d’Emmett Till. Emmett Till était un jeune garçon afro-américain faisant route vers le Mississippi depuis Chicago. Il fut kidnappé et lynché en 1955 après avoir été accusé d’avoir sifflé Carolyn Bryant, une femme blanche. Solveig Dunkel insiste sur le fait que cette accusation fut lancée sans preuves et s’est plus tard avérée n’être que pure invention de la part de Carolyn Bryant. Dans le roman, Percival Everett présente à son lectorat la caricature parfaite d’une famille blanche du Sud des États-Unis. Il réapproprie de façon subtile les codes des minstrel shows avec une forme de whiteface qui renvoie la pareille à l’oppresseur blanc. Le personnage le plus marquant est celui de « Granny C », qui incarne Carolyn Bryant, à présent une vieille femme. Le lecteur est alors confronté à cette « granny » (un terme affectif utilisé pour désigner une grand-mère), mais ne peut s’empêcher de repenser à l’histoire tragique du jeune Emmett Till. Everett intègre une dimension métaphysique de l’archive à travers les personnages de son œuvre et confronte son lectorat à l’atrocité du lynchage avec une touche satirique, rendant cette page sanglante de l’histoire des États-Unis tangible et présente même en 2021.

La matinée de cette journée se conclut avec François Hugonnier, maître de conférences à l’Université d’Angers et spécialiste en littérature nord-américaine, qui partage son expérience de participation à la création du fonds d’archives de la bibliothèque privée de Paul Auster à travers une communication intitulée : « La bibliothèque de Paul Auster : constitution d’un fonds d’archives européen ». François Hugonnier présente Paul Auster comme un auteur qui appréciait intégrer des faits réels dans ses œuvres. Selon lui, Auster était très précis quant à son rapport à l’archive dans son travail, comme en témoigne le roman Oracle Night publié en 2003. Ce dernier propose une réflexion intéressante sur l’importance de la vérité dans l’art de la littérature de fiction. François Hugonnier insiste sur le caractère entreprenant de l’écrivain, qui était très préoccupé par l’avenir des livres de sa bibliothèque après sa mort ; il joue donc un rôle essentiel quant à l’exploration de ses romans par les chercheurs qu’il rencontre. Il participe même à un colloque en 2017 et exprime son désir de faire circuler ses récits au sein de l’Europe depuis les États-Unis. Cette ouverture d’esprit quant à la création d’archives de son travail démontre la fascination de cet écrivain pour les archives elles-mêmes. L’un des fonds d’archives les plus importants pour les chercheurs se concentrant sur les travaux de Paul Auster est le fonds d’archives numériques hébergé à Copenhague. Ces archives appartiennent à la collection MacMillan et sont uniquement en libre accès sur place. Cependant, François Hugonnier souligne que la création d’un fonds d’archives numériques en libre accès, bien qu’il facilite grandement le travail des chercheurs, est tout-de-même remplie de contraintes, notamment des contraintes juridiques imposées par les maisons d’édition et les éditeurs ayant travaillé avec Paul Auster. La complexité de la création de ce fonds d’archives renforce davantage l’importance du travail de François Hugonnier et de ses collègues : ils finalisent enfin en 2025, grâce à l’autorisation de son épouse, leur projet de l’archivage d’une sélection de la bibliothèque privée de Paul Auster après son décès. Ce travail de terrain révèle encore une fois l’importance de l’éthique concernant l’archivage de documents privés. Cette sélection d’ouvrages fut une mission entreprise par les chercheurs sans méthode ni registre, mais purement dirigée par l’aspect humain entre les chercheurs et la veuve. François Hugonnier explique que c’est cette relation de confiance et de respect, dans ce moment marqué par le deuil, qui leur a permis de sélectionner une grande partie des ouvrages précédemment inédits. Il souligne également les difficultés à pénétrer dans l’intimité d’une famille en tant que chercheurs, qui se doivent de poser les questions difficiles autour de la propriété et de la légitimité d’archiver des documents privés.

Le programme de cette journée d’étude reprend avec la diffusion du documentaire intitulé Living and Seeing Charles Reznikoff (2024), réalisé par Xavier Kalck, professeur des universités à l’Université de Lille et spécialisé en littérature américaine, avec Naomi Toth, maîtresse de conférences à l’Université de Paris Nanterre, spécialiste en littérature anglophone, et Fiona McMahon, professeure de littérature nord-américaine à l’Université Paul Valéry Montpellier 3. Afin de pouvoir comprendre le travail derrière la réalisation de ce documentaire, la diffusion est suivie d’une table ronde, animée par Sophie Musitelli et Claire Hélie, durant laquelle Xavier Kalck aborde les différents obstacles rencontrés lors de ce projet. Le documentaire explore les différents aspects de la poésie de Charles Reznikoff (1894-1976), un écrivain et poète, fils d’expatriés juifs originaires de Russie, décrit comme l’un des premiers à s’approprier les archives juridiques dans son travail. Le documentaire met l’accent sur la simplicité de son style, dénué de toute prétention, qui brosse un portrait des États-Unis à travers des récits crus et touchants, abordant l’histoire juive, son expérience à New York et la division des classes sociales. Ce documentaire parvient lui-même à adopter le ton simple mais efficace du poète en question, combinant pédagogie et précision scientifique. Lors de la table ronde, Xavier Kalck explique que l’un des principaux défis à surmonter était de déterminer la place du texte écrit dans un documentaire visuel. Afin de surmonter cet obstacle, ils décident non seulement d’intégrer des images des textes, mais également de ne pas négliger l’importance de la voix orale dans la poésie. Ils présentent alors plusieurs lectures des poèmes par le poète lui-même, mais également par les chercheurs qui participent à la création de cette archive, offrant aux spectateurs une compréhension multidimensionnelle des œuvres de Charles Reznikoff.

Compte-rendu rédigé par Paloma Dunand

18/03/25 – Tom Nurmi (Professeur associé de littérature et culture anglaises, Université norvégienne des sciences et de la technologie) – « Barnacle Theory : On Herman Melville, Charles Darwin, the science of barnacles, and the future of writing »

Le 18 mars 2025, nous avons eu le plaisir d’écouter Tom Nurmi, Associate Professor of English Literature and Culture, à la Norwegian University of Science and Technology, invité par Thomas Dutoit dans le cadre du programme Conférenciers Invités, géré par le service des Relations Internationales. Sa présence à l’Université de Lille avait pour objectif d’apporter son expertise en humanités environnementales afin d’aider la FLCS et le laboratoire CECILLE à développer des programmes en accord avec les objectifs écologiques portés par l’université. Son intervention, intitulée « Barnacle Theory : On Herman Melville, Charles Darwin, the science of barnacles, and the future of writing » fut l’une des premières conférences de ce nouveau programme.

Tom Nurmi nous indique premièrement l’importance de l’intersection entre les études écologiques, biologiques et littéraires au XIXe siècle. Cet échange entre science et littérature est au cœur du travail de Tom Nurmi. Son étude des œuvres de Herman Melville combine littérature et biologie, en prenant les balanes ou les « barnacles » comme outil de comparaison entre ces deux domaines. Afin d’ancrer ses hypothèses dans le contexte de l’évolution de la compréhension de la biologie à l’époque, Tom Nurmi évoque les recherches de Charles Darwin sur l’existence des balanes, un véritable phénomène littéraire et scientifique. Cette fascination pour ces petits crustacés que Melville et Darwin transmettent dans leurs œuvres, illustre comment ce topos des balanes dans l’imaginaire du XIXe siècle est une parfaite illustration de l’influence des avancées scientifiques sur la création littéraire. Le travail de ces deux auteurs met en lumière un véritable dialogue entre ces deux axes de pensée trop souvent perçus comme opposés l’un à l’autre. Telle la balane dépendant de la baleine pour exister, la littérature dépendrait de l’évolution de son environnement pour créer et la science, de l’imaginaire pour explorer l’incompréhensible.

Après cette introduction qui démontre le contexte de l’étude de la biologie et la littérature, l’accent est mis sur l’auteur phare de cette communication : Herman Melville. Les balanes occupent une place importante non seulement dans la vie mais aussi dans les œuvres de Melville. Leur présence dans ses notes sur Shakespeare, les tableaux de baleines qu’il possédait et ses romans les plus connus permettent à Tom Nurmi de souligner que ces références aux balanes peuvent être perçues comme une réflexion sur des préoccupations écologiques toujours d’actualité au XXIe siècle. La fascination pour ces créatures marines est grandement influencée par les études de Darwin, qui considérait les invertébrés comme la clé de la compréhension de l’évolution et dédia huit ans sa vie (1846-1854) à l’étude des crustacés. Il n’est donc pas surprenant que les balanes aient été perçues comme des créatures grotesques, témoignant de la dégénérescence et des changements du corps dus à l’évolution biologique. Tom Nurmi nous encourage ensuite à prendre en compte comment la balane devient un symbole ambivalent dans les romans de Herman Melville, tel que Mardi publié en 1849. Nous comprenons donc que la balane constitue une image qui enrichit de façon nuancée les récits de Melville. Dans son roman Mardi, les balanes offrent aux personnages et aux lecteurs un moment de réflexion sur les différentes formes d’existence au-delà de la compréhension humaine. Cependant, c’est à ce moment que se manifeste la complexité de cet animal symbolique. Les balanes, qui s’accrochent aux baleines et aux bateaux, sont souvent perçues comme des parasites qui ralentissent le navire en route pour commercer vers d’autres contrées. Néanmoins, les balanes sont aussi dans ce roman une forme de nutriment pour les marins affamés et désespérés. Cette perception négative des balanes qui deviennent ensuite un moyen de répondre aux besoins des marins, démontre la complexité des échanges entre les deux espèces. L’humain, lui aussi, s’accroche et dépend de son propre vaisseau, sa « baleine de fer » : bateaux, trains ou encore avions permettant de le transporter où il le souhaite. L’homme devient le petit crustacé dépendant de cette technologie pour progresser et survivre. La nature collective des balanes et leur mode de vie vagabond deviennent donc une métaphore de la société humaine et remet en question la nature individualiste de l’homme.

Cette comparaison entre la balane et l’humain à laquelle Herman Melville nous invite à réfléchir, provoque chez le lecteur un sentiment de malaise. Tom Nurmi se concentre donc sur l’exploration de la raison pour laquelle les balanes sont si souvent un sujet qui provoque le dégoût : pourquoi la balane est-elle grotesque ? Tom Nurmi nous explique que le grotesque est un phénomène qui est fréquemment présent dans la littérature gothique du XIXe siècle. C’est un aspect de cette littérature qui bouleverse les formes prédéfinies d’existence dans l’imaginaire collectif. Ce même flou vient perturber le lecteur, ou le biologiste, lorsqu’il est confronté à une agglomération de balanes. Celles-ci se retrouvent donc suspendues entre plusieurs formes d’existence, permettant une exploration littéraire et scientifique de diverses formes de vies alternatives. C’est le caractère indéfinissable des balanes qui les rapproche encore plus de la définition littéraire du monstre. Grâce à cette étude, Tom Nurmi nous démontre que cette peur ou même cette aversion envers les balanes est fondée sur l’ignorance et l’incompréhension concernant ces dernières. Tom Nurmi illustre ce phénomène en prenant comme exemple leur mode de reproduction hermaphrodite, les balanes possèdent toutes des organes reproducteurs féminins et masculins. Ce système de reproduction, qui consiste simplement à s’accoupler avec son voisin, est une action qui ne sous-entend aucune dimension sensuelle, et dépasse la compréhension de l’humain. Ce mode de vie hermaphrodite rejette la perception binaire du genre et de la sexualité, si rigide et dominante des mœurs du XIXe siècle. C’est donc cette façon unique et alternative d’exister, une vie si fondamentalement différente de la nôtre qui suscite en nous ce malaise. Comme mentionné précédemment, il existe néanmoins des similarités entre l’existence des balanes et celle de l’humain. C’est pour cela que ce crustacé si particulier offre une perception unique de la vie et permet à l’humain de remettre en question la vulnérabilité de son existence, en se plaçant à la même échelle que les balanes. Malgré toutes les différences qui creusent le gouffre entre les balanes et l’homme, Tom Nurmi nous affirme que la chose la plus importante que nous avons en commun est notre vulnérabilité face à l’extinction de notre espèce, qui adopte un comportement parasitique similaire aux balanes, cependant à une plus vaste échelle.

La communication de Tom Nurmi se conclut sur l’un des points les plus importants de cette étude : la comparaison entre l’écrivain et la balane. Selon Herman Melville, les écrivains ont plus en commun avec les balanes qu’on ne pourrait le croire. Ils sont tous les deux des témoins de l’évolution du monde qui les entoure, et recyclent les informations présentes afin de produire une trace de l’histoire. L’écrivain communique son témoignage ou son récit par le biais des mots inscrits sur des pages. Les balanes, créent leurs récits grâce à leur coquille qui retient les fluctuations du taux d’oxygène et de pollution dans l’eau des océans, en conservant ces informations dans leur coquille même après la fossilisation. Cela permet ainsi aux biologistes marins de retracer les déplacements des baleines à travers leurs chemins de migrations uniquement en lisant les informations récoltées par les balanes. Cette collection d’informations des balanes comme un « journal de bord » sédimentaire, constitue une forme de littérature alternative, une « bio-écriture ». Ces traces sont deux formes de récits qui laissent une empreinte de l’existence de l’individu concerné. Ces récits sont ensuite diffusés et partagés par le biais de moyens de transports que Tom Nurmi appelle des « baleines de fer », faisant référence aux bateaux et aux trains qui transportent les manuscrits et permettent aux idées de voyager et de se répandre et de survivre. Le concept même de l’idée et de l’imaginaire littéraire devient ainsi incarné par l’image de la balane. Cette comparaison de la bio-écriture des balanes avec l’art de la littérature nous incite donc à nous poser la question : « Et si la philosophie des sciences et de la biologie devait à son tour suivre la philosophie littéraire ? »

Compte-rendu écrit par Paloma Durand

3/04/25 – Isabella Falaschi (Maîtresse de Conférences en « Langue et Littérature de la Chine classique » à l’Université de Lille) – « Le théâtre classique chinois des Yuan (XIII-XIVe siècles) et la rencontre avec l’Occident. »

Nous avons le plaisir de vous informer que la prochaine séance de l’Axe 1 « Poïétique et Politique » prendra place le jeudi 3 avril de 16h45 à 18h en salle B0.610 ainsi qu’en ligne grâce au lien suivant :

https://univ-lille-fr.zoom.us/j/91461348979?pwd=kMqsmqc0Njcsd1VaNazIKCm8NiEG2a.1

Nous écouterons dans le cadre de cette séance, Isabella Falaschi, qui nous présentera sa communication intitulée « Le théâtre classique chinois des Yuan (XIII-XIVe siècles) et la rencontre avec l’Occident. »

Vous trouverez ci-dessous, quelques mots sur le parcours d’Isabella Falaschi :

Isabella Falaschi est Maîtresse de Conférences en “Langue et Littérature de la Chine classique” à l’Université de Lille. Après un doctorat à l’Inalco (Institut National des Langues et Cultures Orientales) à Paris, avec une thèse portant sur la question de l’existence d’une tragédie chinoise dans le théâtre classique des Yuan, ses travaux de recherche se sont orientés principalement sur la traduction et l’étude critique de livrets du théâtre chinois, allant du XIII au XVII siècle. Elle a notamment publié en 2015 pour la maison Les Belles Lettres “Trois pièces du théâtre des Yuan” et prépare actuellement pour les éditions du Collège de France deux traduction annotées et comment de deux nouvelles pièces de ce même répertoire.

Nous espérons vous y voir nombreux·ses !

Hélène Cottet, Claire Hélie et Sophie Musitelli, avec l’aide de Paloma Durand.

18/03/25 – Tom Nurmi (Professeur associé de littérature et culture anglaises, Université norvégienne des sciences et de la technologie) – « Barnacle Theory: On Herman Melville, Charles Darwin, the science of barnacles, and the future of writing »

Nous avons le plaisir de vous informer que la prochaine séance de l’Axe 1 « Poïétique et Politique » sera en collaboration avec le projet de programme transversal en humanité environnementale et prendra place le mardi 18 mars 2025 de 16h30 à 18h00 en salle B0.619 ainsi qu’en ligne grâce aux lien suivant :

https://univ-lille-fr.zoom.us/j/95796928502?pwd=K0OyzRIPvzO5yImPIcJQeAi8rae4Tc.1

Nous accueillerons dans le cadre de cette séance, Tom Nurmi, qui nous présentera sa communication intitulée « Barnacle Theory: On Herman Melville, Charles Darwin, the science of barnacles, and the future of writing »

Vous trouverez ci-dessous, une courte biographie de Tom Nurmi :

Tom Nurmi est Associate Professor of English Literature and Culture, à la Norwegian University of Science and Technology. Ses recherches se situent en humanités environnementales, en histoire du rapport littérature et science, et dans les études sur l’énergie et sur les déchets. Son livre sur science et littérature au 19e siècle et dans l’oeuvre de Herman Melville, Magnificent Decay. Melville and Ecology, fut publié dans la collection Under the Sign of Nature: Explorations in Ecocriticism à Virginia University Press. Il avance actuellement sur trois livres: l’un, Every Atom Weeps, sur Energy, Race, and Resistance in Federal Theater porte sur le théâtre de 1925-1940 mettant en scène les mineurs du charbon, un autre, Waylaid Light, sur la physique en littérature américaine, 1850-1900, et enfin, Uranium Cadillac porte sur la résistance d’écrivain-e-s indigènes dans l’Ouest de l’Amérique du Nord à l’impérialisme de l’énergie. Il publie aussi sur le cinéma. Il dirige les recherches d’étudiant-e-s, et il enseigne un large éventail de cours sur les rapports entre littérature, culture, cinéma, pédagogie depuis les humanités environnementales aux étudiant-e-s en train de devenir enseignant-e-s de l’éducation primaire et secondaire. Il vient au CECILLE et aux traverses des humanités environnementales en tant que Conférencier Invité, grâce au dispositif des Relations Internationales de l’Université de Lille.  

https://www.tomnurmi.com

Nous espérons vous y voir nombreux·ses !

Hélène Cottet, Claire Hélie et Sophie Musitelli, Thomas Dutoit avec l’aide de Paloma Durand.

17/01/2025 : Atelier : Axe 1 en collaboration avec l’Axe 2 « Genres, Féminisme(s) et Intersectionnalité » – « La Vie Sensuelle des Archives – Traces, Réécritures, Fabulations et Nouvelles Perspectives et Genres »

Le 17 janvier 2025 à l’université de Lille, nous avons été ravis de recevoir plusieurs intervenants lors de la journée dédiée à l’exploration des enjeux autour de la thématique suivante : « La Vie Sensuelle des Archives – Traces, Réécritures, Fabulations et Nouvelles Perspectives et Genres » sous forme d’une collaboration entre l’axe 1 « Poétique et Politique » ainsi que l’axe 2 « Genres, Féminisme(s) et Intersectionnalité ». Cet atelier a été organisé afin de préparer le colloque international de 2026, pour explorer les théories et les différentes interprétations de ce thème très riche.

C’est Antoine Rodriguez, Professeur des universités spécialisé dans l’étude contemporaine du Mexique aux XXe et XXIe siècles, qui ouvre la journée en présentant les enjeux sur lesquels vont se concentrer les intervenant.es, en mettant l’accent sur l’importance des thématiques queer et féministes de ces archives définies comme sensuelles. Cela nous incitera à davantage réfléchir à la notion même d’archive. Comment cette étude particulière peut-elle se démarquer des autres et qu’est-ce qu’une archive sensuelle ?

S’ensuit l’intervention de Claire Dubois, Maîtresse de conférences à l’université de Lille et spécialiste en études irlandaise du XVIIIe au XXe siècles, qui nous propose une intervention intitulée « Archives du Bureau of Military History et genre. » Son travail sur Margaret Skinnider (1892-1971), une femme révolutionnaire et féministe, qui se démarqua en tant que tireuse d’élite et éclaireuse pendant l’insurrection de Pâques (1916), l’a menée à explorer les archives militaires irlandaises. Elle souligne que cette exploration est rendue possible grâce à la numérisation de ces archives, qui deviennent alors plus accessibles aux chercheur.eues à l’échelle internationale. Ces archives qu’explore Claire Dubois couvrent la première moitié du XXe siècle, et leurs formes sont diverses et variées ; de la photo à l’enregistrement ou même aux papiers administratifs, c’est cette diversité qui évoque la richesse de ce fonds d’archives du « Bureau of Military History ». Le genre reste une des principales thématiques de cette communication, car Claire Dubois nous explique que malgré le rôle essentiel que des femmes, telles que Margaret Skinnider, ont joué dans cette révolution, leur importance ou même leur présence sont minimisées dans ces archives. Parmi toutes les photographies, tous les enregistrements et témoignages, on retrouve seulement 10% de femmes, ce qui souligne à quel point l’histoire peut être effacée ou déformée par les mœurs de l’époque, il était inimaginable qu’une femme puisse à la fois assumer son rôle de femme au foyer tout en se battant pour sa nation. Afin de soutenir ces arguments, Claire Dubois nous présente son analyse des fonds d’archives des demandes de médailles ainsi que de pensions militaires entre 1916 et 1923. Ces lettres de demande de pensions, de soutien et de documents divers, relèvent une réelle éclipse d’information sur le déroulement des événements lors de la guerre civile, effaçant ainsi le rôle des femmes qui, dans cette guerre, qui étaient souvent cantonnées au rôle passif de soutien dans les récits officiels. L’intervenante nous affirme que l’effacement de ces femmes révolutionnaires de l’histoire eut de réelles répercussions après la guerre. Ces révolutionnaires se retrouvèrent abandonnées par un gouvernement qui choisit le silence face aux conséquences de cette guerre civile qui divisa la nation. Cependant, l’exploration de l’intervenante ne se limite pas à la version des faits offerte par les sources gouvernementales, elle choisit d’explorer comment s’exprime la mémoire collective de la population irlandaise à travers la fiction, créant ainsi un réel lien entre deux champs disciplinaires et élargissant encore plus notre compréhension des archives. On se pose alors la question de savoir si les œuvres de fictions peuvent être analysées en tant qu’archives civilisationnelles. Claire Dubois soutient que la fiction permet aux auteur.ices qui, sont concernées par les événements en question, de créer une mémoire culturelle alternative au silence imposé par les récits gouvernementaux, en utilisant des topoï littéraires, parfois appartenant au surnaturel (des fantômes par exemple) afin d’exprimer et d’explorer le traumatisme lié à cette guerre, qui a tant marqué l’histoire irlandaise. Le choix de la chercheuse de ne pas omettre la fiction en tant qu’archive historique souligne l’importance de démanteler la conception que se fait chacun.e de l’archive afin d’offrir aux voix les plus marginalisées une opportunité de s’exprimer. 

La journée continue avec la communication de Camilla Fornaro, doctorante en traductologie de l’université de Bologne qui, nous propose une communication intitulée « Interroger les archives féminines : quels défis pour la traductologie? ». Cette intervention introduit un nouvel enjeu sur l’archive et son interprétation à travers l’analyse de la traduction. L’intervenante nous présente la relation intéressante entre archives privées et traduction, en définissant ces mêmes archives en tant que dispositifs auto-traductifs qui ne sont pas insensibles à l’influence du genre et du contexte historique. L’influence de ces derniers facteurs devient un réel défi pour les chercheur.euses qui se concentrent sur la reconstitution de l’histoire à travers ces traductions. Camilla Fornaro affirme que les traductrices ont joué un rôle important dans la démocratisation de plusieurs auteur.ices de littérature classique, de romans, de poésie, d’essai et plus encore. Malgré leur apport essentiel au monde de la littérature, le travail des traductrices est souvent minimisé et réduit à un rôle de soutien passif à l’auteur qui, lui, est reconnu pour ses œuvres. Concernant les autrices féminines, elles ne peuvent échapper à l’appropriation de leurs œuvres par des traducteurs masculins. L’intervenante nous présente deux écrivaines italiennes trop facilement tombées dans l’oubli. Alba de Céspedes, une écrivaine polyglotte, qui nous est décrite comme une femme très consciente des modifications apportées à ses ouvrages afin de correspondre aux diverses populations visées. Elle choisit donc de traduire elle-même certains de ses poèmes, dont Les Chanson des filles de mai afin de reprendre le contrôle de l’interprétation de son œuvre. La recherche de Camilla Fornaro est méthodologiquement particulière, car elle procède de deux façons. Elle retrace non seulement le processus mental, culturel et historique à travers ces traductions mais poursuit également une étude génétique de la création de l’œuvre. Elle reprend les archives des lettres entre l’écrivaine et son éditeur, les brouillons qui ont construit l’œuvre, et le contexte para textuel de l’ouvrage, ce qui lui permet de nous proposer une ouverture intéressante de l’archive, mêlant une fois de plus fiction et histoire afin de redonner vie aux œuvres de ces écrivaines.

Poursuivant l’analyse de l’écriture d’autrices féminines, Camilla Cederna (Professeure) et Bianca Vallarano (doctorante), toutes les deux spécialistes en littérature italienne à l’université de Lille, nous présentent une intervention intitulée « Les archives d’une vie et d’une écriture en exil entre le Maroc et l’Italie » une exploration de la vie mais aussi des ouvrages de l’autrice peu reconnue Elisa Chimenti (1883-1969), une écrivaine, journaliste, anthropologue et enseignante italo-marocaine qui, après sa mort, a laissé une grande quantité d’archives inédites documentant sa vie. Camilla Cederna continue en décrivant l’autrice comme une femme avec une affinité pour l’étude des religions monothéistes. Ayant grandi au Maghreb, ce n’est pas surprenant qu’elle ait une inclination pour l’islam ainsi que pour les vastes cultures issues des relations coloniales et des mouvements de populations du Maghreb. Les archives qu’elle laisse derrière elle appartiennent à différents genres, tel que le roman, la poésie, mais aussi des manuels de langues issus de sa profession en tant qu’enseignante, des chansons ou encore des essais. Ce fonds d’archives fut vite oublié, pour ensuite être redécouvert pendant les années 1990 et relève une relation au patrimoine poétique et oral que les femmes cultivaient dans la sphère privée, traduisant une mémoire collective et personnelle et offrant une fenêtre sur leur quotidien, leurs problèmes et leurs opinions. Elle souligne que ces archives restent très difficiles d’accès et ne sont pas numérisées, contrairement aux archives irlandaises par exemple. Cela crée un réel défi quant à l’analyse des archives post-mortem d’Elisa Chimenti et à l’exposition de sa contribution à la mémoire de ces femmes invisibles.

Bianca Vallarano prend le relais en soulignant l’importance d’élargir le champ d’étude de ces archives féminines à une échelle méditerranéenne afin de faciliter les échanges. Elle nous confronte aux obstacles non négligeables dans l’étude des archives féminines, qui tombent dans un cycle d’oubli et d’invisibilité : elles sont éclipsées et retrouvées, seulement pour être éclipsées de nouveau, comme nous avons pu le constater avec les ouvrages et les mémoires d’Elisa Chimenti. Il s’agit également d’analyser les archives des relations diplomatiques et des relations étrangères, retraçant les échanges entre Rome et le Maroc afin d’interpréter le contexte historique autour des archives de Chimenti. Cette dimension multilingue et la mauvaise conservation des archives présentent de nouveaux défis importants, car il devient complexe d’étudier la trace directe de l’autrice à travers ce puzzle. La communication de ces deux chercheuses et de leur travail démontre non seulement l’importance de la conservation d’archives privées et publiques, mais elle souligne aussi l’importance de l’accessibilité des archives afin de faciliter cette véritable lutte contre l’oubli de la mémoire de ces autrices et des voix trop souvent censurées.

La communication suivante, donnée par Vinicius Carneiro, Professeur à l’université de Lille en sciences humaines et sociales, se concentre sur les archives coloniales du Brésil dans sa communication « Les corps et les continents : une histoire des transferts d’idées et des représentations de l’Empire portugais à la République brésilienne ». Son étude se caractérise par sa compréhension de l’archive pouvant se refléter dans la perception de l’Amazonie qui, devient ici le corps sensuel de l’archive. Vinicius Carneiro a souligné comment, à travers l’histoire coloniale, cette terre était souvent perçue comme féminine, décrite par des termes qui mettent en lumière cette érotisation de l’Amazonie comme une terre « vierge » ou encore « fertile ». Cette érotisation de la terre révèle un lien entre l’idéologie capitaliste, que Carneiro définit comme masculine, et la féminisation de la terre qui, dans l’imaginaire colonial retracé à travers des archives du XVe au XXIe siècles, se présente telle une femme passive attendant l’intervention, ou dans ce cas plutôt l’exploitation, de l’homme qui n’a qu’un seul but : produire de la richesse. Carniero met cette fétichisation de l’exploitation du corps de la femme en parallèle avec un discours du président brésilien en 2019, pendant lequel l’homophobe auto-proclamé décourage fortement le tourisme homosexuel mais encourage les touristes masculins à venir avoir des relations intimes avec les femmes brésiliennes, mettant une fois de plus en lumière le pouvoir et l’influence de cette idéologie masculine basée sur l’exploitation des femmes, et des terres. Afin de structurer l’exploration de ces archives coloniales, Vinicius Carneiro nous présente sa méthodologie organisée en quatre grandes périodes d’analyse : Tout d’abord, l’aube de la colonisation portugaise, pendant laquelle l’Amazonie est présentée comme une terre dite féminine, prête à être exploitée et découverte par les colons. Ensuite, il se concentre sur l’expansion et la consolidation territoriale (1640-1808), une période où l’exploitation des ressources naturelles est importante, renforçant la perception d’une terre passive dans l’imaginaire colonial. La période suivante se situe entre 1808 et 1930, lorsqu’une nouvelle nation naît après l’indépendance et la première république, caractérisant ainsi la patrie comme féminine, un thème également très présent parmi les œuvres romantiques de l’époque. Son exploration des archives se finalise sur la période des années 1930 jusqu’au XXIe siècle, pendant laquelle l’industrialisation est plus importante que jamais, toutefois ostracisant les légendes et la mythification de l’Amazonie afin d’assurer le profit et la production de richesses. Cette intervention de Vinicius Carniero nous a permis de nous confronter à une nouvelle utilisation de l’archive comme mémoire d’un imaginaire colonial, qui souligne l’importance de l’étude des liens entre le genre, l’influence et le pouvoir politique.

L’intervention de Luis Sobreira, Maître de conférences à Lille et spécialiste en traduction et études de genre, présente la recherche de ses collègues Fernando Curopos et Fernando Cascais. Tous deux ont travaillé sur la préservation et la collecte d’archives concernant la « dissidence et la résistance homosexuelles au Portugal ». Il met en lumière non seulement la difficulté, mais aussi l’importance de ce travail sur les mémoires d’une population marginalisée. Il nous révèle que, malgré l’existence des études de genre au Portugal, c’est un champ d’étude trop souvent éclipsé par les autres domaines académiques. Le manque de travaux de recherche dans ce domaine peu exploité, cause l’oubli rapide de beaucoup d’artistes et auteur.ices appartenant à la communauté LGBTQ+. Cela renforce l’importance des travaux d’auteur.ices tels que Fernando Curopos, comme son exploration de la littérature portugaise queer dans son intervention pendant le colloque du laboratoire Cécille de Lille en 2021 intitulé Un Eros Luso-Brésilien : Sexe et sensibilité(s) périphériques. Le travail de Fernando Cascais se présente non seulement comme un travail de collecte d’archive essentiel, mais aussi un véritable geste d’activisme. Son travail met en évidence la résistance et le traitement déplorable des communautés queer sous le régime dictatorial de Salazar (1933-1974). Sa recherche s’appuie sur des archives de police et de documents médicaux et juridiques, révélant les persécutions systématiques de cette communauté et le silence imposé par la dictature, qui abolissait leurs lieux d’échange et de rassemblement, tels que les cafés ou les clubs. Le travail de ces deux chercheurs, mis en valeur par l’intervention de Luis Sobreira, met en avant l’aspect éthique d’activisme pro-mémoire. Il s’agit de réhabiliter la mémoire censurée ou refoulée de cette communauté.

C’est avec la communication de Helen Penet « De l’album de famille à la story Instagram : l’archive photographique dans la littérature irlandaise contemporaine », que se conclut la matinée. Maîtresse de conférences à l’université de Lille et spécialiste en littérature irlandaise, elle nous propose de se rencontrer sur non seulement le rôle de la fiction mais également des réseaux sociaux dans la création d’archives. C’est avec une anecdote personnelle que commence sa communication : en sortant de classe elle retrouve ses étudiant.es captivé.es par la beauté d’un coucher de soleil qu’ils et elles prennent tou.tes en photo, sûrement pour le mettre en story sur Instagram. Cette anecdote permet à Helen Penet de souligner l’évolution de l’archive photographique, qui était souvent une archive physique, stockée dans les albums photo du propriétaire avant les années 2010. Pourtant, c’est à présent devenu une archive numérique stockée par des multinationales technologiques (souvent établie en Irlande) dû à la popularité d’applications comme Instagram. Cette archive est non seulement numérique, mais aussi une archive publique utilisée à des fins commerciales sous forme d’immenses bases de données personnelles. Cette évolution de l’archive photographique est une thématique explorée dans la littérature irlandaise contemporaine par des auteur.ices telles que Sally Rooney dans son ouvrage Normal People publié en 2018. En revanche, nous pouvons également trouver une dimension activiste aux travaux de ces auteur.ices qui adoptent ces thèmes dans le but de confronter le lectorat à des situations gênantes, tel que la pornodivulgation. Cette forme de cyberharcèlement se définit par l’utilisation de contenus intimes ou explicites partagés sans le consentement des personnes concernées. Dans des romans tel que Normal People, Helen Penet nous explique qu’il est affirmé qu’une fois une image partagée sur internet elle ne sera plus jamais une image privée, elle devient à tout jamais consultable. Ces femmes, victimes de pornodivulgation ou « revenge porn » doivent ironiquement, se battre afin de rester dans l’invisibilité, contrairement à ce que nous avons pu comprendre précédemment. Cette intervention rend non seulement hommage aux œuvres de fictions contemporaines d’auteur.ices irlandais.es en les traitant comme des archives malgré elles, mais souligne également les aspects inquiétants du bouleversement que l’ère numérique a causés sur l’évolution des archives qui, paradoxalement, offrent aux communautés marginalisées l’opportunité de s’exprimer et de se monter sans censure mais les exposent également à de nouvelles formes de persécution.

L’après-midi s’ouvre avec la présentation d’Antoine Rodriguez, mentionné précédemment, qui nous parle des « Archivos Memoria Trans México ». Il se concentre sur la présentation de différentes sources qui pourraient être exploitées lors du colloque international en 2026, en s’appuyant sur le travail de ses collègues archivistes, orienté particulièrement sur les archives de la mémoire trans au Mexique. Parmi ces nombreuses sources, nous avons pu remarquer l’effort d’éviter l’appropriation de cette mémoire censurée et d’établir un contact direct avec les communautés principalement concernées. C’est un obstacle non négligeable. Quand Antoine Rodriguez évoque la page Instagram sur l’Archivo de la memoria tranmasculina, il met en évidence les difficultés d’accès et de communication avec les fondateur.ices de la page Instagram. La vulnérabilité de cette communauté souvent mal comprise et les problèmes de communication, rendent cet échange laborieux. Malgré ces difficultés, Rodriguez souligne l’importance de rendre hommage aux travaux de ces archivistes, qui sont aussi membres de la communauté LGBTQ+, et de leurs efforts dans la numérisation de la mémoire trans au Mexique. L’intervenant fait également le point sur l’importance de l’expression artistique de la communauté. Il nous présente le Museo de la Memoria LGBTQ+ de Guadalajara qui, grâce à son espace ouvert, est un lieu capable d’accueillir un public plus large mais également de favoriser les échanges entre intervenant.es, témoins et chercheur.euses dans une ambiance multiculturelle conviviale. Cette intervention donnée par Antoine Rodriguez non seulement offre des possibilités intéressantes pour l’organisation du colloque en 2026, mais souligne l’importance de la conservation, professionnelle ou amatrice, physique ou numérique, des archives de la mémoire trans au Mexique. Antoine Rodriguez renforce le rôle essentiel de l’échange direct et authentique avec les personnes concernées, et sa volonté éthique de redonner à la communauté leur mémoires censurées ou effacées par le passé.

Toujours concernant la conservation de mémoires LGBTQI+, la communication de Sam Bourcier et Andrea Agliozzo sur « Le Centre d’Archives LGBTQI+ Paris IDF », porte sur, un espace où prend place la collecte et la préservation des archives de la communauté. Ce centre d’archive se présente comme une organisation avec un rôle actif dans la transformation de la perception de l’archive. Andrea Agliozzo, membre du centre d’archives de Paris, nous explique que ce lieu offre également une grande visibilité aux expériences queer et une véritable transformation de la conception de l’archive en intégrant des nouvelles méthodes d’archivage, comme notamment le croisement entre la fiction, la politique et le militantisme. Similairement aux méthodes présentées dans les communications précédentes, Andrea Agliozzo insiste sur l’importance du contact direct avec les personnes concernées, favorisant alors les témoignages audiovisuels afin de mettre en avant la présence physique des invité.es, offrant ainsi une possibilité à ces communautés marginalisées d’être actives dans la création de leurs mémoires et archives. Cet aspect humain de l’archive est souligné ensuite par Sam Bourcier, Maître de conférences à l’université de Lille, sociologue et militant trans-féministe et queer. Il souligne de nouveau que ces lieux ne doivent pas être réduits à de simples endroits où les archives sont stockées, mais qu’ils doivent davantage devenir des lieux de partage et de création d’archives. Il défie la conception traditionnelle de l’archive comme objet figé, recouvert de poussière uniquement accessible aux historien.nes, et met en avant l’émergence d’une archive vivante et dynamique. Les deux intervenant.es soulignent également le rôle de l’archive comme outil de rassemblement et de partage, entre non seulement entre les membres de la communauté en question mais également avec les archivistes. Sam Bourcier encourage une motivation éthique comme réponse à la question : pourquoi créé-t-on des archives ? Ils prônent la démocratisation de l’archive, qu’elles deviennent plus facilement accessibles pour les personnes concernées ou tout simplement curieuses, afin d’encourager le brassage entre chercheur.euses, archivistes et la communauté en question.

C’est sur la communication d’Hélène Cottet et Corinne Oster sur un nouveau projet de traduction que se conclut la journée. Hélène Cottet, Maîtresse de conférences en littérature des États-Unis à l’université de Lille, nous présente les enjeux majeurs du livre en question : Let the Record Show : A Political History of ACT UP New York, 1987-1993 de Sarah Schulman, un recueil de 187 entretiens avec des militant.es d’ACT UP New York, publié en 2021. Grâce à ces entretiens, elle raconte l’expérience et la contribution de ces militant.es au sein de la cause, elle retrace également les stratégies et les échecs, ce qui caractérise l’ouvrage comme un véritable manuel d’activisme. Cette œuvre se démarque par son acte de militantisme archivistique, qui offre une plateforme sur laquelle ces expériences, souvent censurées, pourront être valorisées. Hélène Cottet insiste sur la volonté de l’autrice d’apporter un minimum de modifications aux entretiens utilisés, créant ainsi une véritable archive vivante qui préserve l’authenticité de l’échange entre archiviste et témoins. Cet ouvrage montre avec vulnérabilité les obstacles des membres d’ACT UP New York (comme par exemple, les persécutions et les risques de contraction du SIDA) avec beaucoup de nuances qui ne sont pas présentes dans d’autres recueils d’archives qui se concentrent principalement sur les témoignages d’hommes homosexuels mais blancs. Cette vulnérabilité et les différences culturelles sont des éléments importants à prendre en compte lors de la traduction de l’ouvrage, un véritable défi de transmission. Corinne Oster, Professeure en traduction et traductologie à l’université de Lille, nous apporte une compréhension approfondie des obstacles de traduction de cet ouvrage, pouvant se définir de plusieurs façons : collection de mémoires, manuel de militantisme… Tous ces angles complexes du livre sont à conserver durant la traduction, sans pour autant approprier les champs linguistiques et culturels. Cette intervention insiste sur les enjeux éthiques, politiques et méthodologiques de ce projet ambitieux. Il ne s’agit pas de simplement traduire mots à mots ces différentes archives, mais de transmettre à travers une traduction approfondie et travaillée les difficultés et les enjeux réels de ce combat militant des membres d’ACT UP New York, sans en trahir authenticité. Ce travail offre une grande réflexion sur le rôle de l’individu dans l’archive et son importance dans une traduction francophone.

Cet atelier, destiné à présenter les perspectives de chacun.e sur la thématique « La Vie Sensuelle des Archives » et à réfléchir de façon commune à comment aborder ce sujet avec originalité lors du colloque internationale de 2026, montre une exploration riche et multidimensionnelle de l’archive, de sa valorisation, de sa préservation et de son interprétation à travers divers genres (fiction, photographies, documents audiovisuels…). Les communications remettent au centre de cette étude l’importance de la voix des communautés marginalisées à partir desquelles ces archives sont construites. Les intervenant.es ont également insisté sur un travail d’archivage éthique et respectueux des communautés, dont la présence physique est encouragée lors de la collecte, par des organisations telles que le centre d’archives de Paris ou par des autrices telles que Sarah Schulman. Cette journée nous rappelle l’influence de l’archive comme outil d’activisme, de rassemblement et de résistance, comme un élément vivant et dynamique faisant partie de la construction de la perception des personnes membres de communautés marginalisées et censurées. Le travail de l’archiviste, qui peut prendre différentes formes, est un travail qui est en constante quête d’authenticité de ses sources et de ses archives, un véritable travail d’activisme au sein du monde de la recherche.

Compte-rendu rédigé par Paloma Durand

12/11/24 – Gert Meesters (Université de Lille) – “Bande dessinée et adaptation audiovisuelle: la série flamande Bob et Bobette retourne à la source.”

Photo de Gert Meesters prise lors de sa présentation.

Le 12 novembre 2024, nous avons eu le plaisir d’assister à la communication de Gert Meesters, intitulée « Bande dessinée et adaptation audiovisuelle : la série flamande Bob et Bobette retourne à la source. » Gert Meesters est maître de conférences en Néerlandais à l’université de Lille. Il est spécialiste de la bande dessinée néerlandophone actuelle et s’intéresse principalement au système narratif de la bande dessinée ainsi qu’à l’histoire de la bande dessinée belge.

La bande dessinée Bob et Bobette ou Suske en Wiske en néerlandais, fait partie du patrimoine culturel de la Belgique d’après-guerre. Créée par Willy Vandersteen en 1945, les aventures de Bob et Bobette parurent dans le journal quotidien De Nieuwe Standaard jusqu’en 1974.

Gert Meesters précise qu’en Flandre occidentale, le modèle instauré par les titres phares de la bande dessinée francophone tels que Tintin ou Spirou n’est pas suivi. Par exemple, les dessinateurs flamands produisent quatre fois plus de planches par semaine que leurs homologues français. L’auteur de Suke en Wiske joue un rôle important dans la fondation des codes de la bande dessinée flamande, qui se présente donc majoritairement sous forme de prépublications dans les journaux avec peu de continuité d’une semaine à l’autre, et non sous la forme de livres cartonnés de quarante pages. Cette cadence influence donc grandement le rythme et le style de la narration. Les bandes dessinées flamandes sont caractérisées par des séries de trente à soixante-deux planches qui, contrairement aux séries françaises, mêlent différents genres tels que le comique et la fantaisie au sein d’une même histoire tout en gardant un ancrage dans la réalité de la culture flamande. Il est intéressant d’apprendre ensuite que le public de jeunes Français s’intéresse à Bob et Bobette grâce à la contribution de Vandersteen durant les dix premières années du magazine Tintin. Cependant, Gert Meesters nous révèle que pour être adapté à ce nouveau public de jeunes francophones, certains aspects de la bande dessinée ont dû être modifiés pour correspondre davantage aux codes et aux mœurs français. Les personnages les plus atypiques deviennent plus traditionnels et les éléments de la culture flamande sont effacés par la traduction française, ce qui a engendré de nombreuses incohérences.

Afin de démontrer l’importance des adaptations audiovisuelles de la bande dessinée Bob et Bobette, Gert Meesters présente son analyse de deux adaptations qui ont permis à Bob et Bobette de renouer les liens avec leurs racines flamandes. Il nous explique que ces adaptations sont principalement établies à partir des vingt-cinq premières années de la série. Il donne deux exemples : un spectacle de marionnettes, qui a ensuite été diffusé à la télévision, et un film d’animation de 1959 dans lequel les illustrations originales de l’album Les Martiens sont là sont accompagnées par l’interprétation du texte par des comédiens. Les interprétations orales de la bande dessinée sont aussi très populaires sous la forme de vinyles et d’émissions radio jusqu’aux années 1990 durant lesquelles une comédie musicale et des adaptations 3D ont aussi vu le jour. Il est important de souligner que la majorité des adaptations mentionnées précédemment sont issues de studios flamands et non belges ce qui témoigne de l’importance de la bande dessinée dans le patrimoine flamand.

L’analyse de Gert Meesters se concentre sur deux adaptations très différentes : Suske en Wiske De Stuivende Stad et De Charmante Koffiepot. Concernant De Stuivende Stad, Gert Meesters nous fait découvrir une application pour iPhone et iPad parue en 2010. D’un simple clic, l’application permet à l’utilisateur de faire défiler les planches de l’histoire. L’expérience est simultanément enrichie par des interprétations des dialogues en néerlandais ainsi que des effets sonores. Comme pour l’animation de 1959 mentionnée précédemment, les illustrations originales sont conservées. Cette application offre à une nouvelle audience une façon plus dynamique de redécouvrir ces histoires tout en offrant aux spectateurs plus âgés un renouveau sur l’un des ouvrages de leur enfance. Gert Meesters revient notamment sur la réception de cette application en sélectionnant des commentaires intéressants qui révèlent que les utilisateurs réclament une version flamande de la lecture des histoires. Il indique ensuite que cette requête découle d’une rupture entre la bande dessinée Suske en Wiske et ses origines culturelles. En 1963 la bande dessinée passe de la langue vernaculaire d’Anvers, une langue dite « trop régionale, » au néerlandais standard afin de satisfaire le public plus large du Pays-Bas, un changement qui fut même indiqué dans la bande dessinée par le personnage de Sidonie dans un album de 1964, comme montre l’image ci-dessous.

Malgré l’absence de version flamande dans l’application, l’oralité de cette adaptation permet aux comédiens de transmettre cette origine en interprétant les textes avec un accent flamand, rappelant ainsi les racines de la bande dessinée. Cet aspect se retrouve également dans l’adaptation de De Charmante Koffiepot, qui prenait la forme d’une lecture dynamique des dialogues par des comédiens et était diffusée à la télévision avant et après les journaux télévisés, une référence aux origines de la bande dessinée en tant que planches publiées à la fin des journaux quotidiens. Ces lectures sont principalement destinées aux plus jeunes, mais aussi aux adultes qui sont déjà familiers avec les aventures de Suske en Wiske. Ces lectures permettent aux comédiens de donner vie à ces personnages en conservant leur identité flamande à travers leur jeu d’acteur, ce qui a conquis les spectateurs de cette émission qui décrocha ensuite plusieurs récompenses.

Gert Meesters clôture sa communication en soulignant les caractéristiques communes de ces adaptations, telles que la mise en valeur de l’accent et de la culture flamande à travers la langue néerlandaise grâce aux comédiens, ce qui exalte une certaine fierté et un sentiment de nostalgie, permettant ainsi aux lecteurs les plus âgés de revivre les aventures de leurs personnages préférés grâce à ce retour aux sources.

Compte-rendu écrit par Paloma Durand

12/11/24 – Gert Meesters (Université de Lille) – “Bande dessinée et adaptation audiovisuelle: la série flamande Bob et Bobette retourne à la source.”

Les organisatrices du séminaire “Littérature et Politique” vous convient à la première séance de l’année 24-25.

Mardi 12 novembre, 16h30-18h, salle B0.619, nous aurons le plaisir d’écouter Gert Meesters (Université de Lille) pour une présentation intitulée “Bande dessinée et adaptation audiovisuelle: la série flamande Bob et Bobette retourne à la source.”

Résumé: Après 79 ans et 300 albums, la bande dessinée Suske en Wiske (Bob et Bobette en français), créée par Willy Vandersteen, a connu de nombreuses adaptations audio et audiovisuelles. J’introduirai d’abord son histoire et sa position dans la bande dessinée flamande et internationale et je parlerai ensuite plus particulièrement de deux adaptations assez récentes : un motion comic de l’album De stuivende stad (Anvers et contre tous) pour tablettes et portables (2010) et la lecture à voix haute de l’album De charmante koffiepot (L’Aimable cafetière) à la télévision belge dans le cadre de l’émission Man bijt hond (2007-2008). D’un point de vue linguistique, je soutiendrai que ces deux adaptations audiovisuelles reconnectent la série à ses origines régionales par des choix de vocabulaire et d’accents, alors que les précédentes adaptations audio privilégiaient un langage plus proche de la norme néerlandaise. Du point de vue des études en bande dessinée, les possibilités de médiation linguistique spécifiques de la fiction audio pour ajouter de l’humour et de la régionalité ne sont pas/plus présentes dans les bandes dessinées, qui sont écrites en néerlandais standard neutre, ce qui apporte un soutien supplémentaire à la qualification générale des dialogues de bande dessinée comme oralité artificielle. J’analyserai les stratégies utilisées dans les deux adaptations en les comparant aux versions des albums, aux adaptations audio antérieures de Suske en Wiske et à des adaptations de bande dessinée similaires dans d’autres langues. Ensuite, la réception des deux adaptations fournira des preuves supplémentaires des affirmations relatives à leur régionalité retrouvée.

Nous espérons vous y voir nombreux.ses !

Hélène Cottet, Claire Hélie, Sophie Musitelli, avec l’aide de Paloma Durand.

28/05 – Nawal Alhalah Harb (Université de Lille) – « Représentations de l’exil dans les romans des nouveaux exilés »

Nous avons eu le plaisir d’assister à la communication de Nawal Alhalah Harb intitulée « Représentations de l’exil dans les romans des nouveaux exilés ». Nawal Alhalah Harb est maîtresse de conférence à l’université de Lille dans le département ERSO (Etudes romanes, slaves et orientales). Membre du CECILLE depuis 2021, elle s’intéresse à la littérature arabe contemporaine, aux techniques narratives et à l’intertextualité.

Mme Alhalah Harb a commencé sa communication en définissant le terme de « nouveaux exilés », et en précisant que la notion d’exil englobait le sens d’exclusion forcée de la patrie, qu’elle soit temporaire ou permanente. Les nouveaux exilés sont des personnes forcées de quitter leur pays au début du troisième millénaire. Le concept de littérature d’exil aurait changé après le vingtième siècle : elle ne serait plus seulement associée à l’aliénation, le déracinement et le déplacement, mais elle serait plutôt devenue une expérience métaphorique, celle d’un autre regard sur un monde et des perspectives humaines qui semblent différentes. Ce renouvellement permet alors de penser le concept de patrie, et d’aborder des idées telles que la rencontre des cultures, la nationalité et l’identité.

L’intervenante a alors soulevé plusieurs questions qui avaient attrait à la réception des exilés et de leur expérience au carrefour des cultures : un rapport au lieu, au temps et à l’autre. Il s’agit donc d’une approche pluridisciplinaire qui étudie les interactions entre l’exilé et le pays d’accueil, la critique sociale dans la relation entre le soi et l’autre, l’expérience des femmes en exil, les questions de genre et la marginalisation.

Par la suite, Mme Alhalah Harb s’est attachée à décrire le rapport des exilés avec l’idée de lieu, en s’appuyant pour cela sur les propos d’Alexis Nouss. Selon lui, l’exil se rapporte à l’expérience humaine en général puisqu’il bouscule le rapport humain au temps, à l’espace et à l’identité. À travers la notion d’ « exiliance », il décrit le trait commun à toutes les expériences des sujets migrants, sans distinction d’époques, de cultures, ou de circonstances dans lesquelles ils ont été accueillis. Pour rester dans cette perspective, l’intervenante a choisi de se concentrer sur un roman dans lequel la condition de l’exil exprime une remise en question existentielle : A la recherche de la pelote de laine, trois jours dans le labyrinthe de l’exil de Rosa Yassin Hassan, une écrivaine activiste et journaliste syrienne exilée en Allemagne depuis 2011 (également autrice de : Mémoire des femmes détenues politiques en Syrie (Négative), et Ceux qui ont été touchés par la magie). Ce roman présente les trajectoires de personnages syriens à Hambourg, dressant ainsi un cadre multidimensionnel qui permet de voir le monde des nouveaux exilés sous leur angle personnel.

Dans son introduction, l’autrice justifie le choix de son titre et explique que chaque nouvel exilé possède sa propre pelote pour le guider dans les labyrinthes de l’exil (en référence au fil d’Ariane). Rosa Yassin Hassan distingue ensuite trois trajectoires d’exilés : ceux qui ont égaré leur pelote de laine et sont restés perdus dans les contradictions de leur nouvelle vie, ceux qui la recherchent encore de manière obsessionnelle, et enfin ceux qui s’accrochent en toute sécurité à leur pelote de laine, sans se soucier des ramifications du labyrinthe. L’obsession du roman se trouve dans la représentation d’une frontière indéfinissable que Mme Alhalah Harb désigne comme un isthme, un lieu qui n’est plus dans le pays quitté, ni encore dans la nation qui accueille.

La multiplication de points de vue qu’offre le roman lui permet de développer des ressentis différents, parfois opposés, par rapport au pays que les personnages ont tous rejoint : ainsi, tandis que l’une d’eux profite d’un enrichissement de ses croyances, un autre résiste l’assimilation dans sa famille d’accueil et considère ce nouvel environnement comme un espace organisé de façon mécanique. Il s’étonne même que les personnes qui s’y trouvent puissent s’être transformées en robots qui obéissent à toutes les règles. Ce personnage utilise la métaphore du rocher de Sisyphe pour décrire son état émotionnel, ce qui permet à l’intervenante de souligner une autre particularité du roman et de la littérature des nouveaux exilés en général : le recours régulier aux métaphores et aux références à la mythologie. De la même manière, un personnage homosexuel utilise la métaphore kafkaïenne du cafard pour se décrire en réaction aux mauvais traitements infligés par les autres réfugiés et migrants. Il est retourné sur le dos, et à l’impuissance s’ajoute la vision d’une mort qui semble inévitable. Cependant, il fonde par la suite une association pour soutenir les droits des immigrés queers avec son amant allemand, réalisant alors une réconciliation avec le pays d’accueil. Ici, Mme Alhalah Harb décrit la période qui s’étend de son installation dans le camp jusqu’à l’emménagement avec son amant comme l’isthme, ce qui l’a déplacé entre deux lieux et deux époques. Un autre personnage, Rudy, décrit le camp comme une petite communauté qui condense tous les problèmes du tiers-monde. Tous ses occupants ressentent la peur, mais ils sont issus de cultures différentes. Le lieu d’accueil devient alors un lieu de dialogue interculturel, malgré les tensions qui surgissent en raison des préjugés de chacun, et de la difficulté de communiquer dans une langue autre que celle maternelle.

Ce roman s’attache également à décrire la perspective de personnages allemands, comme Myriam qui est une militante pour les droits des réfugiés. Elle affirme que son amitié avec Hadil lui fait tisser à chaque instant son acceptation pour la vérité de l’autre, en plus de la confronter à ses propres idées.

L’intervenante revient par la suite sur la façon dont les nouveaux exilés éprouvent le temps et l’espace : ils sont dans le lieu d’accueil mais n’en sont pas originaires. Ainsi, ils sont suspendus dans un vide spatial où le temps s’est arrêté (elle prend l’exemple de Hadil qui reste dans le déni de l’arrestation de son petit-ami en Syrie). L’exilé suspend le temps comme le fait Pénélope dans l’Odyssée, lorsqu’elle tricote et dénoue les fils de sa tapisserie pendant la nuit.

Les conséquences de la guerre sont présentes, comme si les écrivains craignaient de perdre la mémoire de la guerre, et les spectres des victimes vont même hanter le personnage d’un avocat jusque dans ses cauchemars. Ils ne disparaissent que lorsque l’avocat commence à travailler avec une association de juristes et qu’il s’efforce de confondre les membres des régimes syriens responsables de crimes commis contre la population syrienne.

Mme Alhalah Harb conclut sa communication en expliquant que le roman reconnaît les différences des exilés syriens et refuse de les voir comme une masse homogène. Le ton statique du camp-isthme, son aspect bruyant et brumeux prend fin lorsque l’action commence. L’enfer serait cet isthme entre les deux mondes, la frontière. Le mouvement serait alors le lien entre le temps et l’espace : le fait de passer à l’action permettrait de reconnecter avec un lieu qui était flou et résulte en une stabilisation de la notion d’espace.

Compte-rendu écrit par Paola Jugon

28/05 – Nawal Alhalah Harb (Université de Lille) – « Représentations de l’exil dans les romans des nouveaux exilés »

Nous avons le plaisir de vous informer que la prochaine séance dans le cadre de l’Axe 1 « Poïétique et Politique » aura lieu le mardi 28 mai à 16h30 en visioconférence uniquement.

Cette séance est co-organisée avec l’aire « Méditerranée et Proche-Orient » du laboratoire CECILLE.

Nous écouterons à l’occasion Madame Nawal Alhalah Harb de l’Université de Lille dans le cadre d’une communication intitulée « Représentations de l’exil dans les romans des nouveaux exilés ».

Le lien de connexion de la conférence :

Sophie Musitelli, Jean-Philippe Bareil, Hélène Cottet, Claire Hélie et Elad Lapidot
Heure: 28 mai 2024 04:30 PM Paris
https://univ-lille-fr.zoom.us/j/91781297473?pwd=WFc0UDRzUDFOYVI1T1RSeDIzTzZtdz09
ID de réunion: 917 8129 7473
Code secret: 246712

Ci-dessous, une bibliographie élaborée par Nawal Alhalah Harb en perspective de sa communication :

– Cohn, C. 2013, Women and wars, Polity press, Cambridge.

– Gourcy, C. D. Récits d’absence. Cross-Cultural Studies Review, 3(5-6), 101–113. https://doi.org/10.38003/CCSR.3.5-6.10

– Ḥussayn, H. 2018, Peut-être ne reste-t-il plus personne, Mamdouh Adwan édition, Damas. En arabe.

– Lejeune, Ph.1975, Le pacte autobiographique, éditions de Seuil, Paris. 

– Nouss, A. 2015, La condition de l’exiléPenser les migrations contemporaines, Maison des Sciences de l’Homme Paris.

– Said, E. 2008, Réflexions sur l’exil et autres essais, [Reflections on Exile and Other Essays, 2000], traduction de Charlotte Woillez, Actes Sud.

-Todorov, T. 1995, La vie commune, Seuil, Paris. 

-Yassin Ḥassan, R. 2022, À la recherche de la balle de laine, édition Elrayyes, Beyrouth. En arabe. 

Nous espérons vous y voir nombreux·ses.

Hélène Cottet, Claire Hélie et Sophie Musitelli, avec l’aide de Paola Jugon et Millie Mahieu, pour l’axe 1.

Jean-Philippe Bareil et Elad Lapidot pour l’aire « Méditerranée et Proche-Orient ».

27/03 – Thomas Meyer (Université de Munich) et Michael Weinman (Indiana University) – “Hannah Arendt in Paris (1933-1940)”

Nous avons eu le plaisir d’assister à une communication à deux voix de Thomas Meyer et Michael Weinman intitulée « Hannah Arendt in Paris (1933-1940) ». Thomas Meyer est professeur de philosophie à l’Université de Munich. Il travaille depuis octobre 2020 à une étude compilée en douze volumes de l’œuvre d’Hannah Arendt. Huit volumes ont déjà été publiés à ce jour. Son ouvrage le plus récent, Hannah Arendt. The Biography, a paru en Septembre 2023 (l’édition française chez Calmann-Levy est prévue pour 2025). Dans celui-ci, Thomas Meyer s’appuie sur des textes qu’il a redécouverts pour aborder un chapitre de la vie d’Hannah Arendt qui n’était encore que peu étudié, notamment sur les années qu’elle a passées à Paris.

Michael Weinman est professeur titulaire (senior lecturer) en sciences politiques et en études juives à Indiana University, Bloomington. Il travaille actuellement sur une monographie intitulée The Political Theology of Hannah Arendt, sous contrat avec Edinburgh University Press. Il est l’auteur de six livres dont le plus récent, Hannah Arendt and Politics, a été co-écrit avec Maria Robaszkiewicz.

Au cours de cette présentation, Thomas Meyer est revenu sur la biographie qu’il a récemment publiée et a insisté sur les interrelations entre la pensée et les actions d’Hannah Arendt lors de ses années d’exil à Paris, en particulier son engagement dans les organisations qui s’occupaient d’envoyer des enfants juifs en Palestine (Youth Aliyah).

Thomas Meyer a commencé sa présentation en justifiant la genèse de sa biographie par la volonté de ne pas simplement répéter les récits déjà écrits sur la vie d’Hannah Arendt : il s’est demandé s’il n’y avait pas plutôt un détail dans le travail d’Hannah Arendt qui pourrait servir de base à une nouvelle biographie. Il explique ensuite avoir redécouvert une phrase qui apparaissait dans la préface de Between Past and Future :

If one were to write the intellectual history of our century, not in the form of successive generations, where the historian must be literally true to the sequence of theories and attitudes, but in the form of the biography of a single person, aiming at no more than a metaphorical approximation to what actually happened in the minds of men, this person’s mind would stand revealed as having been forced to turn full circle not once but twice, first when he escaped from thought into action, and then again when action, or rather having acted, forced him back into thought.[1]

[1] Arendt, Hannah, Between Past and Future. Six Exercices in Political Thought, 1954, The Viking Press, New York, 1964, p.9.

En s’appuyant sur cette citation, Thomas Meyer a conclu qu’Hannah Arendt s’était également déplacée de la pensée à l’action dans la mesure où elle fut tout d’abord une élève d’Heidegger, puis fut engagée avec Youth Aliyah à Paris, avant de travailler en tant que journaliste puis éditrice de livres pour enfants à New-York à partir de 1941, pour enfin s’établir en tant que professeure, théoriste et philosophe.

Thomas Meyer explique l’engagement d’Hannah Arendt avec Youth Aliyah par son rejet de l’assimilation et de l’idée qu’une culture soit remplacée par une autre — elle pensait que le sionisme n’était possible qu’en théorie, pas en pratique.

Le travail d’Hannah Arendt au sein de cette organisation se présentait de façon très bureaucratique : il s’agissait principalement de vérifier les visas ainsi que de trouver des informations à propos des enfants et de leurs parents. A cette époque, les journaux comme Marianne publiaient des articles sur les ghettos formés par ces jeunes de 14 à 17 ans  qui n’avaient ni le droit de travailler, ni de rester à l’école passer le baccalauréat. Le travail d’Hannah Arendt consistait à rassembler ces jeunes et à les sortir des ghettos, à comprendre le fonctionnement de la bureaucratie française pour organiser ces voyages vers la Palestine (il était alors difficile de composer avec le régime britannique de mandats en Palestine).

Un autre aspect incontournable de son travail est l’internationalisation de cette entreprise. Dès 1935, Hannah Arendt s’intéresse aux conséquences qui retomberaient sur l’Europe de l’Est si le régime nazi en venait à provoquer une guerre, et elle s’attache à essayer de travailler avec la Pologne, la Tchécoslovaquie et l’Union Soviétique. Cet engagement fait débat au sein de Youth Aliyah : en majorité, l’organisation souhaitait limiter son action à l’Allemagne qui représentait le foyer du problème (le nazisme) pour ne pas s’impliquer dans la politique d’autres nations. Les collègues d’Hannah Arendt en Palestine étaient d’ailleurs opposés à son indépendance sur ces questions, tandis que d’autres n’étaient pas satisfaits de son idée de transformer Youth Aliyah en une organisation politique.

Entre 1934 et 1935 avec l’installation des Lois de Nuremberg, les correspondances de l’organisation indiquent une volonté d’accélérer leurs actions pour faire venir autant d’enfants que possible en Palestine, mais Thomas Meyer insiste sur le refus de constater le déclin de la démocratie. Hannah Arendt se distingua par une compréhension immédiate de la situation politique et commença à écrire entre 1936 et 1938 sur l’antisémitisme moderne allemand. Cet ouvrage ne témoigne plus de l’attitude d’une philosophe en ce qu’il est une histoire détaillée de l’antisémitisme moderne allemand expliqué par des catégories sociologiques, pour permettre de comprendre l’argumentaire du phénomène observé. Il y a dans son analyse de l’antisémitisme une inversion de la relation sujet/objet : les Juifs ne sont dans son ouvrage pas seulement des victimes, mais aussi des acteurs qui luttent contre l’idée de déterminisme.

Thomas Meyer établit par la suite un lien avec l’ouvrage de Michael Weinman et soulève l’intérêt de ce dernier pour l’attachement d’Hannah Arendt à l’action. Cela implique également pour lui de savoir si l’histoire de la philosophie offrait à Hannah Arendt la structure nécessaire pour comprendre le phénomène « d’action », si l’action est le phénomène qui fait le propre de l’homme. Cette idée est selon Thomas Meyer au centre des Origines du Totalitarisme — même si la division en trois volumes ne lui a pas permis de développer cette interrogation.

Thomas Meyer achève sa prise de parole en mentionnant qu’il s’intéressait également à la connaissance qu’avait Hannah Arendt des écrits d’Heidegger (qui lui avait d’ailleurs envoyé toutes ses publications depuis les années 1950).

A la suite de cette communication, Michael Weinman prend la parole pour souligner l’importance du travail de Thomas Meyer — « the Arendt biography we need » — puisqu’il s’intéresse aux années d’exil à Paris, une période peu abordée par la critique, et que les chercheurs qui étudient l’œuvre de Hannah Arendt pensent avoir entièrement cernée. L’engagement d’Hannah Arendt avec des organisations comme Youth Aliyah agit comme une injonction à être présent, un appel à réfléchir à nos actions et à ce qu’elles impliquent. Par la suite, il adresse trois questions à Thomas Meyer.

La première question concernait la cohésion de l’œuvre d’Hannah Arendt pour avoir s’il était possible d’inclure dans la discussion l’ensemble de ses idées, ce à quoi Thomas Meyer répond qu’à sa connaissance, Hannah Arendt n’était pas un auteur qui cherchait à connecter l’entièreté de sa pensée, de son œuvre pour former un ensemble cohérent (« not someone who oversees her own work and tries to connect to every single detail »).

La deuxième question visait à interroger le lien entre les années d’exil et ses écrits sur la Palestine. Thomas Meyer explique qu’Hannah Arendt avait toujours considéré que la cause des réfugiés était un problème central à son époque — la seule solution étant que le monde (« globalised world ») permette aux peuples israéliens, palestiniens et arabes de retourner sur leur terre d’origine s’ils le souhaitaient, et de faciliter cette entreprise (fonder une nouvelle nation, garantir une égalité de droits civiques). Jusqu’en 1939, Hannah Arendt pressentit que le problème palestinien serait la preuve que le concept de condition humaine ne fonctionne bien qu’à condition de considérer l’égalité entre les hommes.

La troisième question interrogeait la vision qui tend à considérer Hannah Arendt comme l’élève d’Heidegger, et Thomas Meyer y répond en justifiant son projet de biographie comme une lecture alternative de la vie et de l’œuvre d’Hannah Arendt, comme un travail s’appuyant sur des matériaux encore inconnus par la critique, qui mettent sur le devant de la scène des personnalités que les chercheurs n’ont pas encore exploitées, notamment des femmes. Sa biographie, explique-t-il, vise à créer un tableau plus large de la vie d’Hannah Arendt, pour faire réfléchir les lecteurs sur l’impact qu’a eu la pensée de cette dernière.

Compte-rendu écrit par Paola Jugon


12/03 – Clément Fradin (Université de Lille) – “Le contre-destroyer poétique : une lecture du poème Klopf de Paul Celan”

Nous avons eu le plaisir d’assister à la communication de Clément Fradin intitulée « Le contre-destroyer poétique : une lecture du poème Klopf de Paul Celan ». Clément Fradin est maître de conférences à l’Université de Lille où il enseigne la littérature allemande. Après avoir soutenu en 2018 une thèse sur le rapport entre la lecture et l’écriture chez Paul Celan, il travaille actuellement sur un projet d’édition commentée de traduction de Paul Celan à paraître en 2024 aux éditions Les Belles Lettres dans la collection de la Bibliothèque allemande.

Paul Celan, a commencé par nous expliquer Clément Fradin, n’est pas au premier abord un auteur à proprement parler « politique », ce qui a constitué un premier obstacle dans l’élaboration de cette communication pour l’axe « Poïétique et Politique de la Littérature ». De ce fait, M. Fradin s’est donné comme objectif d’entreprendre une lecture du poème « Klopf » de Paul Celan qui puisse montrer comment introduire des notions d’actualité, de politique, à travers le prisme d’une œuvre réputée difficile d’accès.

L’intervenant a alors exposé son cadre théorique en rattachant son approche à l’école de l’herméneutique développée par Jean Bollack, helléniste et commentateur de Paul Celan intimement lié à l’Université de Lille, jusqu’à la création de l’Ecole de Lille. La conduite de cette école vise à retrouver le texte en cultivant les relations qui peuvent exister avec d’autres textes (une irruption d’une œuvre novatrice dans un contexte culturel déjà établi). Au cours de sa présentation, Clément Fradin se pose également la question de sa réception à travers les lectures qui ont pu être faites de « Klopf » par d’autres critiques.

L’intervenant nous a exposé sa première ambition à travers sa communication : aborder l’engagement de la poésie de Paul Celan, qui est selon lui une question très peu présente dans les débats qui agitent les commentateurs. Plus qu’une question d’engagement personnel, ce sont plutôt les rapports que sa poésie entretient avec le cours de l’histoire et des événements dans lesquels le poète se trouvait qui seraient refoulés. Dans le cadre de son analyse, Clément Fradin s’attache à revendiquer la place qu’occupent le progrès et la connaissance, mais également à interroger la relation entre herméneutique et philologie — l’étude de l’interprétation des textes et l’étude d’une langue à partir des documents écrits. Avec ces contraintes en tête, Clément Fradin est revenu sur une partie de la discipline herméneutique et des lectures de l’œuvre, tout en envisageant des questions plus contemporaines entre politique et littérature.

La seconde ambition de Clément Fradin dans le cadre de sa présentation se place dans une perspective qui serait davantage pédagogique et méthodologique, dans la mesure où il considère que l’approche qu’il emploie (celle d’envisager la connaissance depuis la perspective de l’œuvre) est une tradition de lecture peu présente dans l’université française. En d’autres termes, il souhaite opérer un retournement critique de la méthode littéraire, saisir la subjectivité propre au texte en le considérant comme sujet de sa propre histoire.

Par la suite, Clément Fradin a insisté sur sa volonté d’écarter certains aspects liés à la question de l’hermétisme, c’est-à-dire, l’opinion selon laquelle certains textes ne seraient pas compréhensibles du tout : il a affirmé que la poésie suppose un écart qui peut être entendu sous le terme d’ésotérisme, mais qu’il est possible de s’initier à cet ésotérisme, car il relève d’une part de rationalité.

Paul Celan est un poète français de langue allemande né le 23 novembre 1920 à Cernăuți (en Roumanie à l’époque, à présent en Ukraine). Il arrive à Paris le 13 juillet 1948 après avoir fui le stalinisme et y restera jusqu’à sa mort en 1970. Il devint vite célèbre en Allemagne et ce, dès la publication de son premier recueil. Son succès grandit mais rencontra deux obstacles : tout d’abord, les accusations de Claire Goll (veuve du poète expressionniste Yvan Goll décédé en 1953) qui affirme que Celan a plagié les poèmes de son mari — accusations qui ont été réfutées depuis, nous explique Clément Fradin. Le second obstacle qui s’opposa à Celan fut la tendance des critiques allemands à euphémiser des textes qui transcendent les courants existants, à ne pas prendre au sérieux les textes de Celan et à les renvoyer à une tradition surréaliste (lorsqu’il ne s’agissait pas d’un renvoi à ses origines juives).

Clément Fradin s’est penché sur les acquis des travaux dans la recherche celanienne : il existe un consensus qui affirme que l’œuvre de Celan se développe de poème en poème, qu’elle poursuit un but mémoriel et forme un ensemble cohérent. Ce projet produit une coupure radicale entre la langue commune et la langue du poème, une coupure qui se justifie par la césure historique radicale que représente la Shoah — depuis lors, il n’est pas envisageable de revenir à des usages naïfs de la langue. Si le rejet du biographique amené par le post-structuralisme est largement dépassé, son opposé pose également problème, et l’intervenant affirme que la recherche celanienne est peut-être trop biographique. Le point nodal de cette étude se trouve dans l’ambivalence d’une poésie formée accomplie (« Klopf » date de 1957) qui se comprend comme un idiome distinct mais se confronte néanmoins à l’actualité politique. Il s’agirait donc d’une étude qui alterne entre ce qui est fermé (la poésie) et ce qui est ouvert (la politique). Selon Clément Fradin, la clé du rapport entre poésie et politique se logerait dans l’auto-référentialité qui permet au poème de situer l’extériorité pour ce qu’elle est — car pour situer, il faut être situé. Et situer l’extériorité pour ce qu’elle est, cela impliquerait de pouvoir la cueillir, la corriger, et la mettre en exergue.

Le poème « Klopf » est reproduit et traduit ci-dessous :

« KLOPF die

Lichtkeile weg:

das schwimmende Wort

hat der Dämmer. »

« FAIS SAUTER

les cales de lumière:

la parole flottante

est au crépuscule. »

traduction : Bertrand Badiou et Jean-Claude Rambach[1]

Clément Fradin a commencé par souligner la virtuosité du premier distique par le biais de l’impératif qui forme presque un dialogue à soi laissant deviner du sarcasme, de l’ironie, ou peut-être même du doute. Les lectures structuralistes de ce poème ont souligné que Celan jouait thématiquement autour de la lumière, comme c’est observable dans d’autres de ses poèmes. Par ailleurs, le statut de la parole poétique (à travers l’emploi de « Wort ») a suscité de nombreuses interrogations : finalement, le poème invite à trancher et à attribuer des valeurs aux mots entre lumière et obscurité. L’intervenant a par la suite souligné qu’aucune lecture n’avait pour l’instant pensé à ajouter des significations extérieures à ce poème, et il a interrogé un potentiel refus herméneutique de principe.

« Klopf » s’appuie sur un article de l’hebdomadaire Der Spiegel qui relate le baptême d’un des premiers destroyers (ou « contre-torpilleur », il s’agit d’un navire de guerre) que la RFA venait d’acheter aux USA. A travers son nom (Lütjens, nommé après l’amiral Günther Lütjens qui commanda le Bismarck lors de l’opération Rheinübung de la seconde guerre mondiale), Paul Celan voit une continuité entre le Reich et la RFA : c’est le récit de ce baptême qui indigne Celan. Le premier distique reprend l’article du Spiegel, avec la mention des ouvriers faisant sauter les cales tandis que l’orchestre joue la marche « Anchors away ». L’intervenant explique par la suite que le lecteur était forcé à une lecture politique de ce poème dès lors que le contexte de la citation était connu. Cette référence n’avait vraisemblablement pas pu échapper à Paul Celan qui était un lecteur du Spiegel.

Clément Fradin s’appuie ensuite sur les carnets de l’auteur et met en lumière un jeu de substitution qui vise tantôt à libérer le « je », tantôt à le transformer en donneur d’ordres. « Lichtkeile » devient un hapax (un composé non lexicalisé) qui vient faire travailler l’idée de freinage dans le poème. Dès la version publiée, les cales seront du genre lumineux, car il s’agit là de la matrice du poème : dans l’idiome, la lumière freine. L’attention particulière portée au rythme se retrouve également à travers la décision de séparer « klopf » de « weg » qui ouvrent et ferment respectivement le distique — de la même manière, la versification brise le lien entre « Lichtkeile » et son article. Finalement, en opposition avec les versions précédentes établies au brouillon, c’est l’obscurité qui possède la parole ; le crépuscule (« der Dämmer ») devient le maître de la parole. La parole flottante est liée à la mise à l’eau d’un navire ouest allemand nommé après un amiral de la marine nazie. Le Bismarck est devenu une cible flottante, et le lecteur pourrait imaginer que cela éclaire le sens du syntagme « das schwimmende Wort ». Les paroles flottantes, explique Clément Fradin, pourraient également être interprétées comme les paroles mouvantes et trompeuses dites par les officiels.

Le lien entre lumière, principe poétique et flottement met en valeur une inversion des polarités du poème : si on estime que la logique de l’œuvre est une dénonciation de la parole nazie, elle ne peut pas exprimer la lumière. Le premier distique dégagerait l’écriture lumineuse, il freine la particule « weg » et indique la direction juste avec le deux-points qui possède une charge sémantique propre : il peut soit être l’annonce d’une conséquence d’un geste initiale — ainsi, il serait une forme d’embrayeur logique —, mais il peut également être désabusé, comme si le deux-points était une forme de déictique muet.

En renversant la référence à l’obscurité et à la lumière, Celan prend le principe d’un éclairage par l’obscurité, une écriture personnelle et de l’actualité allemande. La parole poétique ne perd pas sa consistance, mais indique une résistance. A travers le verbe « schwimmen », le poète transmet également l’idée selon laquelle sa parole serait insubmersible. Le crépuscule qui habite la parole poétique est un clair-obscur, un « Dammerlicht », une fausse obscurité.

Finalement, Clément Fradin présente trois contextes à analyser : la référence au Spiegel, la teneur que représente l’article (sa dimension politique) et l’état psychologique de Celan. Ces trois plans ne se superposent pas, mais ils s’éclairent. Bien qu’il soit possible de comprendre la référence à un chantier naval en se reposant uniquement sur le poème, il n’est pas possible de comprendre la référence au destroyer Lütjens en particulier. Le poème celanien n’est pas qu’un retour permanent à soi, car tant que la parole est sur la cale de lancement, elle se trouve dans une clarté qu’il contient d’écarter, elle passe au régime d’obscurité qui est positif, mais selon un emploi spécifique des catégories méta-poétiques. Lire, nous explique Clément Fradin, ce n’est pas oublier d’où vient cette poétique. Ce poème s’écarte en vigilance permanente, pour permettre de voir dans le présent la charge du passé. « FAIS SAUTER » serait un rappel à l’ordre du poète à lui-même, dans un dialogue intérieur.


[1] Paul Celan, Contrainte de Lumière, traduction de Bertrand Badiou et Jean-Claude Rambach, Belin, 1989.

Compte-rendu écrit par Paola Jugon