« La poésie abolitionniste » – Hélène Quanquin

Lors de son intervention le 25 avril 2019 dans le cadre du séminaire « Politique de la littérature » et du séminaire « Les Amériques », Hélène Quanquin a évoqué la poésie abolitionniste à travers la figure de William Lloyd Garrison. Ce dernier était un abolitionniste (blanc) militant et rédacteur en chef du Liberator, un journal hebdomadaire publié pour la première fois en 1831 et qui compta plus de 1800 numéros. Le journal, qui publie des auteurs noirs-américains et des femmes (la rubrique « Ladies department » est réservée à ces dernières) prend position contre l’esclavage à travers articles et écrits littéraires. La poésie publiée par The Liberator est donc engagée, trop peut-être selon le fils de Garrison, Wendell Phillips Garrison, qui trouve les poèmes écrits par son père « too conditioned by the reformer’s needs. » Même un poème pour célébrer la naissance de son premier enfant devient en effet une réflexion politique sur les enfants qui, eux, sont nés esclaves (sans compter que la plupart des enfants de Garrison ont des prénoms qui sont ceux d’amis abolitionnistes).

Cependant, William Lloyd Garrison n’est pas une exception : la poésie est très courante avant la guerre de Sécession, et elle fait partie de la vie quotidienne. Et contrairement aux idées de son fils, William Lloyd Garrison la conçoit comme un moyen légitime d’expression politique : elle doit être lue parmi les articles qui l’entourent dans le numéro et non dans un recueil. Plus qu’une forme d’expression artistique, elle est une forme d’engagement avec le monde et un mode d’action. Garrison a été fortement inspiré par la poésie romantique et l’image des poètes martyrs comme Byron. Il semble donc logique que sa poésie soit un engagement à part entière dans la lutte pour l’abolition de l’esclavage.

« An Army of Lovers is being beaten: Fantasy, Poetry, and Politics » – Daniel Katz

Lors de son intervention intitulée « An army of lovers is being beaten : fantasy, poetry and politics » Daniel Katz nous a fait découvrir un roman collaboratif An Army of Lovers. Cette œuvre en prose, publiée en 2013, a été écrite par deux poètes : Juliana Spahr et David Buuck. Les deux protagonistes sont également deux poètes, Demented Panda et Koki, qui décident de collaborer. L’œuvre commence avec le récit d’un été collaboratif pour se terminer sur un manifeste fantasmagorique appelant à une révolution qui serait à la fois poétique et politique. En effet, à travers des passages qui relèvent parfois du carnavalesque, c’est bien le politique qui est interrogé, comme lors de cette scène ou des excréments remontent des égouts et envahissent les rues. Cet excès organique est mis en parallèle avec l’excès capitaliste de la société de consommation car dans le même temps ce sont des bouteilles de Sprite ou de Coca-Cola qui jonchent les rues.

Le fantasme ne met plus en scène un Ego unique, lié à un individu particulier (selon les théories de Freud), mais montre au contraire l’abolition de l’inconscient individuel dans un monde où absolument tout est partagé, que ce soit l’amour, les ressources, la sexualité : tout acte devient poésie et la poésie devient résistance. De la même façon que le poète C. A. Conrad pratique des rituels mêlant poésie et corps humain, cette œuvre révolutionnaire mêle fantasme, poésie et politique. Comme nous l’explique Daniel Katz à la fin de l’intervention, presque toute la poésie d’avant-garde américaine depuis la guerre d’Irak est extrêmement politique.

« Littérature et l’empreinte mémorielle du SIDA (1981-1996) » – Mathieu Duplay

Dans son intervention du 7 février sur l’empreinte mémorielle du sida, Mathieu Duplay s’est intéressé à l’œuvre de l’écrivain américain Allen Barnett. Emporté par le sida en 1991 à l’âge de trente-six ans, il est l’auteur d’un unique recueil de nouvelles, publié en 1990 : The Body and its Dangers, qui connut un succès critique comme de librairie, puis fut oublié des lecteurs et de la critique. Selon Mathieu Duplay, les six nouvelles de ce recueil composent une mosaïque ; à travers ces récits elliptiques, Allen Barnett redonne à ses personnages le statut de sujets et non plus seulement de malades ou d’homosexuels, et renverse la hiérarchie entre le dicible et l’indicible. Il s’agit de contester le silence, voire le mépris affiché des autorités face à la maladie dans les années 1980.

A travers une intertextualité foisonnante et des références classiques et historiques, telles qu’une épidémie de peste ayant sévi à Rome sous le pape Grégoire le Grand et pour laquelle une inaction similaire des autorités a pu être constatée, Allen Barnett interroge le rapport à la communauté, à la mort et à l’oubli. Comme le dit l’un de ses personnages, un jour, le sida pourrait bien devenir « a manageable chronic condition, » ce qui est en effet le cas aujourd’hui lorsque cette maladie est correctement prise en charge. Ce n’est donc pas seulement aux personnes de son époque qu’Allen Barnett parle à travers ce recueil, mais bien aussi à nous, à ceux d’après. Il s’agit ici de redonner la parole aux morts pour qu’ils parlent aux vivants, de créer une « democracy of the dead » selon l’expression de Chesterton, écrivain anglais du XXe siècle. Allen Barnett lui-même nous parle, à travers ses personnages et ses histoires. D’après Mathieu Duplay, ce n’est donc plus tant la mort de l’Auteur décrite par Barthes à laquelle il convient de réfléchir, mais bien la mort de l’auteur avec un petit « a »: l’homme, celui qui aurait pu vivre et écrire d’autres œuvres.

« Beckett and France: the politics of multi-lingualism » – Jean-Michel Rabaté

Dans sa communication intitulée « Beckett and France: the politics of multi-lingualism », Jean-Michel Rabaté évoque le rapport de Beckett à la langue dans l’écriture de ses œuvres. Grâce à la récente publication de textes de l’auteur jusque-là ignorés, c’est un nouveau Beckett qu’il nous est donné de voir depuis une dizaine d’années. La difficulté de ces textes réside dans leur bilinguisme. Rarement satisfait de son travail, la traduction que fait Beckett de ses propres textes en altère grandement le contenu et la longueur. Pour lui, écrire en français est une façon de s’affranchir du style, ce qui, en cela, rappelle l’écriture de Louis-Ferdinand Céline. Témoin de l’Holocauste, l’œuvre de Beckett semble faire écho, plus que celle de Joyce, à des moments de drame et de catastrophe.

Bien que la pièce « En attendant Godot » – écrite en français puis traduite par l’auteur lui-même – soit devenue un classique du modernisme, Beckett refuse l’appellation de « Kafka irlandais ». Les œuvres de Kafka se caractérisent par le combat d’un seul homme contre quelque chose, alors que pour Beckett la pluralisation des personnages et l’antagonisme dominent et teintent ses textes d’une certaine forme de cynisme et de nihilisme. Pour lui, la peur réside, non pas dans la menace de la bombe atomique, mais dans l’avortement possible de la mort. La question qui se pose aujourd’hui est celle de la traduction des textes de Beckett, notamment en chinois, qui est rendue complexe par le bilinguisme de l’auteur. Son œuvre apparait alors comme difficile à saisir dans son intégralité, à moins de maîtriser, tout comme Beckett, ce va-et-vient entre les langues.

« Américanisme et anti-américanisme: le débat des intellectuels italiens entre les deux guerres (Borgese, Soldati, Cecchi et Vittorini) » – Camilla Cederna

Dans sa communication qui s’intitule « Américanisme et antiaméricanisme dans la culture italienne entre les deux guerres », Camilla Cederna s’interroge sur la place qu’occupe la culture américaine au sein de la culture italienne. L’Amérique se voudrait symbole de liberté et de pensée antifasciste, mais c’est une image plus nuancée que décrit Cesare Pavese, un des auteurs majeurs du XXe siècle, qui représente les Etats-Unis comme un univers féroce et non civilisé. La publication en 1941 de l’anthologie Americana grâce à Elio Vittorini – et notamment sa préface – renforce l’idée d’une Italie teintée d’un profond sentiment antiaméricain et d’une idéologie fasciste. Les Etats-Unis sont dépeints, de façon parfois paradoxale, comme pays à la fois barbare et moderne, matérialiste et humaniste, où la violence et la criminalité règnent. C’est l’échec du « melting pot » américain que cherche à mettre en avant la littérature italienne.

Pour l’écrivain Mario Soldati, qui publie en 1935 America primo amore, la distance entre l’ancien et le nouveau monde est infranchissable et les Italiens qui arrivent aux Etats-Unis ne sont plus que des êtres hybrides. Emilio Cecchi, dans son œuvre America Amara (1939), dénigre, lui aussi, tous les aspects de la culture américaine : les gratte-ciels, les musées, la littérature, les intellectuels etc. Il met son travail au service du fascisme et cherche à montrer que le « melting pot » serait la cause de la dégradation de la race anglo-saxonne. Giuseppe Antonio Borgese, quant à lui, s’oppose à ses contemporains. Professeur de littérature à Turin et à Milan, il est persécuté par des groupes fascistes qui le forceront à quitter l’Italie pour les Etats-Unis. En 1931, il refuse de signer le serment au fascisme et revendique son acte dans deux lettres adressées à Mussolini. Borgese se démarque en pensant l’appropriation de la culture américaine en lui-même, et non l’inverse. Il insiste sur la dualité de l’exile et défend le « melting pot ». En 1952, il retourne en Italie où il meurt peu de temps après, et la même année, il est proposé comme candidat au Prix Nobel de la paix.

« Critères de l’écriterre » – Thomas Dutoit

Dans son intervention intitulée « Critères de l’écriterre, » Thomas Dutoit s’appuie principalement sur Derrida pour éclairer les notions de trace et d’écriture, en lien avec la terre. La notion de « gravité » est centrale à son propos. La gravité implique le poids ; la tombe (« grave » en anglais) est creusée dans la terre et laisse ainsi une trace de la mort. L’écriture serait ainsi liée à la gravité, au fait de laisser une trace. La terre écrit, c’est-à-dire laisse des traces. Il s’agit de les lire. Or la façon dont les humains hiérarchisent l’écriture, par exemple en subordonnant le paratexte au texte, ne vaut plus : la note de bas de page ou le post-scriptum sont aussi importants que le texte principal puisqu’ils l’éclairent et par-là, le créent. Une route est ainsi une trace qui, traversant une forêt, crée une réversibilité dans l’espace et dans le temps. La note de bas de page et le post-sriptum fonctionnent de façon similaire, en permettant de revenir au texte principal pour le lire différemment.

Le temps est donc une question centrale puisqu’il s’agit de lire à rebours. Le changement climatique est une forme de post-scriptum qui force l’humanité à relire son Histoire différemment. En tant que forme d’écriture de la terre, il crée l’Histoire en lui donnant un point de départ depuis lequel lire à rebours, et en même temps efface cette Histoire en annulant la séparation entre passé et présent, puisque tout est lié. Dans un essai sur le temps, Derrida fait parler de grands philosophes, mais derrière eux, c’est Ama, terme grec signifiant « en même temps », « à la fois », qui s’exprime. Il s’agit, grâce à cette voix féminine, de penser différemment nos visions du temps, et notamment de penser la simultanéité. Un évènement passé est malgré tout lié au futur, appartient déjà au futur dans le sens où il aura des répercussions sur ce futur. Il en est ainsi du changement climatique. Il s’agit donc aujourd’hui pour l’humanité de relire les traces laissées par la terre afin de comprendre le changement climatique, et par là, son Histoire.

« Talking to Peasants: Language, Place and Class in British Fiction 1800-1836 » – Jane Hodson

Dans sa communication intitulée « Talking to Peasants: Language and Place in British Fiction 1800-1836 », Jane Hodson nous montre ce qu’il se passe lorsque des personnes de familles aisées vont à la rencontre du peuple et tentent d’initier une conversation. Au XIXe siècle, la question du dialecte devient importante et la publication de livres de grammaire renforce l’idée suivante : « how we speak is who we are ». Le langage devient un reflet de l’identité, de l’origine géographique et de la classe sociale. Mais jusqu’à récemment l’étude des dialectes dans la fiction du XIXe était limitée à quelques auteurs canoniques tel que Walter Scott, ce qui donnait lieu à un point de vue très uniforme de l’utilisation et de la représentation des dialectes. C’est ce qui a donné envie à Jane Hodson d’approfondir ce thème de recherche.

Au début du XIXe siècle, les dialectes dans les romans anglais sont utilisés pour représenter des personnages peu éduqués censés amuser les personnages de classe plus aisée et le lecteur ; nombre de romans écrits du point de vue de personnes aisées sont ainsi très condescendants vis-à-vis du peuple et son langage, qui ne correspond pas à la norme des livres de grammaire. Mais l’apparition du « metalanguage » à partir de 1830, offre une nouvelle dimension aux romans. Désormais, le langage n’est plus seulement le reflet de l’identité de l’autre mais de sa propre identité, puisque la façon qu’ont les personnages de réagir au langage de l’autre reflète également cette identité et peut donc faire des personnages de bonnes ou de mauvaises personnes suivant qu’ils respectent cette différence ou au contraire la méprisent (lorsqu’ils sont confrontés au langage – jugé presque barbare – du peuple). En effet, avec la publication des Lyrical Ballads et la préface de Wordsworth, ainsi qu’avec les poètes romantiques en général, on assiste à une revalorisation des dialectes comme étant une langue plus pure, plus proche de la nature, et plus vraie du peuple, que les élites doivent respecter. Les romans du XIXe siècle créent donc un entrecroisement d’identités et de modèles éthiques à travers l’utilisation des dialectes.

« The Guerilla Pastoral » – Steve Ely

Dans sa communication, Steve Ely explore un nouveau genre poétique dont il est à l’origine : « The Guerilla Pastoral ». Son œuvre s’intéresse à l’identité anglaise à travers les marges, notamment dans des œuvres telles que Oswald’s Book of Hours ou encore Englaland dans lesquelles il s’interroge sur ce que signifie réellement être anglais en explorant les thèmes de la violence révolutionnaire et des milieux sociaux. Les personnages qui peuplent ses écrits sont souvent des marginaux, entre révolutionnaires et hors-la-loi, qui contribuent à donner à son écriture une dimension politique forte. L’antisémitisme, l’écologie, la globalisation et les génocides (arménien et rwandais) sont des thématiques qui occupent une place très importante dans son œuvre.

La question « who are we? », cette recherche d’une identité qui doit être redéfinie, imprègne sa poésie, et notamment les poèmes qui traitent de la classe ouvrière du nord de l’Angleterre qui se sent délaissée par le gouvernement et dont l’environnement a été détruit pour laisser place à une société de consommation et une privatisation des terrains. La représentation de la nature et de la faune qui est présente dans son œuvre peut être lue à la lumière de la tradition pastorale, et plus précisément de la « post-pastoral » qui cherche à refléter les faits et la valeur intrinsèque de la nature, contrairement à la pastorale traditionnelle et sa nature idéalisée. Le terme de « guerilla », associé à cette dimension pastorale, évoque une guerre asymétrique et inégale. De cette façon, la « dark pastoral », qui émerge de la perte de tout espoir, s’est subrepticement immiscée dans son œuvre.

A l’instar de ses personnages sombres et marginaux qui pénètrent sans permission sur les terres qui leur sont désormais interdites d’accès, Steve Ely se fraye un chemin et impose sa présence dans le canon littéraire, espace tant de fois refusé aux marges et à la classe ouvrière.