30/03/2023 Maxime Decout (Université de la Sorbonne) “Politique de de la judéité” animée par Nurit Levy (Université de Lille)

nous avons le plaisir de vous inviter à la prochaine séance du séminaire “Politique de la littérature” (CECILLE, axe 1) qui aura lieu jeudi 30 mars de 16h30 à 18h30 en visioconférence.

Nous avons le plaisir de recevoir Maxime Decout, pour une communication intitulée “Politique de la judéité” animée par Nurit Levy de l’Université de Lille.

Maxime Decout est professeur à l’université de la Sorbonne et membre junior de l’IUF. Il travaille notamment sur les relations entre judéité et littérature, auxquelles il a consacré deux essais : Albert Cohen : les fictions de la judéité(Classiques-Garnier, 2011) et Écrire la judéité (Champ Vallon, 2015). Il a participé à la publication des œuvres de Perec dans la Bibliothèque de la Pléiade (2017), a rédigé l’Album Romain Gary dans la même collection (2019) et a publié, aux Éditions de Minuit, quatre essais qui interrogent les relations entre authenticité, mensonge, écriture et lecture : En toute mauvaise foi (2015), Qui a peur de l’imitation ? (2017),Pouvoirs de l’imposture (2018) et Éloge du mauvais lecteur (2021).

Au plaisir de vous retrouver à cette occasion !

Participer à la réunion Zoom :
https://univ-lille-fr.zoom.us/j/99637222634?pwd=azk2T05ZZi8xOTdzVkp6dEV6L2kzZz09

02/03/2023 Mélanie Joseph-Vilain (Université de Bourgogne): “Fonctions de la dystopie en contexte postcolonial” (axe Politique de la littérature, séance coordonnée par Cédric Courtois de l’Université de Lille)

Lors de la séance du 2 mars 2023, le séminaire d’axe « Politique de la Littérature » accueille Mélanie-Joseph Vilain pour une présentation qui porte sur la fonction de la dystopie en contexte postcolonial. Exerçant à l’Université de Bourgogne, Mélanie-Joseph Vilain travaille sur la littérature gothique, policière, spéculative et les réécritures dystopiques de littérature postcoloniale entre autres.

Son intervention s’appuie sur des questions formelles pour en arriver à la conclusion que les genres mentionnés ci-avant sont composés d’une composante politique et engagée.

En s’appuyant sur L’idée de la littérature. L’art pour l’art aux écritures d’inventions. (2021) écrit par Alexandre Gefen, elle montre que le genre dystopique appartient aux genres escapistes de la littérature. Selon Alexandre Gefen et Anne Besson (et notamment son ouvrage Les Pouvoirs de l’Enchantement, Usage politique de la fantasy et de la science-fiction. (2021)), ces littératures sont plus politiques que l’on pourrait l’imaginer. Ils parlent de « repolitisation », un phénomène que l’on retrouve notamment dans la cli-fi. La raison pour laquelle Mélanie-Joseph Vilain nous parle de la dystopie est qu’il s’agissait autrefois d’un genre en marge devenu de nos jours une forme culturelle très développée, à tel point que l’on pourrait s’interroger sur l’éventualité qu’il s’agisse d’un lieu commun. Selon Tom Moylan et Raffaella Baccolini dans Dark Horizons : Science-fiction and the dystopian imagination (2003), on parle de nos jours de « dystopian turn » (« tournant dystopique »). 

Mais la littérature dystopique ne serait-elle pas une « contre-littérature » ? Mélanie-Joseph Vilain s’appuie sur l’ouvrage de Bernard Mouralis Les contre-littératures (1975) pour soulever cette question. Le terme de contre-littérature se définit comme « tout texte qui n’est pas perçu et transmis – à un moment donné – de l’histoire comme de la « littérature » », la science-fiction tout comme la bande dessinée ou les romans policiers par exemple, se sont auparavant retrouvés dans cette catégorie. Etant donné que la dystopie appartient à un genre dominant, son statut de contre-littérature est remis en question.

Mélanie-Joseph Vilain se demande ensuite si la littérature dystopique est prospective. A la lecture d’une œuvre dystopique, l’impression de se retrouver face à un univers diégétique futuriste envahit le lecteur, toutefois elle se rapporte à notre monde contemporain. François Hartog nomme ce phénomène « présentisme ». C’est par le biais de l’ailleurs que la distanciation s’opère.

Mélanie-Joseph reprend le titre de l’essai de Margaret Atwood In Other Worlds : SF and the Human Imagination (2011) pour interroger la distanciation évoquée précédemment. La dystopie nous tend un miroir déformant. Et ce miroir est en partie la raison qui explique le succès des sagas Young Adult telles que Divergent selon Laurent Bazin dans La Dystopie (2019). Il parle d’un « miroir commode où mettre en scène ses clivages, projeter ses questionnements, vivre ses espoirs et ses craintes par transfert ou procuration. ». La dystopie n’est donc pas un genre escapiste mais engagé.

Mélanie-Joseph Vilain conclut sa présentation en insistant sur le fait que la littérature ne doit pas seulement être de la politique et de la dénonciation. Les auteurs racontent la fin du monde afin qu’elle n’arrive pas.

02/02/2023 Laurent Châtel “Writing the ‘picturesque’: the politics of lanscape in 18th and 19th Century British discourses.”

Laurent Châtel is a professor of cultural history and history of landscapes and gardens in the University of Lille. He has contributed to the collective work Jardins en Images, strategies de representation au fil des siècles directed by Jacques Berchtold and Michael Jakob published in January 2021. In this work, which focuses on gardens hermeneutics, Laurent Châtel focuses on « la question du visuel dans les jardins en Angleterre au XVIII°  et XIX° siècles »

During this session, Laurent Châtel questions the politics of landscapes as an unequal distribution of the sensible.

Laurent Châtel comments on Rancière’s Le partage du sensible (2000) and Le temps du paysage (2020) to showcase partition in landscapes. To introduce his contribution, a return to the roots of the word “landscape” seems important. “Landscape” comes from the Dutch “lantskaap”, a word that appeared in 1462, which means “the act of seeing”. Therefore, it constitutes the division of something private.

Not only is landscape an experience of “le partage du sensible”, but it is objectified too. In fact, it is made to be single, solitary, it is a unique place to enjoy solitude. Landscapes are considered private places because in British Culture creating a garden is connected to the idea of property.

Then, Laurent Châtel dwells on enclosed landscapes in terms of social science and economics. Enclosures are essential in the consideration of landscapes as possessions. Quoting Oliver Goldsmith, Laurent Châtel explains how landscapes became “deserted village” due to enclosures, which created more productivity and capitalism. Therefore, the poor people could not access what used to be common.

The option found by the British to get rid of fences in gardens was the ha ha. The ha ha, also called in French “le saut du loup”, is a design element, which creates a vertical barrier while preserving an uninterrupted view of the landscape beyond from the other side. It unites the garden and the countryside. Getting rid of fences by using the ha ha is the first opening out according to Laurent Châtel. It is a sort of frontier where there is a pleasure of viewing.

Therefore, the ha ha is an invisible limit, it is the first instance of “le partage du sensible” in landscapes.

This revolution is called the science of landscape, it is the union of poetry, gardening, and painting. It is the creation of a new discourse of the sensible.

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08/12/2022 Jeanne Schaaf   «Théâtre et multilinguisme: enjeux de traduction dans deux pièces contemporaines écossaises,  Ciara de David Harrower (2013) et What Shadows de Chris Hannan (2016) »

Jeanne Schaaf est PRAG a l’INSPE Paris et docteure à la Sorbonne Paris en théâtre britannique contemporain. Elle a notamment travaillé sur le théâtre écossais de l’époque post-coloniale lors de sa thèse.

La présente séance se concentre sur l’analyse de sa traduction, en association avec Elizabeth Angel-Perrez, de deux pièces écossaises contemporaines, Ciara de David Harrower (2013) et What Shadows de Chris Hannan (2016). Elle tend à ne pas se décrire comme spécialiste de la traduction ni du multilinguisme, et précise que son sujet est encore dans son stade de perfectionnement.

Elle découpe son intervention en cinq parties distinctes: le multilinguisme, la traduction, la genèse du projet, la présentation des deux pièces, et des études de cas.

Ses premières réflexions se tournent vers une redéfinition du terme de multilinguisme en Ecosse, en mentionnant l’article lumineux de Jean Berton “La relation linguiste en Ecosse: multilinguisme et scotticité”, Erea [en ligne] mis en ligne le 12 juin 2022, article sur lequel elle s’appuie pour ces redéfinitions. Pour aller plus loin dans la définition de la langue écossaise, elle mentionne le site L’ecossais, Scots Language Centre, afin de séparer les trois langues parlées en Ecosse, qui sont l’anglais, l’écossais et le gaelic. Travailler sur une traduction vernaculaire, explique-t-elle, c’est aussi penser aux enjeux des langues post-coloniales dans un contexte extra-national; comment une langue est-elle influencée de l’extérieur?

Dans ces pièces, certains dialectes peuvent même se superposer, ce qui laisse une grande place pour l’interprétation du traducteur/lecteur/spectateur. Jeanne Schaaf parle aussi du terme “tradaptation”, mot-valise qui laisse tout à fait entendre la liberté de traduction des stratégies employées par l’auteur. Est mis alors en jeu la responsabilité du traducteur, qui par une prise de position dans la traduction, a un impacte sur la réception.

Ce projet de traduction avec les deux chercheuses a démarré lorsque les éditions L’Arche ont proposé à Mme Angel-Perrez de traduire les deux pièces de Harrower et Hannan. Riche d’être dans le corpus de thèse de Jeanne Schaaf, elle propose une traduction en collaboration avec cette dernière. Ce fut la génèse du projet théâtral contemporain écossais.

Ciara est la dernière oeuvre de Harrower, et s’intéresse à l’écriture de la ville et propose une réappropriation d’un lieu typique du théâtre des années 1970, la ville de Glasgow. Elle se compose d’un monologue, écrit pour une actrice seule, qui peint le portrait d’une femme, Ciara, et d’une ville, Glasgow. Il y a donc de nombreuses topographies qui peuvent être inconnues à des lecteurs/spectateurs non-écossais. Au-delà des références topographiques et culturelles très spécifiques, l’écossais intervient directement dans le discours rapporté qu’elle fait des hommes qui l’entourent, elle utilise donc un sociolecte, dialecte, diacrolecte (dialecte utilisé par des générations antérieures) difficiles à traduire. On voit une superposition de ce qui relève d’une langue et de ce qui relève de l’oralité, il faut donc trouver le juste milieu entre traduire une langue et traduire un registre.

What Shadows a été écrite dans le contexte du brexit en 2016, et d’ancuns peuvent y percevoir une forte résonnance politique. Dans cette pièce, certains personnages secondaires viennent de l’immigration pakistanaise, et d’autres sont des descendants d’immigrés carribéens, et les scènes de dialogue font entendre des scènes créolisées de l’anglais. On y perçoit aussi une rhétorique guerrière dans la hierarchisation des langues dans le contexte britannique.

Pour conclure, les limites entre dialecte, sociolecte et vernaculaire se recoupent parfois, et le sujet d’étude ici était d’analyser comment ce recoupage peut être rendu compréhensible pour un public qui ne serait pas la cible initiale. Nous disposons parfois d’une palette limitée pour rendre compte des subtilités d’un texte. Les deux pièces nous donne à entendre un passé colonial, et en l’enlevant de la traduction, on aurait la responsabilité de faire disparaître la référence coloniale qui fait pourtant partie intégrante de l’oeuvre. Il ne faudrait pas que la traduction devienne hégémonique ou assimilatrice, et qu’elle vienne gommer des enjeux centraux dans le texte de départ.

Résumé par Valentine Rousseau.

10/11 « Cookie: a Queer Family » Julien Ribeiro & Hélène Quanquin

Le 10 novembre 2022, nous vous invitions à venir écouter Julien Ribeiro (http://julienribeiro.fr/), anthropologue de formation, artiste et chercheur faisant maintenant partie du projet Airlab, le lien vers son site est le suivant: https://culture.univ-lille.fr/agenda/residences-airlab-2022-2023/artistes/julien-ribeiro/ . Depuis septembre 2022, il est l’artiste associé à l’université de Lille dans le cadre de ce projet, et ce séminaire participe à la recherche autour de Cookie Mueller, des temporalités queer et de la traduction collaborative. Ce séminaire avait pour but de lier les parcours entre eux, notamment avec la collaboration de l’axe “Les Amériques” et l’axe “Politique de la littérature” du laboratoire CECILLE avec le master de traduction MELEXTRA et le master Arts.

Le texte de Cookie Mueller mis en lumière ici était How to get Rid of Pimples (1984). On y trouve un aspect punk, à mi-chemin entre le conte de fées et le recueil de magie, un écrit somme toute étrange et intriguant, contant la manière dont on peut se débarrasser de l’acné. Les questionnements autour de l’identité y sont extrêmement présents, avec une réflexion sur l’effacement et la célébrité. Quelques années avant la publication de l’écrit, Mueller s’est occupée de la rubrique santé d’un magasine américain, et elle répondait à des questions sur la drogue notamment, mais aussi sur le VIH, à un moment où la science n’avait aucune réponse. Ses dernières années témoignent d’une volonté de mettre ses écrits et publications en lumière, principalement par le biais de republications et de projets autour de sa littérature.

17 étudiants du parcours MELEXTRA se sont plongés dans la traduction du livre de Mueller, et ils témoignent de la difficulté de la traduction des sous-entendus, qui ne sont pas nécessairement les mêmes d’une langue à l’autre. Corinne Oster, qui encadre les travaux des étudiants du master, énonce alors qu’on ne lit jamais aussi bien un texte que quand on commence à le traduire, car on comprend alors les figures de style. Suite à leur traduction collaborative, les étudiants parlent aussi d’épiphanies traductologiques: ils ont trouvé dans le texte de nombreux sous-entendus sexuels qu’on peut ne pas repérer dès la première lecture, que l’on ne repère pas forcément dans “CASE 1″. Mais c’est par la traduction et la réflexion sur la langue et son usage que les sous-entendus sont apparus.

C’est grâce à ce genre de collaboration entre les différents parcours qu’Airlab a été mis en place. Les enseignants.es-chercheurs.euses s’intéressent notamment ici aux pratiques pédagogiques et à la réflexion autour de l’inter-disciplinarité de l’enseignement à l’université, entre création et recherche.

Claire Hélie décrit entre autres la nature exploratoire du projet, et la nécessité d’utiliser des chemins de traverse afin de ne pas se retrouver sur un parcours qui serait trop bien défini. Avec ses élèves en master arts, la professeure tente d’intégrer la pédagogie radicale , car elle serait un bon moyen augmenter la zone de liberté en leur donnant la possibilité de choisir eux-mêmes leur sujet d’étude. Les étudiants seraient non seulement acteurs de leur apprentissage, mais aussi producteurs.

Hélène Cottet a, quant à elle, profité de la présence de Julien Ribeiro au sein de l’université pour travailler sur Cookie Mueller avec un groupe de L2, leur donnant alors les clés pour suivre les avancements du projet Airlab. Par la mise en place de son cours sur New York, Mme Cottet et ses élèves ont fait un travail sur les images, leur donnant un sens artistique par le biais de mise en commun de documents avec Julien Ribeiro notamment.

Ce projet a aussi particulièrement intéressé Hélène Quanquin, qui a pu alors échangé sur les pratiques pédagogiques à l’université. Par cette réelle interdisciplinarité entre création artistique et le recherche académique, elle réussit à mettre en place de nouvelles méthodes de notation, comme le  « ungrading », qui repose essentiellement sur la réelle écoute de l’étudiant et de sa participation active, tant pendant que après le cours. Cette interdisciplinarité, que permet le projet Airlab, ouvre aussi les séminaires aux visiteurs comme Julien Ribeiro, qui participent alors activement à la vie étudiante.

Vous trouverez la captation audio de ce séminaire en suivant ce lien: https://drive.google.com/file/d/1uqDy6QpLr9U5bfPD3eQPUumz9jSJXMiK/view?usp=sharing

Au plaisir de vous voir lors du prochain séminaire, Valentine Rousseau.

13/10/2022 Rodrigo Andrés  « On Reading Literature, On Reading American Houses »

Rodrigo Andrés is a senior lecturer at the University of Barcelona (Universitat de Barcelona) and the principal investigator of the research project: “(Un)Housing: Dwellings, Materiality, and the Self in American Literature” (see: https://www.ub.edu/adhuc/en/research-projects/unhousing-dwellings-materiality-and-self-american-literature), which follows from the project “Troubling Houses” (2016-2018) and gathers an international team of 16 scholars.

 It aimed at knowing how American literature presents troubled and troubling houses. Rodrigo Andrés attaches importance to the fact that a domestic space is not necessarily a house. Having worked on Melville’s Moby Dick, Rodrigo portrays the whaleboat as a house. He invites the audience to consider convents, prisons, mental health institutions, or the street as habitations, as domestic or undomestic spaces.

During the seminar, where he endeavoured to present the trends explored by the scholars in these collective projects, Rodrigo Andrés reflected on the relationship between history and narrative with houses, how houses bring memories to the characters inhabiting those spaces, and how dwellings can become characters, like the haunted houses in Gothic Literature. It is noteworthy to see how we invest in those places. Rodrigo Andrés underlines the possibility for us to be troubled by other habitations we used to reside in and our attempt to replicate them. Andrés linked the “trouble” with houses in American literature to the foundational importance of private property and ownership in U.S. culture where owning a house is associated with the American Dream itself. Andrés called attention to the ways Black Americans were excluded from this dream, Black access to private property is extremely problematic. For African Americans, the house was the plantation, it was a nightmare. The African American reality, which we connect with the ghetto, with renting, jail and the prison industry, is haunting American literature.

Rodrigo Andrés also mentioned the work to be done on Queer housing. He wonders where the house starts and finishes, and how dwellings can be places of exclusion. 

Finally, questioning ‘unhousing’ is a part of Rodrigo Andrés’ thought. Based on Burning Down the House: Home in African American Literature, written by Valerie Sweeney Prince, Rodrigo Andres reflects upon the necessity of getting rid of the house. This “house” can be understood as America and Andrés studies how fiction makes it unliveable. Transcending housing does not rest only upon the denial of the house but eventually on the possibility of joining the community. Finally, questioning the self in housing is even more essential nowadays, especially during the COVID pandemic, when almost everyone turned their homes into their offices. Bringing work at home has become a fixture.

22/08/2022 Mina Gorji, de l’Université de Cambridge, “Poetry and Resilience: Climate, Migration, Adaptation”

Ce séminaire se tiendra à 16h30 en salle B0.610. Séminaire hybride, le lien zoom sera le suivant:

https://univ-lille-fr.zoom.us/j/95766146867?pwd=aVVwRzJVVmZUdDFpTGNZZTBnbmRQdz09

ID de réunion : 957 6614 6867 ET Code secret : 404568

Programme 2022-2023 des séminaires CECILLE “Politique de la Littérature”

Voici le programme des séminaires proposés par le laboratoire CECILLE pour l’année 2022-2023:

Toutes les séances auront lieu sur site et/ou sur zoom, et les informations seront données sur le carnet.

22 septembre : Mina Gorji, de l’Université de Cambridge, “Poetry and Resilience: Climate, Migration, Adaptation”

13 octobre : Rodrigo Andrés, de l’Université Barcelone, “On reading literature, on reading American houses”. Séance commune avec le séminaire de l’aire “Les Amériques”, salle B5.321

10 novembre : Séance commune avec les séminaires “Les Amériques” et “Traduction et Médiation” avec Julien Ribeiro (http://julienribeiro.fr/) autour du projet Airlab “Cookie: A Queer Family”, salle B5.321.

8 décembre : Jeanne Schaaf, de l’INSPÉ de Paris – Sorbonne Université, et  en collaboration avec le séminaire de l’axe “Traduction et Médiation” et le projet “Multilingualism in Translation” “Théâtre et multinlinguisme : enjeux de traduction dans deux pièces contemporaines écossaises, Ciara de David Harrower  (2013) et What Shadows de Chris Hannan (2016)”

2 février : Laurent Châtel, de l’Université de Lille, “Writing the ‘picturesque’:  the politics of landscape in 18th and 19th C British discourses”

2 mars : Mélanie Joseph-Vilain, de l’Université de Bourgogne, “Fonctions de la dystopie en contexte postcolonial”, séance coordonnée par Cédric Courtois, de l’Université de Lille

30 mars : Maxime Decout, de Sorbonne Université, par visioconférence : « Politique de la judéité », séance co-organisée avec Nurit Levy, de l’Université de Lille

20 avril : table ronde par visioconférence à 17h30 : “Talmud: littérature, loi, politique de diaspora”  avec Daniel Boyarin (Université de Californie) et Sergey Dolgopolski (Université de Buffalo), séance coordonnée par Elad Lapidot, de l’Université de Lille

4 mai : Mylène Lacroix, de l’Université de Lille, “Ecocritical readings of King Lear

Co-organisés par Hélène Cottet, Claire Hélie et Sophie Musitelli en collaboration avec Cédric Courtois, Elad Lapidot et Nurit Lévy, et avec l’aide de Valentine Rousseau et de Louise Rose.

07/04/22 – Xavier Kalck : « Ni symbole ni récit : la poésie américaine au prisme de ses apories »

Xavier Kalck est professeur de littérature américaine à l’université de Lille et il est l’auteur de plusieurs articles et ouvrages sur la poésie américaine et britannique, notamment Georges Oppen’s Poetics of the Commonplace (2017), La poésie américaine entre chant et parole : l’héritage objectiviste (2020) et Pluralism, Poetry and Literacy : A Test of Reading and Interpretive Techniques (2021). Pendant la séance, il a présenté le recueil « One Island » (1975) de Robert Lax, révélant les difficultés à placer cette œuvre au sein de l’histoire littéraire de la poésie américaine. 

Robert Lax (1915-2000) est originaire de l’ouest de l’état de New York : il a fait ses études à l’université de Columbia et a travaillé pour le journal du New Yorker avant de fonder son propre magazine PAX dans lequel il a notamment publié les travaux de Thomas Merton sur le dialogue interreligieux entre le catholicisme et le bouddhisme aux États-Unis. Il a publié plusieurs recueils de poèmes dont The Circus of the Sun (1959), initialement le projet d’un ouvrage pour lequel il accompagnait un cirque itinérant entre les États-Unis et le Canada afin de constituer un reportage. Il a ensuite voyagé en Europe avant de s’installer définitivement sur l’île de Patmos dans les années 1960, le lieu où il a écrit la majorité de ses œuvres. Il est difficile de classer son travail poétique, situé au croisement d’un grand nombre de courants littéraires et écoles de pensées de l’histoire littéraire américaine. Deux influences majeures se démarquent dans ce recueil : la poésie concrète et le mouvement « Projectiviste ». La poésie concrète accentue la valeur visuelle du mot et met en avant la pratique de l’art abstrait intéressée par le mysticisme. Le projectivisme est un mouvement littéraire des années 1950 mené principalement par le poète américain Charles Olson (1910-1970) travaillant la notion de souffle en poésie. Ainsi, la disposition du texte sur la page évoque la vocalisation du texte et les blancs participent à la composition musicale du texte. Une première aporie se dessine dans la superposition de ces deux influences : alors que la poésie concrète apparaît comme la poésie de « l’anti-voix », la poésie projectiviste réfléchit sur la relation entre la voix et le texte poétique. 

Par ailleurs, Xavier Kalck a proposé une réflexion sur l’usage de la méthodologie littéraire et l’analyse de la prosodie dans l’œuvre « One Island » en se posant les questions suivantes : comment trouver la cadence du texte ? Comment relier le découpage intonatif prosodique au découpage conceptuel et critique du texte et comment justifier ces découpages ? Les critiques littéraires ont révélé une forme d’impatience dans la difficulté à rattacher ce texte à un courant. Le professeur a exposé le cheminement difficile des critiques tentant de classer l’œuvre de Robert Lax en s’appuyant sur deux concepts littéraires : le récit et le symbole.

Le spécialiste a d’abord abordé le récit dans le poème à travers le propos de F. O. Mathiessen sur la centralité du récit de la renaissance[1]. Le spécialiste souligne l’espoir d’une génération d’écrivains américains (tels que Emerson et Whitman) de proposer une littérature qui s’empare du possible offert par la révolution démocratique. Néanmoins, une ambiguïté émerge entre la volonté de faire fructifier l’effusion révolutionnaire et la difficulté d’affronter l’infini des possibles ouvert par cette révolution. Ce discours sur le récit fait écho au discours de l’avant-garde qui invite à se réinventer face à quelque chose d’autre. Hugh Kenner souligne ce parallèle dans le passage suivant : 

American literature is tricky for the critic. […] Along with their work, its writers invent the criteria by which we must understand them. That is why so much critical writing, some of it good, has been generated around American literature, as though evoked by the novels and poems themselves.[2]

Au début de son ouvrage, Robert Lax fait l’aveu d’adopter la réinvention comme position centrale. La nouveauté apparaît comme un refrain – une caractéristique de la poésie moderniste et qu’on retrouve par exemple chez le poète moderniste Ezra Pound. Néanmoins, le modernisme invite à une réinvention à partir du contexte de la création littéraire alors que dans « One Island », le contexte semble étouffer le texte. Xavier Kalck a proposé de considérer comment le texte témoigne de son contexte sans en faire un facteur important dans son interprétation. Le travail sur la notion de récit en lien avec le contexte révèle donc une autre aporie pour la critique littéraire. 

Xavier Kalck s’est ensuite appuyé sur le courant du New Criticism pour approcher la notion du symbole. Cette école de critique littéraire né aux États-Unis propose d’interpréter la structure des poèmes à travers des méthodes d’analyse formelles et rejette les éléments historiques et biographiques pour l’étude d’un texte littéraire. La New Criticism envisage alors le symbole comme un élément que le contexte viendrait paraphraser : Cleanth Brooks[3] explique ainsi que le symbole menace une forme d’intégrité formelle du poème qui peut faire « violence » au texte, au risque de littéralisation trompeuse. Dans ‘The Metaphysical Poets’, T. S. Eliot révèle une vision du poète qui doit toujours réinventer le langage : 

We can only say that it appears likely that poets in our civilization, as it exists at present, must be difficult. Out civilization comprehends great variety and complexity, and this variety and complexity, playing upon a refined sensibility, must produce various and complex results. The poet must become more and more comprehensive, more allusive, more indirect, in order to force, to dislocate, if necessary, language into his meaning.[4]

Xavier Kalck a néanmoins remarqué un rapprochement entre la définition du symbole et celle du contexte, entrainant alors une nouvelle aporie dans la lecture du recueil « One Island ». Il a suggéré que les deux concepts révèlent la même obsession pour la potentialité et l’injonction à la réactualisation. 

Dans la dernière partie de sa présentation, il a proposé de voir comment ces apories apparaissent dans son analyse du recueil. Ce dernier est organisé en deux sections de dix et neuf pages non titrées. Les dix-neuf pages offrent une trentaine de mots qui sont disposés dans des colonnes verticales. La nature allégorique du texte peut être envisagé comme une invitation à voir « une forme de mise à nue du sujet au regard du spectacle de la création »[5] : ainsi, les éléments présentés (couleurs et matières) semblent primordiaux. Le recueil semble manifester un exercice méditatif qui questionne l’évidence du texte. Si l’on choisit une lecture contextuelle du texte à l’aube de la poésie concrète (prenant en compte la qualité graphique de l’objet visuel et son ambivalence de l’objet linguistique privé de voix) on revient vers une lecture projectiviste car l’usage de la répétition mène à l’idée du souffle vocalisant une énumération. Finalement, il semble impossible de se satisfaire d’une seule lecture du côté du récit ou du côté du symbole. Finalement, Xavier Kalck invite à revenir sur la centralité du rôle du lecteur et l’étude de la réception pour approcher le recueil à partir du concept de « literacy » : il a conclu en proposant de déplacer la question de la quête du sens du texte à celle de son usage. 

Lors de la discussion, Xavier Kalck a expliqué pourquoi le texte de Robert Lax était peu étudié : il a d’abord évoqué les raisons institutionnelles (difficile à classer) puis il a suggéré l’aspect mystique comme encombrant pour la poésie concrète. Il a également précisé qu’un journaliste avait enregistré le poète lire son œuvre, proposant une lecture sur un rythme lent. Une professeure a demandé d’expliquer la piste d’une analyse du texte en relation avec les « literacy studies ». Il a répondu que ce champ d’étude s’intéresse à la sociologie de la lecture et aux compétences du lecteur pour proposer un examen de l’expérience de la lecture en dehors du traitement de la figure du lecteur dans les études littéraires. 


[1] F. O. Mathiessen, Preface to American Renaissance. Art and Expression in the Age of Whitman and Emerson (1941).

[2] Hugh Kenner. A Homemade World. The American Modernist Writers. Morrow, 1975 (13). 

[3] Cleanth Brooks. The Well Wrought UrnStudies in the Structure of Poetry (1947). 

[4] T.S Eliot, “The Metaphysical Poets” in Selected Essays (3rd edition, London, 1951), p. 289. 

[5] Propos du professeur Xavier Kalck.

22/03/22 – Giovanni-Pietro Vitali : « Le discours littéraire comme pratique politique dans la chanson militante d’Italie et d’ailleurs »

Giovanni-Pietro Vitali est maître de conférences en Humanités Numériques. Il possède un doctorat en littérature ainsi qu’en sciences du langage. Il s’est spécialisé dans les Humanités Digitales et propose une nouvelle analyse critique du langage et des thèmes des chansons militantes. Depuis 2018, il bénéficie du programme Marie S. Curie pour mener son projet intitulé : « Last Letters from the World Wars: Forming Italian Language, Identity and Memory in Texts of Conflict ». Son intervention a pris appui sur la publication de son volume Voice of Dissent. Interdisciplinary Aprroaches to New Italian Popular and Political Music parut en 2020 dans les éditions Peter Lang. Dans cet ouvrage, Vitali analyse une forme de représentation politique dans le travail de musiciens italiens qui ont pour objet de leurs chansons la littérature. Lors de la séance, il a présenté son sujet d’étude et expliqué la méthodologie qu’il a utilisée. 

Giovanni-Pietro Vitali a d’abord proposé des éléments de définitions pour qualifier la new popular music (ou « nouvelle musique populaire ») qui peut être définit grâce à l’exclusion des définitions en musicologie, c’est-à-dire tout ce qui n’appartient pas à la musique artistique ou à la musique classique. Il a emprunté la définition d’Andy Bennet[1] qui théorise le concept de « new » comme un amoncellement de nouvelles couches musicales, s’éloignant ainsi de ce qu’on appelle la musique traditionnelle. Il a qualifié ce mouvement comme « musique des frontières » car le protagoniste absolu de ce style musical est l’interculturalité. La dimension linguistique est identifiable, car les chansons révèlent un mélange linguistique à l’intérieur des textes. En outre, la dimension politique apparaît dans les messages politiques des textes. La chanson Un Blues en Trois Quart de Bobo Rondelli apparaît comme un exemple de la nouvelle musique populaire. L’auteur de ce titre est originaire de Livourne, une ville connue, car elle est située près d’une base militaire et d’un marché américain. La représentation de l’esclavage aux États-Unis et la naissance du blues sont utilisées pour dénoncer une forme de « colonisation »[2] américaine dans le contexte de la fin de la deuxième guerre mondiale. La dimension musicale offre une référence nette au blues tandis que la dimension culturelle met en avant une représentation multilinguistique en abordant les thèmes du patrimoine de la résistance, l’ouverture vers la réalité ouvrière ou encore le dialecte. 

Par la suite Giovanni-Pietro Vitali a démontré comment son corpus de chansons militantes italiennes s’inscrit dans une chronologie traversée par les moments de tension politique tels que les années de plomb (les années 1970) et les événements du G8 (1997-2014) et du G20 (à partir de 1999). Durant ces périodes, les sorties d’albums sont plus importantes. 

Dans une autre partie de sa présentation, Vitali s’est concentré sur l’explication de sa méthodologie et la présentation de certains outils numériques. Il a par exemple mené une analyse sémiotique à partir du travail de Louis Troll Hjelmslev (la Glossématique) et il a exposé le plan d’expression des différents styles de musique utilisés. Il a également utilisé des cartes numériques pour étudier les éléments nommés dans les chansons et leurs influences géographiques. Vitali a également établi une typologie des analyses de la richesse lexicale (forme d’un mot utilisé contre l’occurrence générale des mots). 

Les outils utilisés par Giovanni-Pietro Vitali permettent de mettre en relief les éléments littéraires des chansons et l’imaginaire des artistes. Il a évoqué l’influence d’Amérique latine dans l’album Terra E Libertà (1997) du groupe italien Modena City Ramblers (fondé en 1991). L’album contient également quatre chansons[3] directement inspirées du roman Cien uños de soledad (Cent ans de solitude) écrit par l’auteur colombien Gabriel García Márquez en 1967. De plus, les chansons contiennent des points de référence aux grands mouvements socio-culturels de la fin des années 1990 et du début des années 2000 : la contestation de la mondialisation et l’émergence d’une conscience écologique. De la même façon, l’album de Fabrizio De André Non al denaro non all’amore né al cielo (Ni l’argent, ni l’amour, ni le ciel (1971)) a été composé à partir de la Spoon River Anthology (1915) du poète Edgar Lee Masters. Cet album présente des chansons militantes telle que « Un blasfemo » dans laquelle De André utilise l’imagerie biblique pour faire la critique des pouvoirs politique et policier dans les années 1960 et 1970. Giovanni-Pietro Vitali a expliqué que les paroles écrites par le chanteur Fabrizio De André sont une réécriture complète de la traduction vers l’Italien de Fernanda Pivano de l’anthologie de Lee Masters. Ainsi, à travers cette double référence littéraire, on peut percevoir le multilinguisme des chansons militantes. 

Durant l’échange de fin de séance, une professeure a fait remarquer que dans la diffusion des clips vidéo, un des membres du groupe Modena City Ramblers portait un kilt et elle a demandé si la performance scénique joue un rôle dans la représentation multiculturelle du discours militant proposé par le groupe. L’intervenant a répondu que le groupe s’est inspiré de la musique traditionnelle irlandaise dans leur influence folk-rock et donc qu’il n’était pas surprenant de distinguer des signes vestimentaires lors des performances du groupe. Une auditrice a questionné Giovanni-Pietro Vitali sur son approche méthodologique pour savoir s’il était toujours possible d’identifier clairement l’orientation politique des groupes sélectionnés dans son corpus. Il a répondu qu’il a choisi des groupes et/ou des chanteurs ayant déclaré leur position politique et étant majoritairement activistes. Il a évoqué une différence entre les militants de droite et de gauche dans la substance des musiques : seulement un ou deux genres musicaux sont utilisés pour le premier cas alors que les groupes de gauche présentent une tendance à la contamination musicale.


[1] BENNET, Andy et WAKSMAN, Steve, The Sage Handbook of Popular Music. Thousand Oaks: Sage Publication, 2015.

[2] Le terme est utilisé par la gauche italienne.

[3] Macondo express, Il ballo di Aureliano (La danse d’Aurélien), Remedios la bella (Remedios la belle), et Cent’anni di solitudine (Cent ans de solitude).

10/02/22 – Matthew Redmond: “No Country for Old Men: Age in the American Republic”

Matthew Redmond’s area of research is the US literature in the nineteenth century. He chooses an interdisciplinary approach and has a particular interest in the field of age studies. He recently finished his doctoral dissertation entitled “Living Too Long: The Politics of Lifespan in American Literature between 1820 and 1880.” He is also an instructor in a program of writing and rhetoric at the University of Stanford and hopes for a Marie Curie post-doctoral position at the University of Lille with the research project “Living Too Long: The Republican Time in American Literature.” During his talk, he dealt with getting old in the United States and the United States getting old. He looked at the intersection between American literature and politics and considered the relationship between age and the American Republic through literary works. 

He started by introducing Emma Willard (1787-1870), one of the most interesting social reformer figures of her generation and founder of the first school for women education. He referred to her work An Address to the Public Particularly the Members of the Legislature of New York, Proposing a Plan for Improving Female Education (1819) in which she exposes her project of prolonging the life of the American Republic. Redmond argued that her ingenuity lies in her clock-ward thinking, asserting that the analogy between nations and individuals is not reliable:

“The existence of nations cannot, in strictness, be compared with the duration of animate life; for by the operation of physical causes, this, after a certain length of time, must cease: but the existence of nations, is prolonged by the succession of one generation to another, and there is no physical cause, to prevent this succession’s going on, in a peaceable manner, under a good government, till the end of time.” 

Her claim that the Republic can live forever is shared by many foremost American thinkers such as Thomas Jefferson (whose father-in-law left him considerate debts) embraced the position that every American generation must have its right to free itself from the tyranny of the past and also insisted that the US Constitution should provide a solemn opportunity every twenty years for each generation to accommodate its inherited government to the circumstance of the present era. 

Matthew Redmond suggests that in a national tradition such as the American one – which defines itself in this rebellion against the dead – there is a kind of suspicion or even paranoia that is cast upon the livings. He developed his point by assessing that in the nineteenth century, the belief that America will survive because every generation dies and the next one is enabled to have its day disguises the fear that one generation might not die at the “proper time” and quit the political and social fields. Instead, this “old” generation might overstay and even establish a tyrannical ruling of the Republic. Redmond presented literary works that reflect on the following questions: what would happen if the Republic was not handed on peacefully? How this fear is manifest through the literature of the century? 

The scholar’s main viewpoint is that individual human lifespan was integral to the way the Americans of the period imagined their Republic’s life and possible death. He also wanted to present a series of literary transgressions against the deeply-rooted ideology of generational succession and the idea that the young nation fetishized its youth. 

Redmond explained the origins of this research project about human lifespan and national lifespan. In the last decade, a swirl of scientific works such as Lifespan: Why We Age – and Why We Don’t Have To (David A. Sinclair, 2019) highlight the distinct possibility that ageing may cease to be a factor in our life while scientific and medicinal progress further. That dynamic implies that these questions are only related to our own historical moment as if they were never been asked before. Redmond showed there have been asked in the nineteenth century. He pointed out that these questions raised in the American literature arose in the English and continental stories which had influenced the American schools of thought. He mentioned Nicolas de Condorcet (1743-1794), defender of the constitutional government and a liberal economy and known as an Enlightenment thinker. His work A Sketch for a Historical Picture of the Progress of the Human Mind (1795) describes how steady improvements and accumulations of knowledge would allow human lifespan to increase: 

“Certainly, man will not become immortal, but will not the interval between the first breath that he draws and the time when in the natural course of events, without disease or accident, he expires, increase indefinitely?”

He also referred to William Godwin (1756-1794) who suggested that humankind will eventually gain mental control over involuntary actions of the body such as ageing, allowing people to prolong their lives without any limit. Godwin points out his own lack of evidence for such claims and does not put too much faith in his theory about human longevity. The last example he gave was Thomas Malthus (1766-1834) and his work Essay on the Principle of Population (1798) in which he makes clear that lives getting longer is not to be hoped for those who want to see improvement in society. He asserts that a very long life would exacerbate the population in a society that has already difficulties regulating itself with natural death. Thomas Malthus makes explicit the link between society welfare and the length of individual human life within the collective imagination. Redmond underlined that each of these writers struggles to reconcile what seems a potential endless future filled with increasing time to the scale in which people live and die. Nevertheless, they share the view that America is the testing ground where their theories will be validated or not. 

Matthew Redmond focused on one novel entitled The Pioneers (1823) written by James Fenimore Cooper and part of a collection called The Leatherstocking Novels. Cooper is one of the most important American writers and his five historical novels revolve around one single character (the eponymous character Leatherstocking) whose real name is Natty Bumppo. He is the child of white parents but he grew up among Delaware Indians and was educated by Moravian Christians. In this novel, he is an old man living in the wood with his indigenous companion Chingachgook. Natty is one of the few old characters in American literature to have his existence consistently defined around oldness and can’t stop reminding people how old he is. His most reliable tool in the novel is his grammar: he is mastering the present perfect tense to prove himself and to increase his authority. To illustrate the link between language and the experience of oldness, Matthew Redmond analyzed Natty’s use of present perfect in several excerpts as reminding those around him of the most inappropriate aspects of his character – his stubborn, ridiculous longevity. The collection showcases how Natty is hunted down because he represents the old order yet, shows how symbolically the old can survive in a young nation.

27/01/22 – Constantin Bobas: « Dimensions politiques de l’exil en temps de crise dans les cultures méditerranéennes contemporaines – réversibilités grecques du récit »

Constantin Bobas est professeur en études néo-helléniques et interculturelles à l’Université de Lille et Vice-Doyen en charge de la recherche à la faculté Langues, Cultures et Sociétés. Il est l’auteur, entre autres, d’Histoires fictionnelles, récits historiques. Lectures littéraires, relations intertextuelles (Éditions Govostis, Athènes 2021), d’Espaces d’une utopie, lieux d’une réalité. Textes sur la littérature, (Editions Govostis, Athènes 2020), et de Recherches sur la poétique de T. K. Papatsonis, (Histoire et esthétique) (Septentrion Presses Universitaires, Villeneuve d’Ascq 1998). Il a également dirigé l’ouvrage Mondes Méditerranéens : perceptions et transformations de l’espace en partenariat avec l’École Française d’Athènes qui paraîtra en 2022 aux éditions Peter Lang.

Afin d’introduire son sujet, Constantin Bobas a présenté plusieurs éléments généraux sur l’exil. Il a évoqué l’étymologie du mot, issue du latin exilium « hors du sol » et du grec « hors des limites ». Ces définitions peuvent se référer aux limites d’un pays comme conditions de l’exil et impliquent le départ d’un lieu que l’on quitte vers un « pays d’accueil ». L’exilé doit construire de nouveaux rapports avec ceux qui habitent la terre d’accueil et alors, traverser ces frontières. M. Bobas introduit aussi un autre concept clé : l’hospitalité, qui correspond au degré d’acceptation de l’exilé dans une société donnée. Le processus d’intégration est parfois difficile pour certaines catégories d’exilés. Le statut de l’exilé peut s’exprimer à travers un grand nombre de mots qui correspondent à des situations sociales et/ou politiques différentes : immigré, migrant, réfugié, demandeur d’asile, etc. L’exil invite à réfléchir sur la manière dont un étranger se définit et sur la façon dont les autres le définissent. Ces conditions sont souvent dépendantes de la proximité et/ou de l’éloignement avec la terre d’origine et la terre d’accueil. Constantin Bobas a fait référence à l’essai d’Alexis Nouss, La condition de l’exilé (2015), dans lequel il propose de considérer les migrants comme des exilés. Il explique qu’il faut dépasser la catégorie des migrants, chiffres, statistiques, politique de gestion afin de montrer la diversité des parcours individuels et collectifs qu’il qualifie de « condition exilique ». Aujourd’hui, les exilés n’ont pas un objectif d’installation permanent. Constantin Bobas a affirmé qu’il n’y a plus de migrants au sens premier de quelqu’un qui partirait d’un endroit pour rejoindre une destination précise. Le terme exilé convient mieux aujourd’hui pour décrire les migrants, car il désigne simplement celui qui migre et qui arrive « quelque part ». 

Le terme « exilé » possède une connotation positive en français car il s’inscrit dans une lignée politique et culturelle majeure. Il peut être pensé en lien avec le principe d’état-nation basé sur l’identité et la cohésion d’un groupe d’individus. A partir de ce principe, Constantin Bobas s’est référé au processus de « déterritorialisation » pour décrire l’expérience de l’exilé sur une terre d’accueil. Il emprunte le concept à Gilles Deleuze et Félix Guattari et met en avant la nécessité de s’exiler de notre condition intérieure pour mieux comprendre celle de l’exilé. En outre, ce processus implique une « reterritorialisation » que l’on peut interpréter comme la possibilité pour l’exilé de construire une nouvelle vie et une nouvelle histoire sur le territoire d’accueil. 

La déterritorialisation accentue le lien entre la notion d’exil et la littérature.  Constantin Bobas a montré que la littérature représente la terre de l’exilé : le texte littéraire nous oblige à sortir de notre condition intérieure et nous pousse dans la condition de l’exilé. Il examine le rapprochement entre littérature et exil dans le contexte de l’espace méditerranéen et plus particulièrement le cas de la Grèce. L’histoire de la modernité grecque reflète les valeurs humanistes occidentales. Le XX siècle est caractérisé par les sociétés de masse et à la technique apparaît comme le moyen exclusive pour satisfaire les besoins sociétaux. Comme les autres sociétés occidentales, la Grèce a évolué vers une démocratisation progressive mais a conservé une culture spécifique. Dans ce déséquilibre entre modernité et singularité, on peut qualifier la condition du pays comme exilique, comme un espace de l’entre-deux. L’espace grec est également un lieu touché par la crise. Constantin Bobas a montré que la société s’est disloquée à cause de la crise financière et a vu naître des visions extrémistes. Bertolt Brecht souligne que le fascisme est l’expression de la démocratie par temps de crise, exposant la désagrégation du tissu social et transformant l’étranger en cible privilégiée des mouvements extrêmes. 

Constantin Bobas a proposé plusieurs œuvres pour examiner comment l’art présente une nouvelle approche du territoire grec comme lieu d’exil. Il a d’abord évoqué l’analyse de Walter Benjamin du tableau Angelus Novus réalisé par Paul Klee en 1920. Benjamin explique que dans ce tableau, l’ange symbolise l’Histoire. La position des ailes ouvertes représente la lutte contre la force d’une tempête associée au progrès. Benjamin pense le progrès comme empêchant un regard sur le passé et sa mise en ordre pour en tirer des leçons et proposer des agissements nouveaux. Constantin Bobas articule un parallèle entre cette analyse et la Grèce. Il souligne que les crises économiques systémiques sont une conséquence directe du progrès : elles enrayent le pays dans sa quête d’une meilleure stabilité et renforcent la fracture sociale. Cependant, la figure du poète permet d’offrir de nouvelles perspectives : dans sa condition d’exilé, le poète rentre dans la tempête et offre la beauté des ruines du passé. Il mobilise un regard extérieur pour repenser les crises. 

Le corpus est composé des travaux de trois artistes qui ont réfléchi sur le thème de l’exil en lien avec la Grèce et la modernité. Le roman policier Épilogue meurtrier (2015) de Petros Markaris raconte les assassinats des migrants à Athènes revendiqué par les « grecs des années 1950 ». Ce groupe de meurtriers est en réalité issue de la deuxième génération d’immigrés d’albanais en Grèce, exprimant une véritable haine envers les migrants. Le roman raconte l’attache des migrants à leur terre d’accueil et déplace la charge sémantique du terme « Autre », affirmant ainsi que ceux qui accueillent les migrants sont les étrangers. M. Bobas a précisé que le roman policier méditerranéen (aussi présent en Italie, en Espagne et en France) est proche du roman social et affiche une acuité politique pour décrire une situation de crise impossible. 

La seconde œuvre est le film Xenia (2014) réalisé par Panos H. Koutras. Il met en scène l’histoire de deux frères migrants issus d’une mère albanaise et d’un père grec absent. Après le décès de leur mère, les deux frères décident de partir à la recherche de leur père pour avoir la nationalité grecque. Constantin Bobas a diffusé une séquence dans laquelle les deux frères occupent un hôtel abandonné, reflétant la transformation du pays et sa chute sur fond de crise financière. La scène montre comment le lieu est réinventé par ceux qui sont censé recevoir l’hospitalité. Elle met également en avant une réflexion sur l’altérité dans un contexte intersectionel : le personnage de Danny incarne plusieurs minorités car il est issu d’une famille albanaise pauvre, il est illettré et homosexuel. Néanmoins, le dialogue des deux frères exprime leurs espoirs, leurs rêves et projets futures soulignant leur désir absolu de vivre. Le film affirme que se sentir étranger partout donne la possibilité de se sentir partout chez soi.

Finalement, Constantin Bobas nous a présenté le travail de Wajdi Mouawad à travers la mise en scène Les Larmes d’Œdipe (2016). Cette performance artistique permet une réflexion sur les conditions contemporaines de la Grèce et raconte le retour du personnage éponyme avec sa fille Antigone à Athènes. Œdipe rencontre Coryphée dans un théâtre antique et elle lui apprend que la Cité est en colère : la police a assassiné un jeune garçon pendant une manifestation, un évènement qui intervient dans le contexte d’une crise financière. Le temps mythique est alors superposé au temps de la crise contemporaine pour réfléchir sur le conflit à partir du texte littéraire. Ainsi, le personnage d’Œdipe déclare : 

« Dis alors aux gens de ton pays combien les dieux ont confiance en eux et qu’il est juste de se révolter contre l’injustice à l’œil unique, surtout lorsque cette injustice se pare des habits de la justice, des règles, des lois, de l’argent et du pouvoir. Qu’ils fassent entendre la puissance de leurs voix et la joignent aux appels de leur semblables, les autres, les étrangers, les exilés qui fuient leur terre pour trouver ici un salut. Qu’ils fassent cela et alors, de cité en cité, de pays en pays, d’une époque à l’autre, ils entendront enfler la clameur de la jeunesse dont la fraternité sonnera comme un puissant appel à la liberté ».[1]

Constantin Bobas a conclu sa présentation en affirmant que l’art est une force créatrice qui transforme les limites (ou frontières évoquées au début de la séance comme condition de l’exil) en ligne de fuite que nous partageons ensemble. Le corpus a mis en avant les possibilités de représenter la condition exilique et propose une nouvelle définition du migrant dans le contexte de la Grèce contemporaine. 

Pendant la séance des questions, une auditrice a remarqué l’importance des espaces liminaux dans le corpus, et notamment un lien avec l’Odyssée et le motif de la mer. Dans la mise en scène de Wajdi Mouawad Inflammation du verbe vivre (2018), c’est la descente dans le monde des morts qui apparaît comme un espace liminal. L’auditrice a donc demandé quel rôle jouent ces espaces dans la littérature pour penser l’exil. Constantin Bobas a expliqué que l’œuvre de Mouawad est d’abord un hommage à son ami disparu Robert Davreu (1944-2013, il était poète, écrivain et traducteur français) lorsqu’ils élaboraient ensemble le projet de monter les tragédies de Sophocle. L’artiste a travaillé sur les notions du deuil, de l’ébranlement et s’inspire de l’épisode d’Ulysse au royaume des morts. L’espace liminaire ici permet un dialogue entre le monde des morts et des vivants : Ulysse incarne la figure de l’exilé et obtient les réponses du devin Tirésias sur son retour à Ithaque. Ulysse représente aussi le premier exilé puisque l’Odyssée est un texte fondateur dans notre culture occidentale. La réécriture littéraire de la figure d’Ulysse présente l’exil comme un moment de révélation, révélant aussi le potentiel créatif de cette condition exilique pour l’artiste. 


[1] W. Mouawad, Les Larmes d’Œdipe, Leméac/Actes-Sud, Arles 2016., pp. 39-40

13/01/2022 – John Holmes, « Why Study Literature in an Age of Environmental Crisis, or, What Did You Do in the Great War, Daddy? »

John Holmes is Professor of Victorian Literature and Culture at the University of Birmingham. He was the Chair of the British Society for Literature and Science from 2021 to 2015 and has been Secretary to the Commission on Literature and Science since 2015. His work focuses on the interface between science and the arts in the period from 1800 to the present. He published numerous books such as Darwin’s Bards: British and American Poetry in the Age of Evolution (2009), The Pre-Raphaelites and Science (2018). During his presentation, he demonstrated the necessity of literature to approach contemporary environmental issues. He also presented his research work and projects, stressing the relationship between literature and nature. 

Ecocriticism is defined as an interdisciplinary field of study that analyses the relationship that human beings have with the environment. Environmental critics explore the representations of nature and the natural world imagined through literary texts[1] but also how texts try to solve ecological concerns. Environmental politics emerged in the 1980s within the arts and yet, it did not involve an eco-critique because intellectual interests were about aesthetic choices. 

Nevertheless, John Holmes introduced his collaborative work with Bloomsbury’s publishing house, taking into account the ecocritical dimension.  The “Explorations in Science and Literature” project was carried out by an editorial board of professors from various disciplines (biology, English, medicine, science humanities) who produced a series of volumes bringing the insights of literary study to explore scientific subjects and underlines the intense urgency of the environmental crisis, the shared accountability and the need for intergenerational action. 

John Holmes also mentioned the work of university researchers and writers. John Ruskin (1819-1900) represented a pioneering figure to think ecocriticism. He was an English writer of the Victorian era, contesting the rapid industrialization and focusing on social and political issues. He was also an art critic involved in the Pre-Raphaelite Brotherhood. The Oxford University Museum of Natural History (built from 1855 to 1860) is marked by his influence on Gothic art and architecture: it expresses the natural world “itself in its forms and materials”[2]. In co-writing with Paul Smith, John Holmes writes: “the museum epitomizes Ruskin’s principles of truth to nature and the creative emancipation of the individual artisan”[3]. Holmes also spoke of Ursula Kroeber Le Guin (1929-2018), an American author best known for science fiction works (the Earthsea fantasy series 1968-2001). Her literature envisages contemporary eco-social issues (for example “The New Atlantis” (1975) deals with climate change) and reveals its imaginative power: her work displays another reality to accentuate the situation of crisis. Simon Estok appears as another uplifting thinker: he is Professor at Sungkyunkwan University and his main interests include ecocriticism, early modern European culture and the relationship between theory and practice. He won an award for his book Ecocriticism and Shakespeare: Reading Ecophobia (2011), underlying how his literary study can help to think questions related to nature. 

Then, the scholar explained how books could be used to prevent the environmental crisis. Firstly, he argued that studying literature is an act of passive resistance against the capitalist system and dominant narratives that reject the responsibility of climate change. Learning about books can enrich our perspective on the subject and improve our awareness. What is more, Holmes is inspired by Sarah Dillon and Claire Craig’s Storylistening. Narrative Evidence and Public Reasoning (2021) underlining the need to take stories seriously to improve public reasoning. The authors reveal how stories offer alternative perspectives and complement forms of evidence including those from science. Finally, books foster collaborations between many disciplines to enhance our collective understanding of science and the appreciation of the natural world. 

John Holmes presented two of his projects. He introduced “Symbiosis”, an “interdisciplinary network set up to research and develop the role of the arts and the humanities in natural history museums and collections”[4]. This project extends existing connections between academic researchers, museum curators, scientists and artists. Among the collaborating museums, the Museum für Naturkunde Berlin, the Naturhistorisches Museum in Vienna, the Oxford University Museum of Natural History and the Royal Ontario Museum in Toronto. One outcome was entitled “Visions of Nature” created in 2016 and took place at the Oxford University Museum of Natural History. It aimed at showcasing the museum’s architecture and design and the role of art in science from the middle age to the present day. This year-long programme welcomed three poets and presented four art exhibitions influenced by the museum’s collections, ecological concerns and natural history. The second project is called “Fantasy Fiction and Forest Ecology: Mobilising the Imaginative Resources of Fantasy Fiction for Living with Forests”. It highlights the fundamental place of forests in fiction and how they become a subject to engage people with environmental issues. The project displays an interdisciplinary study of the function and representations of forests in fiction set in imagined worlds such as in Ursula K. Le Guin’s or J. R. R. Tolkien’s work. These representations are compared with actual forest sites to support preservation systems, to advance reafforestation and bolster strategies to combat climate change. 


[1] GLOTFELTY, Cheryll in the Introduction to The Ecocriticism Reader, University of Georgia Press, 1996. 

[2] HOLMES, John and SMITH, Paul. “Visions of Nature: Reviving Ruskin’s legacy at the Oxford University Museum”, Journal of Art Historiography, vol. 22, University of Birmingham, 2020, p.1.

[3] Ibid.

[4] This definition comes from the following website: https://www.birmingham.ac.uk/research/symbiosis/index.aspx .

18/11/21 – Antonia Rigaud : « Black Dada » : l’expérimentation formelle au prisme du discours politique chez Adam Pendleton

Antonia Rigaud réfléchit aux croisements entre littérature et politique dans l’avant-garde états-unienne. Elle s’intéresse particulièrement à l’artiste afro-américain Adam Pendleton qui réfléchit à l’histoire de l’avant-garde et l’influence de ce mouvement sur sa pratique artistique : la poésie, la peinture, la sculpture, la vidéo, mais aussi dans son travail d’essayiste. 

Cet intérêt émerge lors d’un premier travail de recherche sur John Cage, figure iconique de l’avant-garde américaine qui pousse les limites de l’expression et redéfinit le langage, la poésie, la notion de silence. Il place au cœur de sa pratique artistique la conviction qu’il faut libérer l’œuvre d’art ainsi que le spectateur à travers des procédés aléatoires et s’inscrit alors dans la lignée du mouvement dada. Peter Bürger détermine l’enjeu fondamental du dadaïsme dans la définition suivante : « Dadaism, the most radical movement within the Europeans avant-garde, no longer criticizes schools that preceded it, but criticizes art as an institution, and the course its development took in bourgeois society »[1]. Cependant, dans cette transition vers une réflexion sur les fondements socio-politiques de l’art, un paradoxe émerge : John Cage pense l’œuvre de façon politique tout en gardant la réalité politique contemporaine de son époque à distance. Cette aporie est critiquée dans les années 1990 mais c’est seulement de nos jours que la nouvelle avant-garde, notamment représentée par Adam Pendleton, se saisit de cette critique pour proposer de nouvelles modalités au mouvement dada états-unien. 

Adam Pendleton (né en 1984) note que l’avant-garde, s’est fait happée par les institutions artistiques et culturelles pour survivre. De ce fait, elle a perdu son pouvoir de subversion. L’artiste inscrit sa pratique artistique dans le paradigme du Black Dada, un terme qu’il empreinte au poème d’Amiri Baraka (LeRoi Jones) « Black Dada Nihilismus » (The Dead Lecturer, 1964). Pour Pendleton, ce poème fait surgir les potentialités politiques de l’art et du langage. Ce concept lui permet également d’établir une généalogie dada dans la culture américaine dans laquelle le pouvoir de subversion est central. Ce rapport généalogique se construit sur deux moments essentiels : le transfert culturel depuis l’Europe des principes dada et l’expérience des années 1960 représentée par Amiri Baraka. Le dada européen s’est construit sur la notion de libération du double héritage de la révolution française, de la commune et de l’héritage poétique représentée par Baudelaire et Rimbaud. Néanmoins, l’expérience de la deuxième guerre mondiale apparaît comme le choc qui engendre une réponse violente des artistes dada, définit par Bernard Blistène comme « une vaste entreprise de sabotage, de liquidation des modes et des codes où la violence est créatrice parce qu’à la fois subversive et transgressive »[2].  Marcel Duchamp incarne cette pratique en utilisant le hasard, le ready-made et refuse les catégories traditionnelles du beau et du laid. Il existe également d’autres principes esthétiques tels que le bruitisme, le choc, la table rase, la simultanéité, le collage. Le déplacement de Duchamp aux États-Unis fait de New-York la capitale mondiale de l’art dada et transforme progressivement cette « entreprise de sabotage » en entreprise institutionnelle (en 1937, le musée d’art moderne propose une exposition appelée « Fantastic Art, Dada, Surrealism »). L’art dada se laisse capter et joue un rôle dans le développement culturel de l’art américain. Cette transition vers les États-Unis se fait au même moment que l’importation du jazz. Jérôme Rothenberg note que c’est au même moment que le morceau « That Dada Strain » (1921) chanté par Ethel Waters, est créé et semble faire écho au dadaïsme :

« Have you heard it, have you heard it, 
That Da Da Strain? 
It will shake you, it will make you 
Really go insane. »

Le deuxième moment dans la généalogie du dada états-unien correspond à la publication du poème « Black Dada Nihilismus » d’Amiri Baraka et son esthétique du choc. C’est à la fois un poème-performance qui joue sur l’esthétique du blues et un poème qui s’écrit, marqué par la disjonction et met en valeur un discours politique. Le langage du poème présente une stratégie de confrontation qui participe au discours d’insurrection de l’auteur. Pendleton ne célèbre pas la totalité du poème mais réfléchit à son rôle dans le renouvellement du dada, notamment à travers sa relation avec le Black Art (un mouvement artistique et activiste qui émerge avec le mouvement politique Black Power). Antonia Rigaud suggère que Pendleton représente un troisième moment dans cette généalogie, proposant un renouveau de la lutte pour les droits civiques (avec Black Lives Matter) qui prend en compte la généalogie dada.

Dans son anthologie Black Dada Reader (2017), Adam Pendleton nous invite à repenser l’histoire de l’avant-garde et propose à son lecteur de se créer sa propre « anthologie-histoire ». Le Reader est divisé en trois sections : la première « Foundations » est composée d’une liste d’artistes (W. E. B DuBois, Hugo Ball, LeRoi Jones mais aussi Godard, Gilles Deleuze…) duquel ni l’ordre chronologique ni la nature des textes comptent. L’histoire du dada n’est pas linéaire mais se nourrit d’influences multiples : elle représente une communauté de pensée dont Pendleton écrit l’archive. La section « Language » est plus littéraire et questionne la malléabilité de la langue. La mise en regard de la poète expérimentale Gertrude Stein et la poète June Jordan qui réfléchit à la subversion dans le langage fait de la langue le lieu même du politique. Antonia Rigaud souligne que Pendleton travaille de la même façon que Gertrude Stein dans le recueil Fourteen Anonymous Poems[3]. Cet exercice de style illustre la question de l’anonymat et marque une évolution de la narration vers l’abstraction. Pendleton reproduit ce travail avec le pronom « we » (« Who We Are (We Are Not), 2019) pour questionner la capacité à dire l’identité et le collectif dans une oscillation entre abstraction et reconnaissance. La dernière section « Artists’ Positions » présente une majorité d’artistes Afro-américains de la tradition expérimentale. L’exception d’Ad Reinhardt (artiste formaliste et loin des questions politiques) révèle que pour Pendleton, les références dada sont extrêmement larges et se modifient entre elles. Le Reader propose une vision de l’histoire caractérisé par l’hybridité, l’ouverture, des rencontres et/ou chocs qui remettent en cause notre vision du monde. 

Le poème-manifeste « Black Dada » (2017) semble finalement mettre en lumière les nouvelles modalités que propose Adam Pendleton pour « réinventer l’utopisme de l’avant-garde ». Antonia Rigaud explique que dans cette œuvre, l’artiste propose de regarder de biais l’avant-garde telle qu’elle a été sacralisée par les institutions pour ouvrir les points aveugles de cette histoire. Différents types de langages sont utilisés pour brouiller le sens clair du poème et refléter l’esthétique du montage propre à la poétique dada définit par Fred Moten comme une esthétique de l’ouverture permanente : « Montage renders inoperative any simple opposition of totality to singularity. It makes you linger in the cut between them, a generative space that fills and erases itself »[4]. La dimension politique du poème se situe dans sa performance qui déstabilise les codes et les principes établis, faisant de l’œuvre une énigme qui capte le lecteur. Ce mode de l’énigme est également théorisé par Moten comme « fugitivité » : le poème doit s’appréhender dans une sorte « d’entre-deux » : refus à la fois  la compréhension et de l’incompréhension. Ainsi Pendleton s’approprie les codes de l’avant-garde et de l’expérimentation, en renouvelle les modalités et réinjecte du politique dans ces expériences artistiques. 

Durant la séance des questions, une auditrice a demandé si un renouveau du mouvement dada comme le Black Dada a également eu lieu en Europe. Antonia Rigaud a répondu que le Black Dada vient en réaction à l’absence de subversion politique dans le discours culturel états-unien. Ce renouveau est donc nécessairement concentré sur le paysage culturel des États-Unis. On lui a également demandé quel est le lien entre la production individuelle de l’artiste et la dimension collective de son œuvre et où se situe le politique dans cette démarche esthétique. Antonia Rigaud explique que pour Pendleton la politique n’est pas un terme abstrait ou universel mais qu’elle est présente sur le locale et dans la réception individuelle. Adam Pendleton est engagé dans différents mouvements politiques tels que Black Lives Matter et le 1619 Project (une initiative du New York Times Magazine pour repenser l’histoire de l’esclavage aux États-Unis). Il invite également à penser l’histoire pour chaque spectateur comme dans le Reader qui invite ses lecteurs à se créer sa propre anthologie. Dans ce moment d’échange, Antonia Rigaud a précisé le projet de l’anthologie dada. Elle explique que Pendleton est souvent associé à l’idée de « finding new geometries of attention » : l’artiste essaye de recadrer notre regard pour ne pas penser l’histoire comme évolution mais comme simultanéité. Il souhaite mettre au jour tout ce qui se passe au même moment pour essayer de sortir de l’idée même d’histoire et pour toujours rester dans une superposition des moments artistiques du dada. 


[1] Bürger, Peter. Theory of the Avant-Garde. Translation from the German by Michael Shaw. Theory and History of Literature, vol 4. Minneapolis: University of Minnesota, 1984. 

[2] Blistène, Bernard. « “La seule façon d’être suivi est de courir plus vite que les autres”. Conversation avec Marc Dachy autour d’une postérité de Dada malgré lui », Luna-Park, 2, hiver 2004-2005, p. 161-162.

[3] « Harold Stephens », « Portrait of So and So”, “Portrait of When”, “Anonymous Portraits”.

[4] Moten, Fred. In The Break: The Aesthetics Of The Black Radical Tradition. Minneapolis: University of Minnesota Press, 2003.

Présentation et documents utilisés pour la séance présentée par Antonia Rigaud: « Black Dada »: l’expérimentation formelle au prisme du discours politique chez Adam Pendleton

Maîtresse de conférences en littérature et art des États-Unis à l’Université Sorbonne Nouvelle, Antonia Rigaud travaille sur les croisements entre littérature, histoire des idées et arts aux États-Unis. Elle a publié un ouvrage sur John Cage (John Cage Théoricien de l’utopie. Paris : Harmattan, 2006) ainsi que des articles sur l’art et la performance aux États-Unis. Elle termine actuellement un ouvrage intitulé Avant-Garde Frictions: Unsettling the Common in American Poetry and Visual Arts (20th-21st Centuries) dans lequel elle interroge les croisements entre radicalité artistique et politique aux États-Unis, du début du 20ème siècle à nos jours.

Abstract : Adam Pendleton est un jeune artiste afro-américain qui s’est imposé sur la scène d’avant-garde aux États-Unis depuis le début des années 2000. Son travail pictural et poétique s’intéresse à la définition du concept de « Black Dada » dans lequel l’artiste croise expérimentations formelles et réflexions politiques. Le « Black Dada » permet à Pendleton de situer son travail à la croisée de l’héritage européen du mouvement Dada et de ce que Amiri Baraka, poète du Black Arts Movement appelait « Black Dada Nihilismus ».Pendleton décline le concept de « Black Dada » dans une anthologie de textes d’horizons très divers mais qui lui permettent de faire le lien entre avancées formelles et politiques. Ce Black Dada Reader s’accompagne aussi d’un long poème « Black Dada » dans lequel l’artiste interroge sa position dans l’histoire de l’art conceptuel états-unien ainsi que dans l’histoire des luttes pour les droits civiques. Le projet synthétique de Pendleton constitue un outil pour penser les croisements entre les expérimentations de l’avant-garde et des considérations d’ordre politique. En travaillant essentiellement à partir du poème « Black Dada » de Pendleton, je souhaite revenir sur les croisements (ainsi que les croisements manqués) entre l’avant-garde expérimentale et les enjeux politiques qui traversent l’expérience états-unienne et interroger ce que Pendleton nous apprend sur le genre de la poésie de combat et sur le statut politique de l’expérimentation formelle dans un contexte de contestation politique. 

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