26/01/2024: Journée d’étude “Dire, écrire, traduire les affects – enjeux queer et féministes” de l’Axe 2 “Genres, Féminisme(s) et Intersectionnalité” en collaboration avec l’Axe 1 “Poïétique et politique”.

Nous avons eu le plaisir d’accueillir plusieurs intervenants lors de la journée d’étude organisée par l’axe 1 « Poïétique et Politique » en collaboration avec l’axe 2 « Genres, Féminisme(s) et Intersectionnalité » le vendredi 26 janvier à l’Université de Lille. Cette « journée des axé.e.s » était intitulée : “Dire, écrire, traduire les affects – enjeux queer et féministes” et était portée par de jeunes chercheurs et chercheuses.

Tout d’abord nous avons eu le plaisir de recevoir Gaëlle Charton, doctorante en traductologie à l’université de Lille. Ses recherches sont centrées sur des traductions françaises de Frankenstein, sujet de cette première intervention intitulée : « De la difficulté de rendre les nuances de genre dans Frankenstein de Mary Shelley ». Dans le cadre de sa présentation, madame Charton a utilisé une dizaine de traductions françaises réalisées sur deux cents ans (entre 1831 et 2014 plus précisément). Frankenstein est dès le départ, un roman qui s’inscrit dans les questions genre comme l’a expliqué Gaëlle Charton puisqu’il s’agit de l’histoire d’un homme qui parvient à créer la vie sans l’intervention d’une quelconque présence féminine. En ce qui concerne le reste du roman, les subversions de genre sont assez discrètes mais, cela reste un objet d’étude intéressant car ce n’est pas sans incidence dans la traduction française. En effet, madame Charton nous a expliqué que certains traducteurs peuvent forcer le trait ou trahir les souhaits de l’auteure. Gaëlle Charton s’est tout d’abord concentrée sur les questions du genre des personnages et ce que cela soulève. Puis, elle a continué son propos par une étude d’une certaine remasculinisation qui concerne les hommes du roman de façon ponctuelle. Effectivement, les femmes sont écartées dans Frankenstein ce qui donne lieu à des scènes où l’homo socialité est assez forte. Par ailleurs, ces relations amicales masculines suggèrent parfois un attachement plus profond entre ces hommes. Par exemple, madame Charton a étudié la relation entre Frankenstein et son ami Clerval. Dans un extrait où Victor décrit son ami Clerval, il mentionne sa « form » traduite en français par « corps » afin de conserver la dimension homo érotique du passage. À propos de la masculinisation des personnages, la différence entre texte anglophone et texte francophone met également en valeur certaines différences quant au traitement des questions de genre dans chaque culture. Par exemple, lors de la scène du décès d’Élisabeth, Frankenstein est un homme accablé, affaibli dans le texte de Mary Shelley (il finit même par s’évanouir dans une édition datant de 1831, une réaction qui évoque un comportement qui est normalement attribué aux héroïnes de romans). Cependant, dans certaines traductions françaises, cette scène est l’occasion de re-masculiniser le personnage du docteur Frankenstein. En effet, les traducteurs le représentent comme un homme prêt à combattre, à résister face à l’adversité. Contrairement à Mary Shelley, les traducteurs français tentent de re-viriliser Frankenstein lors de ce passage. Enfin, Gaëlle Charton s’est penchée sur le rôle des femmes, grandes absentes du roman. Dans cet écrit, les femmes sont maternantes, douces et prêtes au sacrifice, une représentation dont les traits sont forcés dans les traductions françaises. Par exemple le « timid and fearful silence » d’Élisabeth est attribué à l’héroïne dans une traduction française. En effet c’est Élisabeth qui est qualifié comme « timide et craintive » dans les traductions françaises. Une série de questions qui portaient sur l’analyse de la re-masculinisation des hommes et les différences entre texte anglophone et traductions francophones ont conclu cette première intervention.

Ensuite, nous avons eu le plaisir d’accueillir Clara Joubert lors d’une séance intitulée : « Queeriser le regard de l’artistE : écrire et traduire l’entre-soi féminin avec Robin Morgan (1972-1976) ». Clara Joubert est doctorante en deuxième année de traductologie au sein du laboratoire CECILLE de l’Université de Lille. Sa recherche se concentre sur les traductions françaises de deux recueils de poésie écrit par l’autrice américaine Robin Morgan1. Cette poésie est le projet de thèse de madame Joubert, et dont sa traduction est selon elle, influencée par des affects féminins issus du mouvement de la deuxième vague. De plus, Clara Joubert analyse la façon dont les théories féministes peuvent apporter de nouvelles dimensions à un texte source. Le thème de cette intervention portait entre autres, sur l’entre-soi féminin c’est-à-dire des écrits dans lesquels des regards de femmes sur d’autres femmes sont exposés. Les écrits de Robin Morgan exposent même des femmes artistes prenant des femmes comme modèles pour leurs créations artistiques. En effet, Clara Joubert nous a démontré la présence de plusieurs femmes artistes dans les écrits de Morgan comme une poétesse, une peintre mais aussi une photographe par exemple. Pour cela, elle nous a présenté quatre poèmes de Robin Morgan ainsi que leur fibre féminine et féministe. Ces poèmes sont intitulés : Lesbian Poem (Monster), Portrait of the Artist As Two Young Women, The Pedestrian Woman et Frames. Clara Joubert considère que l’entre-soi féminin de Morgan est caractérisé par l’inclusion du lectorat, une renégociation de la relation entre la créatrice et son sujet et une superposition de regards et de dimensions. Clara Joubert s’est posé la question suivante : comment traduire cet entre-soi féminin ? Tout d’abord afin de déterminer la manière dont elle pouvait « traduire en féministe », elle a consulté des théories féministes de la traduction, une approche apparue en 1986. Clara Joubert souhaite utiliser cette approche afin de reproduire l’entre-soi féminin de Robin Morgan en y apportant une approche critique. Elle nous a ensuite présenté quelques-unes de ses traductions et les difficultés qu’elle a pu rencontrer. Par exemple, pour traduire certaines généralités faisant appel au masculin générique telles que “individual” ou “People”, Clara Joubert a souhaité mettre en évidence certaines lettres afin d’insister sur la richesse de la langue française qui permet de mettre le féminin en valeur. Ainsi, le terme “individual” devient « individuelles » et “People” devient « peuple ». Pour conclure, Clara Joubert affirme qu’il n’existe pas de bonne ou de mauvaise traduction, le plus important est d’utiliser des stratégies cohérentes avec son projet de traduction.

La matinée s’est terminée avec la présentation de Yangjie Zhao intitulée : “Épingle de femme sous le bonnet viril (弁而钗 Bian er chai) : dialogue entre qing (情) et affects queer”. Yangjie Zhao est doctorant au sein de l’École normale supérieure de Paris mais également traducteur et enseignant à l’université de Paris Cité. Monsieur Zhao a publié une série d’articles sur la question du genre et sa thèse porte sur la traduction et la réception de l’homosexualité dans À la recherche du temps perdu en Chine. Dans le cadre de cette journée d’étude, sa présentation était consacrée à un recueil de nouvelles intitulé Bian er chai en chinois et traduit en français comme : Épingle de femme sous le bonnet viril : Chronique d’un loyal amour. À travers sa présentation, Yangjie Zhao a analysé ce roman, qui selon lui a révolutionné la perception de l’homosexualité dans la Chine ancienne du 17e siècle. Tout d’abord Yangjie Zhao nous a exposé une brève histoire de l’homosexualité en Chine, attestant que les relations homosexuelles entre deux hommes sont acceptées au sein de la société chinoise. Les femmes avaient un statut social très bas en Chine, ce qui impliquait que l’homme doive être au centre du foyer et assurer la perpétuation familiale. Tant que ces conditions sont respectées, l’homme du foyer est autorisé à pratiquer la polygamie ainsi que l’homoérotisme. L’homosexualité était critiquée dans la Chine ancienne mais cela n’est pas similaire aux formes d’homophobie du monde contemporain. Yangjie Zhao a précisé tout au long de son intervention que la perception de l’homoérotisme diffère entre la culture chinoise et la culture occidentale. Ensuite, monsieur Zhao s’est penché sur la représentation de l’homosexualité dans la littérature chinoise. Il existe trois récits2 issus de la culture orale de la Chine ancienne, qui exposent une histoire d’amour entre deux hommes, une histoire d’amour représentative de discriminations sociales. Effectivement, l’homo sexualité est illustrée par une dimension érotique principalement, représentant l’amant comme soumis au pouvoir du supérieur. Yangjie Zhao a par la suite abordé la traduction française d’André Lévy datant de 1997 afin d’analyser le recueil intitulé Épingle de femme sous le bonnet viril : Chronique d’un loyal amour. Analyser le texte originel et sa traduction a notamment permis à monsieur Zhao d’observer les différences de perception de l’homo sexualité entre culture chinoise et culture française. Les histoires d’amour des nouvelles de ce recueil sont notamment caractérisées par la notion de qing, pouvant signifier à la fois l’amour, l’amitié ou la parenté et l’affectation familiale. Dans la nouvelle intitulée Chronique d’un loyal amour, le narrateur indique que les deux personnages tombent amoureux pour le qing, le mot est donc compris comme désignant l’amour dans le cadre de cette histoire. L’auteur de la nouvelle ajoute même que ces deux protagonistes apportent honneur et gloire à l’homoérotisme masculin puisque le qing va leur permettre de créer une relation authentique. Il s’agit dans ce récit d’une histoire d’amour entre un étudiant et un jeune académicien. L’on retrouve une dynamique similaire à celle des légendes citées précédemment puisqu’il y existe des rapports de pouvoir entre les deux amants. Cependant, cette histoire se différencie des légendes car l’académicien n’utilise pas son pouvoir à des fins cruelles. Au contraire, il se métamorphose en étudiant pour pouvoir se rapprocher de son amant, abandonnant ainsi temporairement sa supériorité. D’après Yangjie Zhao, cette nouvelle libère la notion du genre entre homme et femme dans la littérature issue de la Chine ancienne. Après avoir étudié cette nouvelle, Yangjie Zhao a également analysé les effets produits par la traduction française réalisée par André Lévy. En français, le qing n’est pas traduit littéralement comme une « raison mystérieuse des sentiments » mais par la notion d’amour tout simplement. La traduction d’André Lévy est plus explicite et hétérogenrée selon Yangjie Zhao. Par exemple, là où le récit originel métamorphose l’homme en femme par le pouvoir du qing, André Lévy mobilise des vertus féminines afin d’exposer l’un des membres du couple comme un homme jouant le rôle sexuel de la femme. Cette théâtralité préserve donc une vision binaire et hétérogenrée de cette relation homo sexuelle. En conclusion, Yangjie Zhao est revenu sur la promotion actuelle de cette nouvelle comme « une utopie arc-en-ciel », une appellation qui n’est pas pertinente selon lui. Cependant, il estime que cette nouvelle est tout de même importante puisqu’elle introduit de nouvelles dimensions qui permettent de faire réfléchir les lecteurs sur les affects homoérotiques dans la société chinoise.

Après la pause déjeuner, nous avons eu le plaisir d’accueillir madame Agustina Mattaini de l’Université de Lille. Agustina Mattaini travaille sur les expériences affectives de subversion des normes sexuelles et de genres établies au 20e siècle en Argentine. Elle étudie plus précisément l’œuvre de José Sbarra, un auteur dont le travail est mis en valeur à travers sa présentation intitulée : « Quand la littérature nous met mal à l’aise : l’ironie comme affect dans l’œuvre de José Sbarra ». José Sbarra (1950-1996) est un auteur qui s’est essayé à divers types d’écriture, il a en effet écrit des pièces de théâtre, des bande dessinées et également des romans. La littérature de cet auteur a été revalorisée à partir des années 2000 d’après Agustina Mattaini. Les caractéristiques de son processus d’écriture comme : un langage cru ou encore une esthétique carnavalesque sont les raisons pour lesquelles la généalogie littéraire de José Sbarra est qualifiée de « bâtarde ». L’intervention d’Agustina Mattaini avait donc pour but d’étudier la littérature de José Sbarra mais en particulier l’utilisation du concept de l’ironie chez l’auteur. José Sbarra utilise la dimension affective de l’ironie afin d’obliger ses lecteurs à un travail d’interprétation quant aux injustices de pouvoir dénoncées dans les écrits de l’auteur. Afin d’observer l’affinité entre ironie et discours littéraire dans le travail de José Sbarra, Agustina Mattaini a par la suite analysé trois romans de l’auteur intitulés : Marc, La Sucia Rata, Plástico Cruel et Bang Bang. À travers l’étude de l’usage de l’ironie dans chaque roman, Agustina Mattaina a notamment pu mettre en valeur chaque problématique dénoncée dans chacun des écrits. Par exemple, Marc, La Sucia Rata dénonce les violences policières tandis que Bang Bang met en lumière le contrôle des corps féminins dans la société actuelle. D’après Agustina Mattaini, ce qu’elle désigne comme la plume Sbarrarienne remue le couteau dans la plaie des violences capitalistes. Ainsi, José Sbarra utilise ses traumatismes pour construire une poétique politique précaire certes, mais dénonciatrice. En conclusion, Agustina Mattaini s’est exprimée sur la position d’outsider de cet auteur lors de divers échanges avec l’auditorat de cette journée d’étude.

La deuxième intervention de l’après-midi a été donnée par monsieur Valentín Finol, doctorant à l’Université de Bretagne Occidentale. Valentín Finol travaille sur les représentations de subjectivités gays et coloniales dans la littérature vénézuélienne contemporaine, son intervention était intitulée : “On ne dirait pas le sud : Imaginaires, altérité et affects dans la littérature gay vénézuélienne”. Selon Valentín Finol, les auteurs vénézuéliens sont, contrairement à l’idéologie de José Sbarra qui participe à une contre-culture, très conservateurs aujourd’hui. Il existe des œuvres littéraires qui illustrent l’histoire de personnages homo sexuels, cependant, monsieur Finol nous a expliqué que les sujets gays de ces livres peinent à tisser des liens affectifs et émotionnels avec d’autres personnes. De plus, il nous a expliqué que ce type de récit peine à proposer des idées qui permettent d’échapper à une stigmatisation raciale. Le corpus de cette présentation était composé de trois livres intitulés : Pájaro de mar por tierra (Isaac Chocrón, 1972), Percusión (José Balza, 1982) et Voces al atardecer (Francisco Rivera, 1990). Ces trois livres sont importants dans la littérature gay vénézuélienne. Par exemple, Pájaro de mar por tierra est le premier livre vénézuélien dans lequel le personnage principal est homosexuel. Par ailleurs, le roman Percusión est le premier ouvrage dans lequel le désir et l’ambiguïté sexuelle sont des notions importantes dans l’histoire du protagoniste. Cependant, les trois auteurs que Valentín Finol a étudiés ne sont pas des militants dans un domaine politique ou social. En effet, monsieur Finol nous a expliqué que les trois récits de son corpus ne transmettent aucune dimension politique puisqu’il ne s’agit pas de connaître la manière dont les sujets homosexuels peuvent être compris autrement dans un contexte social. D’après Valentin Finol, ces trois histoires sont un moyen pour ces auteurs d’observer le monde social à travers l’idéologie de la normalité. Par exemple, dans Pájaro de mar por tierra. le protagoniste se prénomme Miguel mais lorsqu’il part étudier aux États-Unis, il souhaite se faire appeler « Mikey ». Sous cet alter-ego blanc, le personnage a une sexualité foisonnante tandis que lorsqu’il se prénomme Miguel, le personnage est victime de domestication à la fois sexuelle et socio-économique. À travers l’étude de ces romans, Valentín Finol a pu nous expliquer que la blancheur était associée à la beauté dans ces romans vénézuéliens. Dans ces romans, l’homosexualité est traitée dans un environnement toxique où le protagoniste est embarqué dans une spirale d’auto-destruction. Par ailleurs, l’homosexualité est illustrée comme un phénomène de perversion qui renforce une pré-dominance, notamment ethnique dans la littérature vénézuélienne. En conclusion, Valentín Finol nous a exprimé que la colonisation se construit sur ces exemples de racialisation visibles dans les romans. Enfin, Valentín Finol a conclu sa présentation en précisant que la représentation de l’homosexualité dans la littérature vénézuélienne expose à la fois une diversité sexuelle mais invoque une dimension politique également.

La dernière intervention de cette journée d’étude a été dispensée par Amélie Aubert-Noël, docteure et enseignante à l’Université de Lille. Cette présentation intitulée : « Deux autrices italiennes en miroir, entre effusions de larmes et assèchement émotionnel : une lecture écoféministe de quelques romans d’Anna Maria Ortese et de Laura Pugno » se concentrait sur la dimension féministe de cette journée. Dans le cadre de ses recherches, Amélie Aubert-Noël travaille sur la littérature contemporaine italienne et plus précisément l’écoféminisme. Afin de développer ses thématiques lors de la journée d’étude, madame Aubert-Noël a choisi deux auteures de son corpus pour leurs tonalités affectives. La première auteure, Anna Maria Ortese, a rédigé divers écrits comme des romans, des poèmes, des nouvelles mais aussi des écrits théoriques. Selon Amélie Aubert-Noël, Anna Maria Ortese a une écriture dite « féminine » puisqu’elle recourt à l’utilisation des émotions voire de concepts plus forts comme le pathos. En ce qui concerne le traitement des émotions, l’écriture de Pugno est, selon madame Aubert-Noël d’ordre « masculine3 » puisqu’elle fait preuve d’une « aridité affective4 ». Tout d’abord, madame Aubert-Noël a débuté sa présentation avec une définition de l’écoféminisme, un concept théorisé par Karla Armbruster5. D’après Amélie Aubert-Noël, l’écoféminisme désigne une lutte contre diverses formes d’oppressions telles que le patriarcat ou la dégradation de l’environnement. Ensuite, Amélie Aubert-Noël a analysé la portée écoféministe des œuvres de ces deux auteures. Elle a débuté par les écrits d’Anna Maria Ortese. Dans le cadre de sa présentation, madame Aubert-Noël s’est concentrée sur trois romans d’Ortese intitulés : L’iguana, Il Cardillo Addolorato et Alonso e visionari. Ces romans se rassemblent autour d’un point central : le traitement des émotions. De plus, dans chacun des romans d’Anna Maria Ortese ce sont les personnages masculins qui pleurent sur le sort d’êtres faibles qu’ils souhaitent protéger. Il s’agit de ce qu’Amélie Aubert-Noël dénomme l’éthique du care, un concept qui participe à une lecture écoféministe puisqu’elle met en valeur l’expression d’une sensibilité provoquée par un devoir moral. Ensuite, Amélie Aubert-Noël nous a présenté le travail de Laura Pugno et notamment la dimension anti-émotionelle qui se ressent dans son écriture. Pour cela, Amélie Aubert-Noël a analysé l’un des romans de Pugno intitulé Sirènes. Dans cet ouvrage, Laura Pugno se concentre sur la domination implicite des femmes dans la société contemporaine. Pour cela, elle utilise une métaphore animale en comparant le sort des femmes à celui des animaux abattus afin de satisfaire la surconsommation de viande de chaque citoyen. La dimension écoféministe de ce roman repose essentiellement sur la présence d’êtres hybrides (entre animal et humain). Pour conclure, Amélie Aubert-Noël a terminé sa présentation en précisant que l’émotivité d’Ortese fait partie intégrante d’une dimension utopique dans ces romans tandis que Pugno utilise une certaine insensibilité dystopique et totalitaire dans sa dénonciation.

En conclusion, cette journée des axé.e.s était destiné à analyser les représentations queer et féministes dans la littérature. Le domaine d’étude de l’axe 1 « Poïétique et Politique » a permis aux intervenants d’étudier les implications et l’impact politique des œuvres littéraires étudiées lors de cette journée. En ce qui concerne l’axe 2 intitulé « Genres, Féminisme(s) et Intersectionnalité », le domaine d’étude a permis aux doctorants d’explorer les questions relatives au genre et les représentations queer et féministes dans la littérature. L’ensemble des ouvrages étudiés présente une diversité au niveau des temporalités des œuvres6. Le panel d’œuvres étudiées lors de cette journée présente également une diversité culturelle. En effet, les représentations queer et féministe(s) ont été étudiées à travers la langue française, anglophone, chinoise, italienne et espagnole. Ainsi divers liens culturels ont été effectués, lors de cette journée d’étude, démontrant la portée interculturelle des représentations queer et féministes.

1 Robin Morgan (1941-) est une autrice active au sein de divers mouvements tel que le mouvement des droits civiques ou encore le féminisme. Durant les années 1970, Robin Morgan était politiquement associée au mouvement de la new left. Cependant, elle a quitté ce mouvement d’extrême gauche qui a été critiqué par certaines féministes à cause de la domination persistante des hommes. Robin Morgan se définit comme une féministe radicale pour qui le rôle du langage est important. Son premier recueil de poèmes, intitulé Monster, a été publié en 1972. Elle a par la suite écrit d’autres recueils (le dernier en date remonte à 2023).

2 Ces histoires s’intitulent : Longyang, Duan Xiu (manche coupée) et Fen Tao (pêche partagé).

3Terme utilisé par Mme Aubert-Noël dans la cadre de sa présentation.

4Ibid.

5Elle définie ce mouvement comme : « une conviction générale qu’il existe d’importantes connexions entre l’oppression des femmes et la destruction et le mésusage de la nature non-humaine ». Armbruster, Karla. Ecofeminist literary criticism. Theory, interpretation, pedagogy. University of Illinois Press : Champaign, 1998.

6Les œuvres étudiées lors de cette journée d’étude datent de la Chine ancienne du dix-septième siècle jusqu’à des œuvres plus contemporaines datant de 2020.

Compte-rendu écrit par Millie Mahieu.

Je remercie les intervenants qui m’ont transmis leurs diaporamas afin de les mettre en complément de ce compte-rendu: Marie-Aubert Noel et Yangjie Zhao.

26/01/2024: Journée d’étude “Dire, écrire, traduire les affects – enjeux queer et féministes” de l’Axe 2 “Genres, Féminisme(s) et Intersectionnalité” en collaboration avec l’Axe 1 “Poïétique et politique”.

Nous sommes ravis de vous annoncer que la prochaine journée d’étude intitulée “Dire, écrire, traduire les affects- enjeux queer et féministes” et organisée par l’Axe 1 “Poïétique et Politique” en collaboration avec l’Axe 2 “Genres, Féminisme(s) et Intersectionnalité” aura lieu le vendredi 26 janvier de 9h45 à 16h, sur le campus de Pont de Bois à la Maison de la Recherche (salle FO.13).

Voici le programme de cette journée d’étude:

9h45 – accueil
10h15 – 12h30 : session du matin

10h15. Gaëlle Charton, Université de Lille : “De la difficulté de rendre les nuances de genre dans Frankenstein de Mary Shelley”

11h. Clara Joubert, Université de Lille : “Queeriser le regard de l’artistE : écrire et traduire l’entresoi féminin avec Robin Morgan (1972-1976)”


11h45. Yangjie Zhao, École normale supérieure – Université Paris sciences et lettres (ENS-PSL) : “Épingle de femme sous le bonnet viril (弁而钗 Bian er chai): dialogue entre qing (情) et affects queer” 


12h30 – 13h30: déjeuner
13h30 – 16h : session de l’après-midi

13h30. Agustina Mattaini, Université de Lille : “Quand la littérature nous met mal à l’aise : l’ironie comme affect dans l’œuvre de José Sbarra (Argentine)”

14h15. Valentín Finol, Université de Bretagne Occidentale : “On ne dirait pas le sud: Imaginaires, altérité et affects dans la littérature gay vénézuélienne” 

15h. Amélie Aubert, Université de Lille : “Deux autrices italiennes en miroir, entre effusions de larmes et assèchement émotionnel : une lecture écoféministe de quelques romans d’Anna Maria Ortese et de Laura Pugno”

Nous espérons vous y trouver nombreux.ses !

Hélène Cottet, Claire Hélie, Sophie Musitelli, avec l’aide de Paola Jugon et Millie Mahieu pour l’Axe 1.

Cédric Courtois et Antoine Rodriguez pour l’Axe 2.

05/12 – Anne-Florence Quaireau (Université d’Angers) – “Le Féminin en partage : le voyage au Canada d’Anna Jameson”

Nous avons eu le plaisir d’accueillir Anne-Florence Quaireau à l’université de Lille, pour une communication intitulée « Le Féminin en partage : le voyage au Canada d’Anna Jameson ». Anne-Florence Quaireau est maîtresse de conférence à l’Université d’Angers où elle enseigne la littérature britannique et la traduction. Spécialiste du récit de voyage féminin, sa thèse a remporté le prix de la société d’étude de la littérature de voyage anglophone en 2021, et a été finaliste du prix de la SAES en 2023. Anne-Florence a été secrétaire de la SELVA (Société d’étude de la littérature de voyage du monde anglophone) pendant plusieurs années et co-dirige actuellement un dossier sur l’exception dans la littérature de voyage. Sa présentation portait sur deux ouvrages : sa thèse publiée en 2022 qui partage le nom de sa communication, et le récit de voyage sur lequel elle a travaillé, Winter Studies and Summer Rambles in Canada d’Anna Jameson — en plus de s’appuyer sur un carnet de soixante dessins réalisés par l’autrice. À travers ce corpus multiple, Anne-Florence Quaireau a analysé comment le personnage mis en scène pouvait se mêler avec le politique, dans une époque tiraillée entre l’ère géorgienne et l’ère victorienne.

À travers son travail de thèse, Anne-Florence Quaireau s’attache à montrer comment, en accédant à une liberté de mouvement peu commune en son temps, Anna Jameson acquiert une licence et un prétexte pour s’exprimer. Dans ce lieu géographique mouvant et littéraire, l’autrice se réinvente et transforme son identité, et par l’insertion d’une dimension politique dans ses propos, elle contribue à redéfinir les contours de la condition féminine à son époque. Le récit de voyage permet également de développer une conception de l’identité en évolution constante, qui s’élabore à travers l’écriture mais aussi à travers sa lecture par ses compatriotes.

Anne-Florence Quaireau a commencé son préambule par une définition du récit de voyage, ou plutôt, par nous exposer les difficultés à définir ce genre. La tension entre la fiction et la non-fiction (savoir s’il faut inclure dans les récits de voyage tous les récits imaginaires ou imaginés) divise en effet les spécialistes — une discussion qui n’est pas pertinente pour le cas d’Anna Jameson puisqu’elle a véritablement voyagé. Cependant, Anne-Florence Quaireau insiste sur la naïveté dont il faut faire preuve pour croire que les récits de non-fiction n’ont pas recours à des procédés narratifs et stylistiques littéraires ; la non-fiction peut elle aussi être synonyme d’invention et de réinvention. De la même manière, il ne faut pas adopter un point de vue anachronique pour évoquer le récit de voyage : aux XVIIIe et XIXe siècles,  il s’agissait d’un genre littéraire majeur en termes de vente.

Le voyage décrit par Anna Jameson s’est déroulé de 1835 à 1837, à un moment de bascule entre deux époques, ce qui place Jameson dans ce flou entre l’héritage du romantisme et la littérature victorienne, notamment en ce qui concerne « the woman question ». Un nouveau marché éditorial s’ouvre avec le développement de l’imprimerie et une plus grande alphabétisation de la société.

Anne-Florence Quaireau s’est ensuite attachée à nous présenter Anna Jameson, que Ray Strachey désigne comme « l’idole de milliers de jeunes femmes » à son époque. Née en Irlande en 1794 d’un père peintre de miniatures, elle put bénéficier d’une éducation artistique importante. Même s’il était reconnu, son père ne gagnait pas beaucoup d’argent, ce qui mena à la chute financière de sa famille. Le manque d’argent resta une constante dans sa vie et influença ses choix d’écriture dans la mesure où elle avait besoin de vendre des livres pour subvenir à ses besoins. En plus d’écrire des récits de voyage, Anna Jameson est reconnue pour Characteristics of Women (1832), des études de personnages féminins dans l’œuvre de Shakespeare et des écrits militant pour l’éducation des femmes de toutes classes sociales.

Mme Quaireau a ensuite replacé le récit de voyage dans son contexte : Anna Jameson vivait séparée de son mari presque depuis le jour de son mariage puisque Robert Jameson travaillait dans d’autres pays, mais en 1836, il lui demanda de venir au Canada afin qu’il puisse obtenir une promotion. De ce fait, Anna Jameson quitta l’Allemagne en octobre et, après un mois de traversée — qui n’est pas évoqué dans le récit —, elle arriva à New-York, puis fit la route seule jusqu’à Toronto. Déçue par la ville qu’elle jugeait provinciale, Jameson se réfugia dans la littérature allemande qu’elle commenta dans la première partie du récit et resta cloîtrée chez elle pendant plusieurs mois, avec une courte exception pour se rendre aux chutes du Niagara, qu’elle jugea décevantes également :

What has come over my soul and senses?—I am no longer Anna—I am metamorphosed—I am translated—I am an ass’s head, a clod, a wooden spoon, a fat weed growing on Lethe’s bank, a stock, a stone, a petrifaction,—for have I not seen Niagara, the wonder of wonders; and felt—no words can tell what disappointment![1]

[1] Jameson, Anna. Winter Studies and Summer Rambles in Canada, Saunders and Otley, 1838, Vol.1, 83.

Cette description hyperbolique des effets qu’ont les chutes du Niagara sur la narratrice rend bien compte de l’affinité que Jameson avait avec l’œuvre de Shakespeare (« I am translated » fait référence à A Midsummer’s Night Dream, tandis que les autres expressions sont tirées d’Hamlet et d’Othello). Son trait d’humour reflète une posture commune chez les voyageuses pour qui il est complexe de s’approprier au premier degré les attitudes masculines (ici la déception face aux chutes, qui était devenue un topos). Ce style ironique effectue un détournement qui place l’attention du lecteur sur le narrateur, et non plus sur les chutes décevantes qu’elle était venue voir.

Cette mort symbolique amena par la suite une renaissance qui prit la forme d’un voyage de deux mois dans la région des Grands Lacs, pour rencontrer des femmes autochtones. Son récit prend place au discours direct et d’une manière très théâtralisée, et à l’issue de celui-ci, la narratrice arrive à la conclusion affligeante que les colons sont dénués de culture. En s’intéressant à des terres plus reculées, nous explique Anne-Florence Quaireau, Anna Jameson s’inscrit dans les récits d’exploration des terres sauvages et, par le biais d’une femme métisse qu’elle rencontre, elle fait la rencontre des populations anichinabées. Dans une volonté de « faire vrai », Anna Jameson décrit sa descente des rapides en canoë d’une façon romanesque, et son héroïsme fut même reconnu par ses compatriotes au sein du récit, même si des témoignages réels auraient avancé que la descente n’était pas si dangereuse, et surtout, que Jameson n’avait pas été « adoptée » pas les Anichinabées ; c’est plutôt elle qui aurait insisté pour recevoir un « nom d’Indienne ».

Pour achever la présentation du voyage, Mme Quaireau fit référence au récit de captivité, un genre très apprécié de la fin du XVIIe à la fin du XIXe, et dont l’objectif principal est de raconter l’expérience d’individus européens ou africains capturés par des Indiens. Le récit passait donc par une phase d’initiation et se terminait par la transformation du personnage principal lorsqu’il rentrait chez lui. L’histoire d’Anna Jameson ne dérogea pas à cette tendance, notamment à travers une scène développée par l’intervenante : alors dans un canoë pour rejoindre Toronto, une barque serait surgie de la brume, à l’aube, pour annoncer aux passagers que le roi Guillaume IV était mort, et que la reine Victoria était montée sur le trône. Le récit introduit une corrélation entre cette annonce et la levée du soleil sur la scène, avec un troisième effet de miroir qui se crée par rapport à la propre histoire de l’autrice — il s’agit en effet de la renaissance d’Anna Jameson puisque son mari accepte de signer les papiers indiquant qu’ils vivent séparément.

Par la suite, Anne-Florence Quaireau est revenue sur le titre de sa thèse, « Le Féminin en partage » : elle explique cela comme une mise en commun, une volonté de réinventer le féminin individuellement et collectivement. Puisque les femmes ne peuvent pas s’exprimer de la même façon que les hommes, écrire un récit de voyage oblige Anna Jameson à utiliser des stratagèmes pour s’inscrire dans ce genre masculin ; ainsi, au lieu de raconter une bataille sanglante, Jameson parle d’un combat épique contre des moustiques, ou parle avec humour des risques qu’elle se fasse manger par un ours. Cette métamorphose de la femme assignée à résidence à la femme qui voyage donne donc une portée plus large à l’écriture de son    identité ; elle semble proposer un nouveau type de personnage féminin et s’offre comme sujet d’expérimentation. Sa condition de femme la force à passer par des digressions pour aborder des sujets politiques comme la prostitution, là où des hommes auraient pu le faire directement sans susciter un scandale.

Pour revenir à la notion de construction collective du féminin, Anne-Florence Quaireau affirme la volonté de Jameson de construire un pont entre les Anichinabées et les Britanniques. En effet, l’autrice n’est pas dans la généralisation à outrance, ce qui peut notamment être observé à travers les dessins de son voyage. La spécialiste s’est penchée à de plusieurs reprises sur les illustrations d’Anna Jameson, invoquant les notions d’Edmund Burke pour affirmer que le sublime et le beau semblaient pouvoir coexister dans la nature canadienne : Jameson remplace la dualité par la binarité. Alors que la plupart des artistes s’obstinait à évoquer et à représenter les chutes de Niagara — que l’autrice ne trouve finalement pas si décevantes, — Jameson leur préfère l’horizontalité des rapides.

Crédit : flickr.com

Anna Jameson, The Rapids Above Niagara from the Burning Spring, 1837

En guise de conclusion, il est important de rappeler qu’Anne-Florence Quaireau s’est efforcée de mettre l’accent sur les positions féministes d’Anna Jameson ; si elle se « vantait » d’avoir été la première femme à faire un tel voyage seule, elle souhaitait en fait ouvrir la voie pour les autres. Son œuvre incite à une liberté de mouvement qui se démocratisera au fil du XIXe siècle avec le développement des transports.

Nous vous invitons à consulter le carnet de l’axe 3 pour retrouver les comptes rendus des manifestations passées : https://axe3cecille.hypotheses.org/


Compte rendu écrit par Paola Jugon

8/12/2023: Journée d’étude “Généalogies américaines” (2023/2024) du séminaire de l’aire “Les Amériques” en collaboration avec l’Axe 1 “Poïétique et politique”. “Histoires policières, archives judiciaires et carcans linguistiques”

Nous avons eu le plaisir d’accueillir plusieurs intervenants lors de la journée d’étude organisée par l’axe 1 « Poïétique et Politique » en collaboration avec l’aire « Les Amériques » le vendredi 8 décembre à l’Université de Lille. Cette journée d’étude était intitulée : “Histoires policières, archives judiciaires et carcans linguistiques”. Cette première journée était destinée à l’étude des généalogies de divers espaces américains. Le rôle de textes comme le roman policier ou encore des archives judiciaires comme révélateurs de catégories sociales américaines a notamment été traité par plusieurs intervenants. Par ailleurs, le statut d’institutions telles que la police ou l’espace carcéral en tant que révélateur de strates dominantes ou culturelles a également été un sujet abordé lors de cette journée d’étude.

Tout d’abord, nous avons eu le plaisir d’accueillir Mario Alvarez et Daniel Ramírez pour une première intervention intitulée : “De l’archive policière au fait divers : regards croisés entre histoire et littérature, Nouvelle Grenade (18e siècle) et Mexique. Mario Alvarez est doctorant au sein de l’Université Paris Nanterre, son travail s’articule autour de l’écriture de la violence dans la poésie ultra contemporaine mexicaine. Daniel Ramírez, doctorant également au sein de l’Université de Lille, travaille sur la période coloniale dans l’Amérique espagnole et plus particulièrement sur la zone de la Nouvelle Grenade1. Ces deux doctorants sont venus nous présenter une analyse croisée entre leurs deux disciplines : l’histoire et la littérature. Leur problématique générale était donc la suivante : Dans quelle mesure les disciplines historiques et littéraires peuvent-elles produire, à partir des documents d’une nature et d’une thématique semblables, des savoirs spécifiques, disciplinaires mais non excluants et pourtant capable d’interagir entre eux ? Après une présentation de leur projet, messieurs Ramírez et Alvarez nous ont présenté les outils théoriques avec lesquels ils travaillaient. Tout d’abord, un premier ouvrage a été mentionné. Il s’agit d’un livre écrit par Alfonso Rubio intitulé : La escritura del archiva. Recursos simbolicos y poder practico en el Nuevo Reino de Granada2. Ce premier document leur a permis d’analyser à la fois le poids historique des archives et l’aspect performatif de la littérature. Un deuxième ouvrage s’intitulant Structure du fait divers3 leur a offert l’opportunité d’analyser la fonction narrative du fait divers, autrement dit, la façon dont on peut construire un récit ordinaire afin de le rendre extraordinaire. De plus, messieurs Ramírez et Alvarez nous ont expliqués que le fait divers se présentait de manière spécifique avec un but précis : celui de rendre compréhensibles les comportements déviants de la société. Pour cela, l’importance de la narration est capitale afin d’étudier les raisons pour lesquelles un attrait pour le roman policier est possible. C’est une problématique évoquée par Laetitia Gonon dans son ouvrage : Le roman du discontinu : la mise en récit du fait divers4, œuvre également travaillée par les deux intervenants. Ensuite, chaque doctorant nous a présenté une étude de cas. L’étude de cas de Daniel Ramirez est composé d’un corpus de trois documents d’archives5. Le premier document est une pétition demandant l’interdiction d’une boisson appelée chicha au sein du village de Guateque en 1799. Un deuxième document est une proposition rédigée par un administrateur local qui reprend un discours alarmant sur des meurtres a priori provoqués par la consommation de la boisson en question. Le troisième document du corpus était une enquête judiciaire, plus précisément les procès judiciaires des auteurs présumés des meurtres. A travers ce corpus de trois documents, Daniel Ramírez s’est penché sur la méthodologie d’écriture utilisée afin d’identifier les acteurs du processus de la mise en écrit d’un fait social devenu fait judiciaire : les porteurs de plainte, les témoins, les victimes et auteurs présumés ainsi que le procureur agissant également comme écrivain. Toutes les informations collectées grâce à ces « acteurs » permettent une écriture de la société en tant que fait divers. L’étude de cas de Mario Alvarez repose sur un poème écrit par Christina Rivera Garza intitulé : País de sombra y fuego (2010). Dans ce texte, Christina Rivera Garza a lié matérialité des archives avec matérialité poétique. En effet, la poétesse a fait le choix d’inclure des extraits d’articles de presse traitant du fait divers ou encore les voix de policiers, tout ceci entrelacé avec ses propres mots lyriques6. Ce qui a semblé très intéressant pour Mario Alvarez, c’est la construction de ce poème entre texte littéraire et texte historique. De plus, l’accent est mis sur l’interlocuteur qui perçoit le fait divers dans ce poème7, chose essentielle dans le domaine littéraire selon lui. En conclusion, Mario Alvarez et Daniel Ramírez tenaient à analyser des documents officiels avec une démarche similaire de manière à démontrer tout d’abord que la littérature et l’histoire étaient complémentaires. Puis, l’étude de ces documents permet de relever le fait que la société est elle aussi responsable du sort de la victime de par sa constitution. La littérature est synonyme de quête mémorielle où l’usage du langage tente de rendre justice aux victimes. Par l’emploi de ces objets poétiques mélangeant les propos d’une communauté, un écrit historique d’une nature autre que les archives peut être constitué. Cette première intervention s’est terminée par un commentaire effectué par madame Véronique Hébrard de l’Université de Lille. Lors de ce commentaire final, l’accent a été mis sur les divergences visibles entre les deux champs de recherche mais aussi le fait qu’ils peuvent être réunis en un seul point d’ancrage : des documents à visée judiciaire et policière. La théâtralité des travaux écrits avec la mise en scène (parfois romanesque) de ces faits sociaux a également été soulignée par madame Véronique Hébrard qui met également en exergue le fait que le romanesque est également présent dans les archives de type judiciaire, dans le même temps que la littérature fait intervenir « le réel ».

Ensuite, nous avons eu le plaisir d’accueillir Marine Poirier lors d’une séance intitulée : “Policial, policíaco: de multiples voies pour construire un genre. Exploration sémantique d’une alternance suffixale”. Marine Poirier est maîtresse de conférence à Lille et linguiste. Elle travaille sur les fondements linguistiques du signifiant dans la langue hispanique. Lors de cette séance, Marine Poirier nous a présenté un travail qu’elle mène dans le cadre d’un projet de création de dictionnaire de la fiction policière8. Tout d’abord, l’intervention a débuté par une présentation du sujet. Cette présentation avait pour but de s’interroger sur les divergences entre les termes « policial » et « policíaco », deux dénominaux issus d’une dérivation du mot « policia ». Malgré cette origine commune, l’analyse linguistique de Marine Poirier démontre que ces deux termes peuvent être dissociés de par la signification dont ils attestent pour un locuteur. Dans la cadre de l’étude de Marine Poirier, un signifiant constitue alors une conception précise pour le lecteur. Marine Poirier nous a présenté par la suite, le corpus d’outils qu’elle utilise dans le cadre de son projet comme par exemple : CREA (Corpus de Referencia del Español Actual), CORPES XXI (CORpus del ESpañol del siglo XXI), le site Google ou encore le Nuevo Tesoro Lexicográfico9. Dans un premier temps, Marine Poirier s’est penchée sur la répartition des termes désignés comme l’échec d’une tentative de simplicité. Il a souvent été dit que l’adjectif « policial » était utilisé en Amérique Latine et l’adjectif « policíaco » en Espagne (excepté pour la littérature et le cinéma). Ces suppositions sont contestées par l’utilisation du corpus qui démontre que les deux termes sont utilisés du côté espagnol et Latino-Américain. D’après un tableau de résultats qui nous a été présenté, Marine Poirier a démontré que ces substantifs ne peuvent pas être dissociés avec la manière dont ils sont utilisés. En effet, la réaction produite par le signifiant « policial » ne sera pas la même que celui produit par « policíaco ». Marine Poirier a utilisé un autre exemple issu de la culture française afin d’illustrer son hypothèse. Il existe dans le vocabulaire français, deux noms utilisés pour définir un même fruit. Tantôt appelé « brugnon » ou « nectarine », le débat linguistique provoqué autour de ce fruit est de la même nature que celui qui est provoqué par les adjectifs « policial » et « policíaco ». Le terme de « nectarine » est plutôt utilisé dans un contexte commercial car ce terme renvoie à des caractéristiques qui rendent le produit plus vendeur. Ainsi, deux signifiants (policial et policíaco) sont susceptibles de renvoyer au même référent (policial) mais ne produisent pas forcément le même effet. Dans un second temps, Marine Poirier s’est donc penchée sur une étude historique comparative et lexicographique afin d’observer les usages des substantifs « policial » et « policíaco » à travers le temps. Le terme « policial » a tout d’abord été utilisé lors des années 1860 dans des journaux traitant de la péninsule ibérique. Ce mot a ensuite été utilisé dans son sens contemporain10 à partir de 1853. Une alternance avec le terme « policíaco » était déjà visible car ce terme a également été enregistré en 185311. À partir des années 1914, le terme de « policíaco » est utilisé afin de désigner un agent de police de manière péjorative, instaurant un regard méprisant envers les policiers. Ce substantif sera utilisé de cette manière jusqu’au milieu des années 1980. Cette étude historique démontre qu’un simple suffixe peut changer la fonction grammaticale d’un mot. En effet le suffixe -al est neutre tandis que le suffixe -aco introduit d’ores et déjà une dimension subjective au mot. Marine Poirier en a conclu qu’il y a donc une répartition entre l’institutionnel et la représentation qu’un locuteur se donne du terme, chose qui semble toujours d’usage aujourd’hui entre les termes « policial » et « policíaco ». Marine Poirier a testé cette théorie en cherchant les termes sur internet. Avec le mot clé de recherche « policial » des images d’agents de polices communs apparaissent sur l’écran. Seulement, avec le mot clé « policíaco », des photos représentant des drames apparaissent sur l’écran. Cette expérience témoigne des différences des connotations sémiotiques associées à ces deux signifiants. Ensuite, une troisième partie de la présentation était destinée aux dialectiques littéraires entre « novela policial » et « novela policíaco ». Le terme « policial » a été exposé à partir des années 1940 dans une collection de romans policiers. Cet adjectif a été utilisé de manière a rapporté du prestige au roman policier en opposition au roman noir plus sanglant associé à l’adjectif « policíaco ». Le choix de la dénomination du roman est donc déterminant pour l’éditeur car le regard posé par les lecteurs sera différent selon le substantif utilisé. L’auteur mexicain Alfonso Reyes, a par exemple, exprimé sa préférence pour l’utilisation de l’adjectif « policial » : « Parmi toutes les horribles dénominations qui ont été employées pour un certain genre de roman aujourd’hui plus en vogue que tout autre – roman de mystère, criminel, de détective, policíaca, policial –, c’est cette dernière que je préfère. Les autres, elles paraissent soit dépréciatives, soit limitées, soit inappropriées d’une manière ou d’une autre »12. En conclusion, il y aurait d’un côté « la novela policial » faisant référence à un endroit neutre de l’ordre d’une institution et de l’autre « la novela policíaca » qui tient de l’ordre de la représentation que le locuteur se donne des caractéristiques policières. Marine Poirier a terminé sa présentation par quelques observations d’occurrences complémentaires à cette recherche. Cette deuxième intervention s’est terminée par un commentaire édité par Carlos Conde Romero de l’Université de Lille. Cette dernière observation reposait sur la manière dont cette présentation pourrait refléter la richesse linguistique de l’espace hispanique. En effet, Marine Poirier a acquiescé en ajoutant qu’il y a aussi une diversité pluridisciplinaire avec ce projet qui associe à la fois recherche linguistique, littéraire et historique.

Après la pause déjeuner, nous avons eu le plaisir d’accueillir monsieur Benoît Tadié de l’Université de Paris Nanterre. Benoît Tadié effectue des recherches sur le roman noir, le modernisme américain, l’histoire du polar américain de 1919 à nos jours et la perception de la littérature true crime aux États-Unis. Lors de cette journée d’étude, il venait nous présenter un projet de recherche qu’il vient de débuter sur la littérature true crime aux États-Unis. Tout d’abord, monsieur Benoît Tadié nous a apporté quelques éléments de contextualisation sur la place de la littérature true crime en Amérique coloniale notamment. Benoît Tadié travaille sur le rapport au crime dans un monde littéraire en relation avec les régimes coloniaux dans l’histoire des États-Unis. Sa bibliographie pour ce projet est composée entre autres de l’ouvrage Pillars of Salt, Monuments of Grace, de textes journalistiques ou encore de magazines de true crime datant du vingtième siècle13 (un champ peu exploré pour le moment et sur lequel il souhaitait se concentrer lors de sa présentation). À travers les âges et ce depuis l’époque coloniale, le genre littéraire du true crime représente la nation américaine. Dans un premier temps, Benoît Tadié nous a présenté l’âge des sermons durant lequel le « true crime théocratique »14 fut créée. Dès la période coloniale, les récits true crime étaient présents aux États-Unis. En effet, monsieur Benoît Tadié a développé l’exemple de John Billington, le premier colon condamné à mort pour meurtre. Durant l’époque coloniale, les États-Unis sont encore symbolisés comme « the city upon the hill », en d’autres mots, un exemple de vertu pour le monde entier. Par conséquent, des exécutions telles que celles de John Billington étaient mises en place de façon à protéger la terre promise contre tout péché pouvant porter atteinte au puritanisme de la population. Apparaissent alors les sermons d’exécutions, un type de textes populaires durant le dix-septième et le dix-huitième siècle. Ces textes étaient une forme d’exécution dans le discours. En effet, ces sermons donnés par les pasteurs faisaient trembler les condamnés mais également les personnes qui assistaient aux exécutions. Au fur et à mesure, ce genre de sermons disparaît pour laisser place à des pamphlets plus descriptifs et moins religieux. Ensuite, Benoît Tadié a mentionné notamment l’ouvrage Pillars of Salt écrit par Cotton Mather, un pasteur puritain, en 1699. Dans cet ouvrage, l’auteur va au-delà du simple compte-rendu, il développe sa forme narrative et crée une forte intensité dramatique. C’est la création d’une « mise en place d’une dramaturgie du true crime », un genre narratif basé sur le sensationnel qui va même éclipser l’autorité religieuse auparavant introduite avec ce genre de récit. De plus, Benoît Tadié a remarqué que ce genre de récits offre une voix aux opprimés blancs mais pas aux criminels esclaves. La discrimination raciale, une question qui bouleverse le contexte mondial et américain, était présente dans l’origine même de la littérature true crime. Ensuite, monsieur Benoît Tadié nous a présenté l’âge des magazines true crime durant le dix-neuvième et le vingtième siècle. Cette période a donné lieu à ce que Benoît Tadié qualifie de « true crime démocratique ». Par ailleurs, ce type de récit joue désormais un rôle dans le national. L’un des premiers magazines de true crime est intitulé National Police Gazette et a été publié en décembre 1845. Peu à peu la production de ce type de magazine s’étend grâce aux moyens utilisés par la presse moderne. Ainsi, cette époque était l’âge d’or de la littérature true crime aux États-Unis. Chaque magazine comme Startling Detective Adventures ou Detective (un magazine français inspiré de l’imaginaire américain) illustre ces histoires violentes avec des couvertures angoissantes. De plus, Benoît Tadié nous a expliqué qu’à cette époque, il n’y avait que des juridictions locales, c’est-à-dire que les enquêtes et avis de recherche des criminels étaient mis à disposition dans les journaux. Ainsi, chaque citoyen américain était un acteur du true crime, à l’exception de la communauté afro-américaine dont l’implication dans la recherche criminelle n’est pas mentionnée. A la différence de l’époque puritaine, la littérature true crime ne dépeint plus l’Amérique comme « the city upon a hill » mais comme une communauté où la violence criminelle s’étale aux yeux de tous. C’est un récit profondément noir et démocratique d’après Benoît Tadié. Cette troisième intervention s’est conclue par un commentaire établi par monsieur Xavier Kalck de l’Université de Lille. Lors de ce commentaire, monsieur Kalck a souligné l’aspect communautaire de la littérature true crime durant la période coloniale. En effet, la fascination de la population pour le péché mais également son absence et cet idéal de protection de la « terre promise » mentionné par monsieur Benoît Tadié était un moyen de réunir les populations. Messieurs Benoît Tadié et Xavier Kalck ont également mentionné la généalogie métaphysique du mal et son intérêt socio-critique lors d’un échange.

Dans le cadre d’une quatrième et dernière intervention, nous avons eu le plaisir d’accueillir Naomi Toth de l’Université de Paris Nanterre. Madame Naomi Toth est maîtresse de conférences sur la littérature anglophone et particulièrement le modernisme anglo-américain. Elle travaille également sur l’autrice Virginia Woolf et la question de l’imaginaire de la justice dans les œuvres documentaires contemporaines. Sa présentation avait pour but de nous présenter l’espace carcéral états-unien et sa représentation dans des œuvres d’arts ou encore la poésie documentaire. Tout d’abord, Naomi Toth a débuté son intervention en nous présentant le rôle des œuvres d’art au sein d’un espace carcéral. Il existe ce que l’on appelle des œuvres documentaires (témoignages, enquêtes, reportages) qui prétendent à dire la vérité selon elle. Il existe également des œuvres qui évoquent et dénoncent le fonctionnement de certaines prisons où les droits humains sont bafoués. Ces projets peuvent être à la fois à visée esthétique et politique. Certaines œuvres d’art ont une tendance à renforcer un système mis en place mais des artistes tels que les anciens prisonniers utilisent une démarche artistique afin de dénoncer certaines failles de ce système. Par ailleurs, Naomi Toth s’est penchée sur le fait que les œuvres réalisées par des anciens prisonniers sont de plus en plus mises en valeur de nos jours. Dans un premier temps, une présentation du contexte socio-historique de ces œuvres aux États-Unis a été faite. Madame Naomi Toth a mentionné entre autres, la reconnaissance d’une politique d’incarcération de masse aux États-Unis (par exemple, le taux d’incarcération américain par 100 000 habitants est six fois plus important qu’en France aujourd’hui). Afin de pallier une surpopulation carcérale, un consensus bipartisan a remis en question la gestion de la prison américaine. Depuis les années 2008, la courbe exponentielle de la population carcérale américaine s’est stabilisée. En résumé, cette première partie visait à interroger le fonctionnement du système judiciaire américain dans son ensemble et du traitement de la population carcérale. Dans un second temps, Naomi Toth s’est penchée sur les conditions de la prison, chose qui influence les productions artistiques des anciens détenus. Ensuite, elle a distingué deux types d’œuvres documentaires traitant de l’espace carcéral : les œuvres de témoignages qui utilisent des moyens littéraires ou esthétiques afin de raconter l’expérience de l’incarcération et des œuvres de reprise documentaires, reprenant des productions écrites et visuelles afin de raconter une expérience collective. Puis, madame Naomi Toth nous a présenté trois œuvres réalisées par trois anciens détenus. Le travail de ces trois artistes sont semblables sur deux points centraux. Tout d’abord, ces artistes souhaitent démontrer l’expérience individuelle et collective de l’espace carcéral américain. Ensuite, le succès de ces artistes démontre une transformation de milieu social pour ces anciens détenus. Parmi ces trois artistes, deux hommes (Russell Craig15 et Jared Owens16) ont utilisé les arts plastiques afin d’illustrer leur expérience au sein du milieu carcéral. Le troisième artiste de la sélection faite par Naomi Toth, est Reginald Dwayne Betts, un Américain qui a publié son premier poème A Question of Freedom : A Memoir of Learning, Survival and Coming of Age in Prison (2009) lorsqu’il était encore en prison. Il a par la suite publié plusieurs écrits dans lesquels il met en valeur sa voix et les voix de ses anciens codétenus. Enfin, Naomi Toth tenait à nous présenter les parcours de ces trois artistes qui reflètent un contexte particulier à l’intérieur et en dehors du système juridique américain. Cette dernière intervention s’est terminée par un commentaire donné par monsieur Simon Grivet de l’Université de Lille. Lors de ce commentaire, monsieur Simon Grivet s’est interrogé sur la popularité récente de ces œuvres d’arts et si cela pouvait refléter une sorte de culpabilité de la société américaine. En réponse à cela, madame Naomi Toth a mentionné les trois artistes dont elle a parlé durant sa présentation qui épargnent cette question de culpabilité afin de proposer essentiellement la possibilité d’une nouvelle dimension critique.

En conclusion, lors de cette journée d’étude, divers intervenants ont mis en valeur de rôle de documents judiciaires tels que les archives ou les romans policiers à travers différents espaces américains. De plus, les disciplines de nos intervenants étaient variées ce qui a permis d’analyser le rôle du document judiciaire dans plusieurs domaines intellectuels dans la société américaine. Par ailleurs, même si les disciplines de nos intervenants divergent les unes des autres, elles peuvent être réunies autour d’un même point : leur interculturalité. En effet, malgré une aire géographique commune : les États-Unis, ces différentes interventions ont exposés le rôle du document judiciaire dans différentes cultures reflétant ainsi, la communauté américaine (et son attrait pour les histoires policières) dans son intégralité.

Compte-rendu écrit par Millie Mahieu.

Je remercie les intervenants qui m’ont transmis leurs diaporamas afin de les mettre en complément de ce compte-rendu : Mario Alvarez, Marine Poirier, Daniel Ramírez et Benoît Tadié.

1 la Colombie d’aujourd’hui

2 Alfonso Rubio. La escritura del archivo. Recursos simbólicos y poder práctico en el Nuevo Reino de Granada. Cali, Universidad del Valle, 2014. Des citations issues de l’oeuvre utiles au travail de messieurs Alvarez et Ramírez sont disponibles dans le diaporama mis en pièce jointe de ce compte-rendu.

3 Roland Barthes. 1964. Des citations issues de l’oeuvre utiles au travail de messieurs Alvarez et Ramírez sont disponibles dans le diaporama mis en pièce jointe de ce compte-rendu.

4 Laetitia Gonon. Le roman du discontinu : la mise en récit du fait divers criminel. Issu de : Le fait divers criminel dans la presse quotidienne française du XIXe siècle. Paris,  Presses Sorbonne Nouvelle, 2012. Des citations issues de l’oeuvre et utiles au travail de messieurs Alvarez et Ramírez sont disponibles dans le diaporama mis en pièce jointe de cet article.

5 Archivo General de la Nacion (AGN)

6 L’utilisation de différents types de mise en page (police en gras, police en italique etc.) différencie les différentes voix exprimées dans le poème. Ce texte est disponible dans le diaporama mis en pièce jointe de cet article.

7 Procédé réalisé de part la différentiation des différents intervenants

8Cathy Fourez & Javier Perucho (à paraître), Diccionario de las ficciones policiacas en México (siglos XX y XXI) .

9Toutes ces informations sont disponibles dans le diaporama (slide n° 3) mis à disposition en pièce jointe de ce compte-rendu.

10A partir de cette date, ce terme ne désigne pas spécifiquement une sécurité civile mais un corps d’agent mis en place pour la sécurité civile.

11Par exemple, des articles de journaux traitaient de la violence policière utilisent le terme de « policíaco » dans leurs articles.

12Traduction proposée par Marine Poirier. Disponible dans son diaporama mis en pièce jointe de ce compte-rendu.

13D’autres éléments bibliographiques sont disponibles sur la deuxième slide du diaporama mis en pièce jointe de cet article.

14Journée d’étude ‘Histoires policières, archives judiciaires et carcans linguistiques’. 8 décembre. Université de Lille. Benoît Tadié. « Contre-généalogies criminelles. Réflexions sur la littérature true crime aux Etats-Unis. ».

15Lors de son intervention, Naomi Toth nous a présenté l’autoportrait réalisé par Russell Craig en 2016 dont l’objectif était de « répondre au besoin de représenter la personne hors incarcération ».

16Lors de son intervention, Naomi Toth nous a présenté l’œuvre d’art intitulé Shadowboxing et réalisé par Jared Owens. Cette œuvre d’art a été inspirée d’une autre illustration datant du dix-huitième siècle. À travers ces inspirations, Jared Owens souhaitait faire une analogie entre l’esclavage et l’incarcération de masse de la communauté afro-américaine afin de dénoncer ce qu’il considère comme une strate raciale carcérale.

8/12/2023: Journée d’étude “Généalogies américaines” (2023/2024) du séminaire de l’aire “Les Amériques” en collaboration avec l’Axe 1 “Poïétique et politique”. “Histoires policières, archives judiciaires et carcans linguistiques”

Nous sommes ravis de vous annoncer que la prochaine journée d’étude organisée par l’axe 1 “Poïétique et Politique” en collaboration avec l’aire “Les Amériques” aura lieu le vendredi 8 décembre de 9h45 à 15h30, sur le campus de Pont de Bois dans la salle BO. 553 (Paul Denizot).

Voici le programme de cette journée d’étude:

9h45. Accueil.

10h00. Mario Alvarez (Univ. Paris Nanterre) : Daniel Ramírez (Univ. Lille) : “De l’archive policière au fait divers : regards croisés entre histoire et littérature, Nouvelle Grenade (18e siècle), et Mexique (21e siècle).” Commentaire : Véronique Hébrard (Univ. Lille)

10h45. Naomi Toth (Univ. Paris Nanterre) : “L’espace carcéral dans les arts et la poésie documentaire états-uniens.” Commentaire : Simon Grivet (Univ. Lille)

11h30. Marine Poirier (Univ. Lille) : “Policial, policiaco, policíaco : de multiples voies pour construire un genre. Exploration sémantique d’une alternance suffixale.” Commentaire : Carlos Conde Romero (Univ. Lille)

12h30– 14h00 : pause déjeuner

14h00. Benoît Tadié (Univ. Paris Nanterre) : “Contre-généalogies criminelles. Réflexions sur la littérature true crime aux Etats-Unis.” Commentaire : Xavier Kalck (Univ. Lille)

14h45. Frédéric Sylvanise (Univ. Paris Nord) : “Généalogies linguistiques dans la Renaissance de Harlem : écrire britannique ou américain ?” Commentaire : Hélène Cottet (Univ. Lille)

15h30: Remarques conclusives.

Lors de cette première journée consacrée aux façons de construire la généalogie des espaces américains, on s’attachera aux espaces fermés, espaces de relégation et espaces de ségrégation.

On s’intéressera, d’une part, au rôle du roman policier dans l’élaboration d’une contre-culture littéraire représentative de strates sociales habituellement ignorées, ainsi qu’au rôle des archives judiciaires dans l’exploration de nouveaux modes d’écriture qui font le choix d’y puiser le matériau premier de leur inspiration. L’accent sera également mis sur le rôle du modernisme africain américain dans la construction d’une nouvelle histoire littéraire.

De même, cette journée sera l’occasion d’interroger la façon dont l’archive judiciaire, et la fonction de police qui lui est sous-jacente, rend compte de formes de domination qui s’enracinent dans l’époque coloniale et constituent d’une certaine façon la matrice de ce que l’on nommera plus tard le fait divers. Les différentes contributions s’attacheront pour ce faire à retracer la généalogie de ces « itinéraires » et leur médiatisation dans une presse spécialisée, mais aussi comme matériau d’un nouveau genre littéraire, véritable ethnographie de ces sociétés américaines travaillées par des tensions socio-raciales spécifiques.

Nous espérons vous y voir nombreux·ses.

Hélène Cottet, Claire Hélie et Sophie Musitelli, avec l’aide de Paola Jugon et Millie Mahieu, pour l’axe 1.

Véronique Hébrard et Xavier Kalck pour l’aire “Les Amériques”.

05/12 – Anne-Florence Quaireau (Université d’Angers) – “Le Féminin en partage : le voyage au Canada d’Anna Jameson”

Nous avons le plaisir de vous informer que la prochaine séance de l’Axe 1 “Poïétique et Politique” aura lieu le mardi 5 décembre à 17h, dans la salle B0.553 du campus Pont-de-Bois, à l’Université de Lille.

Nous accueillerons à l’occasion Madame Anne-Florence Quaireau, maîtresse de conférences à l’Université d’Angers, dans le cadre d’une communication intitulée “Le Féminin en partage : le voyage au Canada d’Anna Jameson”.

Cette séance est co-organisée avec l’Axe 3 du laboratoire CECILLE, “Pouvoirs, sociétés, cultures”.

Nous espérons vous y voir nombreux·ses.

Hélène Cottet, Claire Hélie et Sophie Musitelli, avec l’aide de Paola Jugon et Millie Mahieu, pour l’axe 1.

Vanessa Alayrac-Fielding, Noriko Berlingez-Kono, Lu Shi et Philippe Vervaecke, pour l’axe 3.

21/11 – Frédéric Ogée (Université Paris Cité) – “‘Before & After’: Daniel Defoe, William Hogarth et les nouvelles représentations de l’individu dans l’Angleterre des Lumières”

            Nous avons eu le plaisir d’accueillir Frédéric Ogée à l’Université de Lille, pour une communication intitulée « ‘Before & After’: Daniel Defoe, William Hogarth et les nouvelles représentations de l’individu dans l’Angleterre des Lumières ». Frédéric Ogée est professeur à l’Université Paris Cité où il enseigne la littérature et l’histoire de l’art britannique. Membre du laboratoire LARCA, son travail se concentre sur le long XVIIIe siècle (1660-1851), et approche cette large période sous des angles d’approche variés, allant de la littérature aux jardins britanniques, en passant par l’histoire des idées ainsi que les liens tissés entre l’épistémologie, la philosophie et la production littéraire et artistique de la Grande-Bretagne des Lumières. De 2006 à 2007, Frédéric Ogée a été commissaire de l’exposition consacrée à William Hogarth au Louvre, en plus d’avoir été membre du Tate Britain Advisory Council entre 2014 et 2017. Ses publications sont nombreuses et traitent notamment de peintres anglais (The Dumb Show. Image and Society in the Works of William Hogarth (1997) ; Hogarth: Representing Nature’s Machines (2001) ; Turner, les paysages absolus (2010)), mais aussi de la circulation transnationale des œuvres et des idées (“Better in France?”: The Circulation of Ideas Across the Channel in the Eighteenth Century (2005) ; Diderot and European Culture (2006)). Frédéric Ogée travaille actuellement sur une série de quatre monographies de peintres anglais (Thomas Lawrence, J.M.W. Turner, Thomas Gainsborough et William Hogarth), celle sur Lawrence étant publiée en 2022. Il est aussi à l’origine d’une traduction de Gulliver’s Travel (1996) et de An Essay on the Theory of Painting (2008).

            Frédéric Ogée a commencé sa communication en revenant sur l’exposition du Louvre mentionnée par Vanessa Alayrac-Fielding lors de son introduction. Il s’agissait non seulement de la première fois qu’un peintre anglais faisait l’objet d’une exposition monographique au Louvre, mais cela avait également été l’occasion de mettre en place une opération de médiation auprès des collèges et des lycées appelée « Les Jeunes ont la Parole », dispositif très efficace qui avait permis d’établir un dialogue entre les étudiants et le public.

            Le professeur est ensuite revenu sur les raisons qui expliquent l’absence d’une autre exposition monographique d’un peintre anglais depuis celle sur Hogarth ; l’école de peinture anglaise n’est en effet apparue qu’au XVIIIe siècle, donc après celles du continent, et son acharnement à vouloir se différencier des autres écoles a eu des incidences délétères sur la dissémination et la visibilité de son style. Par conséquent, très peu de spécialistes se sont formés sur l’art des tableaux dans le monde anglophone.

            Frédéric Ogée a poursuivi son argumentaire en rattachant sa présente conférence à des interventions récentes dans lesquelles il a développé l’émergence de nouvelles formes de sociabilité au XVIIIe siècle. L’effondrement d’un système de classes hermétiques a bien émergé chez les Anglais avant d’être repris lors de la Révolution française : pour la première fois dans l’histoire européenne depuis le début du Moyen-Age, une forme de progrès au sein de la société était possible. Cette évolution, a soulevé Frédéric Ogée, se caractérise par une ambivalence flagrante car même si les métiers relatifs à la marine, à la construction navale ou au développement des sociétés urbaines ont prospéré, la ville de Londres était en proie à une croissance démesurée qui rendait impossible la mise en place d’une infrastructure durable — ce qui a conduit à une négligence des problèmes d’hygiène et d’approvisionnement.

            Une telle évolution de la société a marqué l’apparition de l’individualité ; cette prise de conscience et la mise en place de lois pour protéger l’intégrité des sujets (Acte d’Habeas corpus de 1679) ont affecté la façon de représenter l’individu : il ne s’agissait plus d’idéaliser des types mais de représenter et de capter les membres de la société tels qu’ils étaient. Frédéric Ogée a mis en perspective cette affirmation de l’individu avec la vie politique de l’époque, notamment à travers le déplacement du pouvoir vers le Parlement et l’abandon d’une censure de la presse. Les Anglais, a-t-il indiqué, ont réussi à créer la sphère publique, un espace où peut s’exprimer l’opinion publique. Le XVIIIe siècle a également marqué la naissance de l’art de la conversation qui permet d’échanger des idées même si les participants ne partagent pas les mêmes convictions. Le professeur a précisé que l’émergence d’une nouvelle classe dans la société était reflétée en peinture : la bourgeoisie a été touchée, pour reprendre ses mots, par un « problème de respectabilité ». En l’absence d’un quelconque pouvoir politique, se faire représenter en peinture était le seul moyen de visualiser et de rendre visible sa présence.

            Frédéric Ogée a ajouté que le XVIIIe siècle fut également le théâtre d’une nouvelle conception du monde : l’expérience et l’empirisme poussèrent l’individu à s’interroger sur sa place dans le monde et sur le but de son existence — s’il en était seulement un. A la fin du XVIIe siècle, un groupe d’intellectuels s’est intéressé aux rapports que les Hommes entretenaient avec la nature, et non plus avec la théologie comme il était coutume de le faire : c’est le passage d’une conception verticale du monde (dirigée vers Dieu) à une vue plus panoramique et horizontale par laquelle l’individu prend conscience de son environnement et de l’autre.

            Par la suite, Frédéric Ogée s’est appuyé sur une série d’articles écrits par Joseph Addison, The Pleasures of the Imagination, et parus dans The Spectator en 1712. Ils lui ont permis d’illustrer l’Age de la Sensibilité ainsi que les liens entre une approche sensorielle et l’imagination, ce que la raison ne peut pas expliquer. La diffusion d’idées à travers un format court et journalier visait à rendre accessible la philosophie à tous, à ne plus la réserver à une élite (« I have brought philosophy out of closets and libraries, schools and colleges, to dwell in clubs and assemblies, at tea tables and in coffeehouses[1] »).

            Le professeur a choisi de revenir sur une idée développée par Addison dans The Spectator : l’art ne peut être qu’inférieur à la nature. Cette affirmation s’oppose à la conception jusqu’à lors établie selon laquelle l’esprit humain se devait de dompter la nature, mais l’engouement qu’elle rencontra mènera finalement à la création de la Royal Society of London for the Improving of Natural Knowledge en 1660, ainsi qu’à travers une application de l’empirisme par Locke, à l’émergence de formes d’expressions nouvelles : les jardins paysagers, le roman, et le portrait « à la Hogarth ».

            Frédéric Ogée a alors dressé une comparaison entre un jardin français (Vaux-le-Vicomte) et un landscape garden anglais (Stourhead, Wiltshire). Tandis que le premier repousse la nature pour « laisser place à l’intellectuel », le second reste indéchiffrable avant d’en faire l’expérience : le visiteur ne sait pas où il va, il doit avancer et se tromper pour trouver son chemin. Il s’agit, selon Frédéric Ogée, de la métaphore parfaite de l’empirisme individuel, car tout le monde ne va pas en tirer une expérience identique bien que le jardin visité soit le même.

            Le roman s’occupe lui aussi de mettre l’individu au centre de ses préoccupations : Robinson Crusoé isolé sur son île est l’archétype de la page blanche. Le but du roman, et le professeur a fortement insisté sur ce point, est de plonger un individu lambda, sans intérêt, dans le tumulte du monde pour le confronter à l’angoisse relative à la prise en main de son destin. La progression s’avère donc être bien plus importante que le résultat obtenu.

            Afin d’illustrer le sujet de la peinture, Frédéric Ogée s’est appuyé sur The Painter and his Pug (1745) de William Hogarth. Pour lui, ce tableau représente le programme de l’école anglaise de peinture : le choix du carlin au dépend des chiens de l’aristocratie s’inscrit dans le rejet du beau pour préférer ce qui est vrai —  il en va de même pour la cicatrice présente sur le front du peintre, exposée à la lumière et à l’œil du spectateur. L’émergence de l’individualité et le refus d’une supériorité intrinsèque basée sur la naissance est caractérisée dans un autre tableau, Heads of Six of Hogarth’s Servants (1750-55), dans lequel le peintre a représenté ses domestiques pour former un groupe composés d’individus ayant chacun une personnalité propre et identifiable, sans qu’aucun ne prenne toutefois le dessus sur les autres. Pour la première fois, « Monsieur tout le monde » se trouve au centre de l’image.

            Frédéric Ogée a achevé sa communication en évoquant un thème-clé de sa monographie sur Turner : l’Anthropocène. Il interroge en effet la raison qui a poussé le peintre à léguer plus de trente mille images de paysages et en tire l’hypothèse de l’urgence, celle de capter un maximum de scène de la nature avant qu’elle ne soit saccagée. Cependant, il nous met en garde sur les différentes façons de voir la modernité ; il faut se garder de faire des généralisations absurdes et de plaquer nos questionnements d’aujourd’hui sur un matériau qui ne s’y prête pas. Frédéric Ogée ajoute que l’Anthropocène émerge d’un début de critique de la société de consommation — et Hogarth montre déjà que cet embourgeoisement, l’accumulation de choses inutiles et superflues, peut avoir des conséquences délétères (comme dans A Rake’s Progress, 1732-34).


[1] Addison Joseph and Steele Richard, The Spectator, No.10, 12 mars 1711.

Compte-rendu écrit par Paola Jugon

21/11 – Frédéric Ogée (Université Paris Cité) – “‘Before & After’: Daniel Defoe, William Hogarth et les nouvelles représentations de l’individu dans l’Angleterre des Lumières”

Nous avons le plaisir de vous informer que la prochaine séance de l’Axe 1 “Poïétique et Politique” aura lieu le mardi 21 novembre à 17h, dans la salle B1.607 du campus Pont-de-Bois, à l’Université de Lille.

Nous accueillerons à l’occasion Monsieur Frédéric Ogée, Professeur à l’Université Paris Cité dans le cadre d’une communication intitulée “‘Before & After’: Daniel Defoe, William Hogarth et les nouvelles représentations de l’individu dans l’Angleterre des Lumières”.

Cette séance est co-organisée avec l’Axe 3 du laboratoire CECILLE, “Pouvoirs, sociétés, cultures”.

Nous espérons vous y voir nombreux·ses.

Hélène Cottet, Claire Hélie et Sophie Musitelli, avec l’aide de Paola Jugon et Millie Mahieu, pour l’axe 1.

Vanessa Alayrac-Fielding, Noriko Berlingez-Kono, Lu Shi et Philippe Vervaecke, pour l’axe 3.

Programme de séminaires pour l’année 2023-2024

Nous avons le plaisir de vous communiquer le programme des séminaires proposés par le laboratoire CECILLE dans le cadre de l’Axe 1, “Poïétique et Politique”. Les salles indiquées sont toutes situées sur le campus “Pont-de-Bois” de l’Université de Lille.

Mardi 21 novembre (17h-18h30, B1.607)
Frédéric Ogée (Université Paris Cité) “Before & After”: Daniel Defoe, William Hogarth et les nouvelles représentations de l’individu dans l’Angleterre des Lumières”. Séance interaxe (Axes 1 et 3)

Mardi 5 décembre (17h-18h30, B0.553)
Anne-Florence Quaireau (Université d’Angers) “Le Féminin en partage : le voyage au Canada d’Anna Jameson”. Séance interaxe (organisée par les Axes 1 et 3)

Vendredi 8 décembre (10h-16h, salle à préciser)
Images et imaginaires des Amériques : art, littérature et histoire des représentations. Séance interaxe (organisée par les Axes 1 et Aires Culturelles, les Amériques)

Vendredi 26 janvier (9h-16h, lieu à préciser)
Dire et écrire les affects queer
Séance interaxe (organisée par les Axes 1 et 2)

Mardi 12 mars (16h30, B0.619)
Clément Fradin (Université de Lille) “Le contre-destroyer poétique : une lecture du poème Klopf de Paul Celan”

Mardi 28 mai (16h30, B0.619)
Nawal Alhalah Harb (Université de Lille) “Représentations de l’exil dans les romans des nouveaux exilés (littérature arabophone)”
Séance interaxe (axe 1 et aires culturelles Méditerranée et Proche-Orient)

Nous espérons vous y voir nombreux·ses.

Sophie Musitelli, Claire Hélie et Hélène Cottet

Étudiantes en Master 2 de littérature anglaise à l’université de Lille, nous sommes honorées d’apporter notre aide pour cette année 2023-2024 aux co-organisatrices de l’Axe 1 du laboratoire CECILLE concernant les communications effectuées sur ce carnet.

Écrit par Millie Mahieu et Paola Jugon.

04/05 Mylène Lacroix (Université de Lille) “Ecological Readings of The Tempest”

Nous avons le plaisir de vous informer que la prochaine séance de séminaire de l’axe “Poïétique et politique” se tiendra le jeudi 4 mai à 16h en B0. 610 à l’Université de Lille.

À cette occasion, nous accueillerons Mylène Lacroix, Maîtresse de Conférences à l’Université de Lille, et Elizabeth Freestone, metteuse en scène pour la Royal Shakespeare Company, qui présenteront une communication à deux voix intitulée : “Ecological Readings of The Tempest“.
https://www.rsc.org.uk/the-tempest/


Amicalement,
Claire Hélie, Hélène Cottet et Sophie Musitelli, avec le soutien de Louise Rose et Valentine Rousseau

27/04/2023 Talmud, Diaspora and the Jewish (No-) State with Daniel Boyarin (University of Berkeley) and Sergey Dolgopolski (University at Buffalo)

Pour écouter l’enregistrement :

https://univ-lille-fr.zoom.us/rec/play/0Kl4mrAnorbQqnezPQcj0K1fGAVLKC9Zr46q4-On7HITmhC5MVa43VDzvH9FfgcYJg6NNqwdgTH3Or5g.HOk51vEHTrZfCe3i

In this session, entitled ‘Talmud, Diaspora and the Jewish’, Elad Lapidot hosts a conversation between Daniel Boyarin (University of Berkeley) and Sergei Dolgopolski (University at Buffalo), his former student. Daniel Boyarin begins by exploring how Jewish culture has asserted itself as a nation. For Daniel Boyarin, Jewish culture was built in time, not space. It is precisely this construction in space with the emergence of the State of Israel, as one of the consequences of the Holocaust, that has been the source of much violence.

What the two researchers affirm is that Jewishness was built around the Talmud, but that the Talmud is not a book on the shelf. It is a work that is constantly being studied. It evolves at the same time as Jewish culture and constitutes a collective undertaking. It has an epistemic dimension that evolves from century to century and from era to era.

Sergei Dolgopolski then explains the importance of the notions of forgetting and remembering. The very first approximation according to him, is that by different sides, holocaust is either denied or commemorated under the name of genocide. The State is often understood as a solution to the genocide. The misunderstanding is that on either scenario either denied genocide or commemorate the genocide, holocaust is forgotten precisely because the event so named does not yield itself to any kind of full recollection to any kind of narrative and memory. Sergei Dolgopolski uses a phrase in Hebrew which means “If you cannot remember it forget it” and also says that you cannot forget what you do not remember.


Sergei Doldopolski also discusses the notion of Heimat (German for homeland) and explains how forgetting manifests itself in deportation or being forced to migrate. In this way, everyone is forgotten by the nation, forgotten by the homeland.

Written by Louise Rose.

[Sergey Dolgopolski étudie les manières dont la philosophie et la littérature interagissent, créant de nouveaux concepts philosophiques et de nouvelles formes littéraires. Il se spécialise dans le Talmud en tant que corpus de textes et de pensées vu sous l’angle de la poésie, de la rhétorique et de la philosophie, avec un intérêt particulier pour l’herméneutique mutuelle des traditions philosophiques, rhétoriques et talmudiques, et en mettant l’accent sur les engagements mutuellement façonnés de la pensée poétique talmudique et philosophique. Son dernier ouvrage, Other Others: The Political After the Talmud (Fordham University Press, 2018), établit une conversation à la fois fructueuse et tendue entre la théorie politique contemporaine et une exploration littéraire-théorique du Talmud, texte centrale du judaïsme rabbinique.

Autres publications : The Open Past: Subjectivity and Remembering in the Talmud (Fordham U. Press, 2012), What is Talmud? The Art of Disagreement (Fordham U. Press, 2009). 

Daniel Boyarin, Taubman Professor Emeritus of Talmudic Culture and Rhetoric, UC Berkeley, a obtenu son doctorat en 1975 au Jewish Theological Seminary of America. Il a été boursier NEH (deux fois), boursier Guggenheim, boursier de l’Institut d’études avancées de Jérusalem, titulaire du prix Berlin de l’Académie américaine de Berlin et boursier de la Fondation Ford. Il a passé l’année académique 2012-2013 en tant que boursier du Wissenschaft Kolleg à Berlin et a été un von Humboldt Forschung Preisträger à la FU Berlin en 2017. Il est membre de l’Académie américaine des arts et des sciences depuis 2006. Sa récente publication The No-State Solution, A Jewish Manifesto (Yale University Press, 2023), plaide en faveur d’un nationalisme sans souveraineté.

Publications récentes : A Traveling Homeland : The Talmud as Diaspora (Penn : 2016) ; Imagine No Religion [avec Carlin Barton : Fordham : 2016] ; Judaism : the Genealogy of a Modern Notion (Rutgers University Press, 2018).]

30/03/2023 Maxime Decout (Université de la Sorbonne) “Politique de la judéité” animée par Nurit Levy (Université de Lille)

Nous avons eu le plaisir de recevoir Maxime Decout pour une communication intitulée “Politique de la judéité” animée par Nurit Levy de l’Université de Lille.

Maxime Decout est professeur à l’université de la Sorbonne et membre junior de l’IUF. Il travaille notamment sur les relations entre judéité et littérature, auxquelles il a consacré deux essais : Albert Cohen : les fictions de la judéité(Classiques-Garnier, 2011) et Écrire la judéité (Champ Vallon, 2015). Il a participé à la publication des œuvres de Perec dans la Bibliothèque de la Pléiade (2017), a rédigé l’Album Romain Gary dans la même collection (2019) et a publié, aux Éditions de Minuit, quatre essais qui interrogent les relations entre authenticité, mensonge, écriture et lecture : En toute mauvaise foi (2015), Qui a peur de l’imitation ? (2017),Pouvoirs de l’imposture (2018) et Éloge du mauvais lecteur (2021).

Maxime Decout commence tout d’abord sa communication en précisant un point qui lui semble important à clarifier dès le début: selon lui, il n’existe pas de littérature juive en tant que telle. Il y a des écrivains juifs, mais pas d’écriture juive, car cette dernière est très diverse avec des enjeux variés. Le sujet de sa communication se rapporte au lien entre la littérature et le politique, notamment en parlant d’écrivains juifs du 19e siècle avec Eugénie Foa. Il élabore aussi à propos du “point de départ” des questions politiques liés à la judéité, et explique que c’est bien l’affaire Dreyfus qui va venir politiser la scène littéraire. C’est un moment de l’histoire où les écrivains se politisent massivement, et les écrivains juifs vont alors réagir face à la haine et à l’antisémitisme qui découlent de cette affaire.

Pour aller plus loin, il prend l’exemple de A la Recherche du temps perdu de Marcel Proust. Même dans une œuvre où l’auteur ne se positionne pas comme juif, cette caractéristique s’insère dans le texte et transforme les personnages. En analyse, il prend les personnages de Swann et Bloch. Bloch va tout faire pour faire disparaître les marques de sa judéité dans la société, tandis qu’un Swann vieillissant va retrouver ce lien perdu avec l’affaire Dreyfus notamment. Cette politisation se voit aussi beaucoup dans la presse, avec le développement de nombreuses revues juives, qui sont de véritables réactions à l’affaire. Nous voyons ici le lien étroit entre l’actualité et le/la politique.

Dans les années 1930 et 1940, très peu d’écrivains vont revendiquer leur identité juive, et beaucoup d’écrivains ne mobilisent plus l’épithète juif dans la presse ou à l’intérieur de leur œuvre. Il prend ici l’exemple de Saute, Barbara de Anna Langfus. C’est un écrivaine aujourd’hui oubliée alors qu’elle avait une certaine notoriété dans les années 1960. Elle raconte son expérience de la guerre et, au fil de ses livres, le mot juif semble effacé de sa narration, et les noms sont francisés dans ses écrits suivants.

Après la révolution de mai 1968, les particularismes identitaires vont revenir à la surface, et la France assiste à la parution d’un kyrielle de textes où la judéité redevient une question centrale. Maxime Decout mentionne particulièrement Belle du seigneur de Albert Cohen, La Disparition de Georges Perec, ou encore les textes de Marguerite Duras

Pour conclure sa communication, M. Decout parle des nouvelles formes d’antisémitisme qui naissent à notre époque : ces nouvelles formes sont encore trop complexes à mesurer. Entre autres, il mentionne l’inutilité des discussions avec les négationnistes, et les formes parfois complexes des rhétoriques antisionistes.

S’en est suivie toute une série de questions plus pertinentes les unes que les autres, mais celle qui nous est la plus intéressante ici est la suivante: Maintenant que nous n’avons presque plus de témoins directs de la Shoah, quels genres d’écrits les auteurs peuvent-ils produire aujourd’hui? Maxime Decout répond à la question en précisant que ce sont les enquêtes généalogiques qui prennent le plus de place dans les écritures juives de nos jours.

Résumé par Valentine Rousseau.

02/03/2023 Mélanie Joseph-Vilain (Université de Bourgogne): “Fonctions de la dystopie en contexte postcolonial” (axe Politique de la littérature, séance coordonnée par Cédric Courtois de l’Université de Lille)

Lors de la séance du 2 mars 2023, le séminaire d’axe « Politique de la Littérature » accueille Mélanie-Joseph Vilain pour une présentation qui porte sur la fonction de la dystopie en contexte postcolonial. Exerçant à l’Université de Bourgogne, Mélanie-Joseph Vilain travaille sur la littérature gothique, policière, spéculative et les réécritures dystopiques de littérature postcoloniale entre autres.

Son intervention s’appuie sur des questions formelles pour en arriver à la conclusion que les genres mentionnés ci-avant sont composés d’une composante politique et engagée.

En s’appuyant sur L’idée de la littérature. L’art pour l’art aux écritures d’inventions. (2021) écrit par Alexandre Gefen, elle montre que le genre dystopique appartient aux genres escapistes de la littérature. Selon Alexandre Gefen et Anne Besson (et notamment son ouvrage Les Pouvoirs de l’Enchantement, Usage politique de la fantasy et de la science-fiction. (2021)), ces littératures sont plus politiques que l’on pourrait l’imaginer. Ils parlent de « repolitisation », un phénomène que l’on retrouve notamment dans la cli-fi. La raison pour laquelle Mélanie-Joseph Vilain nous parle de la dystopie est qu’il s’agissait autrefois d’un genre en marge devenu de nos jours une forme culturelle très développée, à tel point que l’on pourrait s’interroger sur l’éventualité qu’il s’agisse d’un lieu commun. Selon Tom Moylan et Raffaella Baccolini dans Dark Horizons : Science-fiction and the dystopian imagination (2003), on parle de nos jours de « dystopian turn » (« tournant dystopique »). 

Mais la littérature dystopique ne serait-elle pas une « contre-littérature » ? Mélanie-Joseph Vilain s’appuie sur l’ouvrage de Bernard Mouralis Les contre-littératures (1975) pour soulever cette question. Le terme de contre-littérature se définit comme « tout texte qui n’est pas perçu et transmis – à un moment donné – de l’histoire comme de la « littérature » », la science-fiction tout comme la bande dessinée ou les romans policiers par exemple, se sont auparavant retrouvés dans cette catégorie. Etant donné que la dystopie appartient à un genre dominant, son statut de contre-littérature est remis en question.

Mélanie-Joseph Vilain se demande ensuite si la littérature dystopique est prospective. A la lecture d’une œuvre dystopique, l’impression de se retrouver face à un univers diégétique futuriste envahit le lecteur, toutefois elle se rapporte à notre monde contemporain. François Hartog nomme ce phénomène « présentisme ». C’est par le biais de l’ailleurs que la distanciation s’opère.

Mélanie-Joseph reprend le titre de l’essai de Margaret Atwood In Other Worlds : SF and the Human Imagination (2011) pour interroger la distanciation évoquée précédemment. La dystopie nous tend un miroir déformant. Et ce miroir est en partie la raison qui explique le succès des sagas Young Adult telles que Divergent selon Laurent Bazin dans La Dystopie (2019). Il parle d’un « miroir commode où mettre en scène ses clivages, projeter ses questionnements, vivre ses espoirs et ses craintes par transfert ou procuration. ». La dystopie n’est donc pas un genre escapiste mais engagé.

Mélanie-Joseph Vilain conclut sa présentation en insistant sur le fait que la littérature ne doit pas seulement être de la politique et de la dénonciation. Les auteurs racontent la fin du monde afin qu’elle n’arrive pas.

Résumé écrit par Louise Rose.

02/02/2023 Laurent Châtel “Writing the ‘picturesque’: the politics of lanscape in 18th and 19th Century British discourses.”

Laurent Châtel is a professor of cultural history and history of landscapes and gardens in the University of Lille. He has contributed to the collective work Jardins en Images, strategies de representation au fil des siècles directed by Jacques Berchtold and Michael Jakob published in January 2021. In this work, which focuses on gardens hermeneutics, Laurent Châtel focuses on « la question du visuel dans les jardins en Angleterre au XVIII°  et XIX° siècles »

During this session, Laurent Châtel questions the politics of landscapes as an unequal distribution of the sensible.

Laurent Châtel comments on Rancière’s Le partage du sensible (2000) and Le temps du paysage (2020) to showcase partition in landscapes. To introduce his contribution, a return to the roots of the word “landscape” seems important. “Landscape” comes from the Dutch “lantskaap”, a word that appeared in 1462, which means “the act of seeing”. Therefore, it constitutes the division of something private.

Not only is landscape an experience of “le partage du sensible”, but it is objectified too. In fact, it is made to be single, solitary, it is a unique place to enjoy solitude. Landscapes are considered private places because in British Culture creating a garden is connected to the idea of property.

Then, Laurent Châtel dwells on enclosed landscapes in terms of social science and economics. Enclosures are essential in the consideration of landscapes as possessions. Quoting Oliver Goldsmith, Laurent Châtel explains how landscapes became “deserted village” due to enclosures, which created more productivity and capitalism. Therefore, the poor people could not access what used to be common.

The option found by the British to get rid of fences in gardens was the ha ha. The ha ha, also called in French “le saut du loup”, is a design element, which creates a vertical barrier while preserving an uninterrupted view of the landscape beyond from the other side. It unites the garden and the countryside. Getting rid of fences by using the ha ha is the first opening out according to Laurent Châtel. It is a sort of frontier where there is a pleasure of viewing.

Therefore, the ha ha is an invisible limit, it is the first instance of “le partage du sensible” in landscapes.

This revolution is called the science of landscape, it is the union of poetry, gardening, and painting. It is the creation of a new discourse of the sensible.

Résumé écrit par Louise Rose.

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08/12/2022 Jeanne Schaaf   «Théâtre et multilinguisme: enjeux de traduction dans deux pièces contemporaines écossaises,  Ciara de David Harrower (2013) et What Shadows de Chris Hannan (2016) »

Jeanne Schaaf est PRAG a l’INSPE Paris et docteure à la Sorbonne Paris en théâtre britannique contemporain. Elle a notamment travaillé sur le théâtre écossais de l’époque post-coloniale lors de sa thèse.

La présente séance se concentre sur l’analyse de sa traduction, en association avec Elizabeth Angel-Perrez, de deux pièces écossaises contemporaines, Ciara de David Harrower (2013) et What Shadows de Chris Hannan (2016). Elle tend à ne pas se décrire comme spécialiste de la traduction ni du multilinguisme, et précise que son sujet est encore dans son stade de perfectionnement.

Elle découpe son intervention en cinq parties distinctes: le multilinguisme, la traduction, la genèse du projet, la présentation des deux pièces, et des études de cas.

Ses premières réflexions se tournent vers une redéfinition du terme de multilinguisme en Ecosse, en mentionnant l’article lumineux de Jean Berton “La relation linguiste en Ecosse: multilinguisme et scotticité”, Erea [en ligne] mis en ligne le 12 juin 2022, article sur lequel elle s’appuie pour ces redéfinitions. Pour aller plus loin dans la définition de la langue écossaise, elle mentionne le site L’ecossais, Scots Language Centre, afin de séparer les trois langues parlées en Ecosse, qui sont l’anglais, l’écossais et le gaelic. Travailler sur une traduction vernaculaire, explique-t-elle, c’est aussi penser aux enjeux des langues post-coloniales dans un contexte extra-national; comment une langue est-elle influencée de l’extérieur?

Dans ces pièces, certains dialectes peuvent même se superposer, ce qui laisse une grande place pour l’interprétation du traducteur/lecteur/spectateur. Jeanne Schaaf parle aussi du terme “tradaptation”, mot-valise qui laisse tout à fait entendre la liberté de traduction des stratégies employées par l’auteur. Est mis alors en jeu la responsabilité du traducteur, qui par une prise de position dans la traduction, a un impacte sur la réception.

Ce projet de traduction avec les deux chercheuses a démarré lorsque les éditions L’Arche ont proposé à Mme Angel-Perrez de traduire les deux pièces de Harrower et Hannan. Riche d’être dans le corpus de thèse de Jeanne Schaaf, elle propose une traduction en collaboration avec cette dernière. Ce fut la génèse du projet théâtral contemporain écossais.

Ciara est la dernière oeuvre de Harrower, et s’intéresse à l’écriture de la ville et propose une réappropriation d’un lieu typique du théâtre des années 1970, la ville de Glasgow. Elle se compose d’un monologue, écrit pour une actrice seule, qui peint le portrait d’une femme, Ciara, et d’une ville, Glasgow. Il y a donc de nombreuses topographies qui peuvent être inconnues à des lecteurs/spectateurs non-écossais. Au-delà des références topographiques et culturelles très spécifiques, l’écossais intervient directement dans le discours rapporté qu’elle fait des hommes qui l’entourent, elle utilise donc un sociolecte, dialecte, diacrolecte (dialecte utilisé par des générations antérieures) difficiles à traduire. On voit une superposition de ce qui relève d’une langue et de ce qui relève de l’oralité, il faut donc trouver le juste milieu entre traduire une langue et traduire un registre.

What Shadows a été écrite dans le contexte du brexit en 2016, et d’ancuns peuvent y percevoir une forte résonnance politique. Dans cette pièce, certains personnages secondaires viennent de l’immigration pakistanaise, et d’autres sont des descendants d’immigrés carribéens, et les scènes de dialogue font entendre des scènes créolisées de l’anglais. On y perçoit aussi une rhétorique guerrière dans la hierarchisation des langues dans le contexte britannique.

Pour conclure, les limites entre dialecte, sociolecte et vernaculaire se recoupent parfois, et le sujet d’étude ici était d’analyser comment ce recoupage peut être rendu compréhensible pour un public qui ne serait pas la cible initiale. Nous disposons parfois d’une palette limitée pour rendre compte des subtilités d’un texte. Les deux pièces nous donne à entendre un passé colonial, et en l’enlevant de la traduction, on aurait la responsabilité de faire disparaître la référence coloniale qui fait pourtant partie intégrante de l’oeuvre. Il ne faudrait pas que la traduction devienne hégémonique ou assimilatrice, et qu’elle vienne gommer des enjeux centraux dans le texte de départ.

Résumé par Valentine Rousseau.

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